Lidia López Gómez

Aunque la terminología pueda sugerir lo contrario, la creación sonora en el audiovisual no es un concepto reciente, sino que es una noción que surge a finales del siglo XIX a raíz de los pri- meros intentos de sincronización de imagen y sonido realizados por inventores como Edison, Dickson o Lee de Forest El cine y el sonido se convirtieron en un campo de experimentación que llevó a la estandarización definitiva del sonido cinematográfico en los últimos años de la década de los 1920 Desde entonces, la creación sonora para la imagen se fue adaptando a las nove- dades tecnológicas que surgieron sin pausa a lo largo de todo el siglo XX, como fue la llegada de los sintetizadores en los años 1950 o la irrupción del protocolo MIDI en los 1980.
En la actualidad, las nuevas tendencias audiovisuales, tales como los videojuegos o las diferentes creaciones para platafor- mas de streaming, vuelven a ser un campo de experimentación para la creación de nuevos discursos audiovisuales Estos nuevos medios se caracterizan por buscar en todo momento situarse a la vanguardia tecnológica a la vez que se preocupan por la esté- tica y viabilidad comercial, resultando en un guiño involunta- rio a los primeros inventos que empezaron a allanar el camino creativo allá por 1895
Así, el audiovisual ha sido, está siendo y sin duda será, una fuente inagotable de creación y experimentación sonora, que a lo largo de los últimos treinta años ha conseguido captar no sólo la atención del público general, sino también la de investi- gadores y académicos Desde los años 1990, la disciplina ocupa su merecido lugar en el mundo académico, y como respuesta a este interés colectivo, surgen propuestas como el presente volumen. Este libro se configura como una compilación de trabajos académicos que estudian la creación audiovisual en diferentes puntos cronológicos y desde diversas perspectivas, con la auto- ría de diez investigadores que comparten la inquietud de pro- fundizar en el estudio de la creación sonora en el audiovisual
El primer capítulo del libro, escrito por Jorge Gil Zulueta, realiza, desde una perspectiva histórica y musicológica, una exploración de los recursos que existían alrededor de la década de 1920 en EE UU para ayudar a los músicos que acompaña- ban películas sin sonido sincronizado mecánicamente El autor analiza el método de Lang y West como ejemplo paradigmá- tico de los manuales y soportes impresos existentes y dedicados a orientar la actuación en directo, paralela al film, del músico.
Por su parte, Alicia García Medina hace un extenso repaso por el catálogo de versiones y adaptaciones derivadas de la novela Ramona de Helen Hunt Jackson (1884) Según pre- senta García, todas estas creaciones –desde películas sin sonido sincronizado mecánicamente, cortometrajes, canciones, álbu- mes y piezas parte de una banda sonora– tienen en común la entrañable melodía de la canción «Ramona», compuesta por Mabel Wayne y Wolfe Gilbert e interpretada por Dolores del Río en la primera versión fílmica sonora de Edwin Carewe El talento de la actriz mexicana y la conmovedora historia de Ramona, una desdichada india de la baja California, hacen que se haya utilizado durante un siglo este tema como expo- nente del respeto a la diversidad, la lucha contra el racismo, el anhelo de libertad y el amor, entre otros valores, tal y como lo expone García. En el siguiente capítulo, Javier Rivas reivindica la figura del artista, especialmente del músico, en la recuperación de la memoria histórica y en la actualización de elementos culturales populares vinculados a una visión ideológica, utilizando el tér- mino movilización de la tradición acuñado por Roy Eyerman y Andrew Jamison (1998) Con la película de Jean-Louis Como- lli Buenaventura Durruti, anarquista (1999) como estudio de caso, Rivas argumenta cómo el film emplea una serie de técni- cas de raíz brechtiana para articular un discurso de crítica con- tra el «pacto del olvido» institucional ante la Transición espa- ñola; entre estas técnicas, Rivas destaca la música compuesta por Michel Portal y el «Romancero de Durruti» de Chicho Sánchez Ferlosio El autor participa entonces en una reflexión sobre la praxis intelectual y política del artista comprometido –músico y cineasta–, el «intelectual orgánico» gramsciano, el cual rearticula los recursos de una tradición cultural, pero al mismo tiempo los transmite «pedagógicamente» a otros potenciales activistas, siendo la música, su compositor y sus intérpretes –tanto en el fondo como en la forma– piezas clave en la movilización social. ¿Eran el jazz y sus formaciones aptos para la música de cine? Vicens Martín Piquer ofrece su respuesta a esta cuestión por medio del análisis de la banda sonora que Duke Ellington compuso para la película Anatomía de un asesinato, de Otto Pre- minger El autor revisa uno por uno los principales temas del soundtrack –el primero creado por un músico de jazz e interpre- tado íntegramente por una Big Band–, describiendo la relación entre los elementos musicales y paramusicales Dicho análisis acompaña su reflexión sobre la presencia del jazz en un séptimo arte que ha tendido, ya desde sus inicios, a incorporar sonori- dades más cercanas a la tradición europea. Gemma Ma Salas Villar presenta su mirada a la obra Clair de Lune, de Claude Debussy A través de un análisis interdiscipli- nar, la autora revisa los múltiples condicionantes que influyeron en la creación de esta pieza, definida por ella misma como unión magistral de arte y ciencia Tras un interesante recorrido en el que visita la conexión de la obra con el esoterismo, la poesía o la hermenéutica, Salas reflexiona sobre el significado que esta música ha adquirido a través su uso en distintos medios audio- visuales, concluyendo que uno de los clichés desarrollados en este ámbito se sustenta sobre el profundo vínculo de Clair de Lune con el concepto de deseo
En el siguiente capítulo del libro, Alícia Daufí realiza un análisis sobre la transmediación que se llevó a cabo desde par- tir de la serie de novelas de Ignasi Agustí, La ceniza fue árbol Esta serie, llevada a la pantalla televisiva en dos ocasiones, tiene un punto culmen ambientado en el conocido teatro Gran Tea- tro del Liceo de Barcelona Así, la autora presenta, a partir de una exhaustiva revisión documental y los materiales originales conservados en el Archivo de la Sociedad del Gran Teatro del Liceo, un estudio sobre la implicación del teatro en los roda- jes y un análisis sobre los usos y funciones de la música en dos capítulos con argumentos paralelos de ambas series
Laia Queralt se acerca al director surrealista David Lynch y a la película Lost Highway (1997) con una propuesta ana- lítica que busca desentrañar qué función cumple la música en la creación del arquetipo de Femme Fatale, al cual res- ponden las dos protagonistas femeninas del film Tras una amplia contextualización histórica y categorización sobre las implicaciones del término, la autora profundiza en los ele- mentos musicales que representan a esta figura representa- tiva del género negro. La serie Tremé (Simon y Overmyer, 2010-2013) pre- senta una historia coral de supervivencia y lucha por la cul- tura y la tradición en una Nueva Orleans recién azotada por el Katrina Partiendo de este contexto narrativo, y teniendo en cuenta el encaje de la serie en la obra de David Simon, José Sánchez discurre sobre el papel de la música en este pro- ducto audiovisual Su análisis, que combina la mirada a ele- mentos como el estilo y la tímbrica con el examen del argu- mento y del diseño visual, fundamenta su argumento a favor de considerar el elemento sonoro parte imprescindible en la construcción de esta historia Así, la música se constituye, a ojos del autor, en cuasi una representación sensible del «alma inmortal» de Nueva Orleans
Los spots publicitarios también tienen su espacio en este volumen En este caso, Ángel Monasterio y Joaquín Ródenas analizan el spot corporativo de la ONG Open Arms, basán- dose en la propuesta de análisis semiótico planteado por Philip Tagg en la década de 1980, con máxima vigencia hoy en día, y que parte de la premisa de que toda música debe su significado a un complejo proceso de mediación cultural El profundo y exhaustivo análisis lleva a los autores a afirmar cómo la música del anuncio responde a una categorización de «épica» a través de fórmulas compositivas específicas que han sido absorbidas culturalmente por la mayor parte de la población . El en último capítulo del libro, José Luis Centeno Oso- rio analiza en su artículo el papel de la música en el videojuego Dead Space, considerado uno de los más aterradores de la histo- ria Su estudio se inicia en el nivel poiético, con las aportaciones de los creadores, quienes explican los motivos de las decisiones tomadas a nivel de diseño, tanto visual como sonoro Dichos testimonios sirven de punto de partida para posteriores e inte- resantes consideraciones sobre el enorme peso del elemento sonoro en terrenos como el de la jugabilidad o el de la creación de atmósferas, reflexiones que sirven al autor para justificar la importancia de esta banda sonora, convertida en un claro refe- rente del género.
Los textos que conforman este libro fueron presentados como investigaciones originales en la IIIa edición del Congreso
Internacional ‘Perspectiva Sonora’ que se celebró conjunta- mente con el XII simposio internacional «La Creación Musi- cal en la Banda Sonora» en julio de 2019 en el TecnoCampus de Mataró, Barcelona
Para su edición, el libro ha contado con el apoyo de la Sociedad Española de Musicología (Sedem).

What did popular song mean to people across the world during the First World War? For the first time, song repertoires and musical industries from countries on both sides in the Great War as well as from neutral countries are analysed in one exciting volume. Experts from around the world, and with very different approaches, bring to life the entertainment of a century ago, to show the role it played in the lives of our ancestors. The reader will meet with the penniless lyricist, the theatre chain owner, the cross-dressing singer, fado composer, stage Scotsman or rhyming soldier, whether they come from Serbia, Britain, the USA, Germany, France, Portugal or elsewhere, in this fascinating exploration of showbiz before the generalization of the gramophone. Singing was a vector for patriotic support for the war, and sometimes for anti-war activism, but it was much more than that, and expressed and constructed debates, anxieties, social identities and changes in gender roles. This work, accompanied by many links to online recordings, will allow the reader to glimpse the complex role of popular song in people’s lives in a period of total war.