Procesos Creativos

Resumo: La investigación trata de realizar producciones para la formación desde tres puntos de vista: 1. el aspecto estético y teórico; 2. la descripción del proceso realizado; 3. la actuación musical real. A partir de los fundamentos teóricos observados, la intención es de describir la producción de nuevas obras, sean arreglos o composiciones para la dicha formación. La producción trabaja el género choro y propone el enfoque en tres etapas: la interpretación de un arreglo histórico de referencia y, a partir de esto, la realización de un arreglo y una composición dentro del género. Palavras-chave: Arreglos. Música Popular. Choro. Pixinguinha. Ernesto Nazareth. Jazz Band. Creactive processes in Brazilian Choro arrangements and compositions for Brazilian Jazz Band/Typical Orchestra Abstract: The research tries to make productions for Brazilian Jazz Band from three perspectives: 1. the aesthetic and theoretical aspect; 2. description of process done; 3. the musical performance. From the observed theoretical foundations, the intention is to describe the production of new arrangements and compositions for such group. The production works with the Brazilian musical genre choro and proposes the approach of it in three stages: the interpretation of a historical arrangement of reference, the realization of an arrangement and the realization of a composition within the same genre.

El campo de estudios y trabajos cinematográficos ha vivido durante un siglo sin atender seriamente el modo concreto en el que se construyen las películas. Los manuales téc¬nicos de realización y producción dejan escapar lo esencial del proceso cinematográfico, a pesar del detalle con el que describen las tareas de ese proceso creati¬¬vo. Diversas razones específicas del propio mundo del cine explican este extraño comportamiento. Pero solo hay una razón esencial —y aparentemente irresoluble— que el cine comparte con el resto de oficios y técnicas: el carácter tácito de los conocimientos implicados en las veladas habilidades de los cineastas. Es el "problema del artesano", tal como lo plantea Richard Sennett en su libro sobre los más diversos oficios: los artesanos no comprenden lo que hacen. Pero ese saber sobre un hacer debe ser elucidado. Es¬¬pecialmente, en los tiempos actuales del giro digital que promete o amenaza revolucionar el mundo del cine al completo. Debemos entonces redescribir ese proceso cinematográfico, sin atender a las urgencias pragmáticas de los rodajes y a los obstáculos ideológicos de un sistema institucional —que siempre entendió la creación fílmica bajo los parámetros de la mecanización y la estandarización—. La redescripción planteada en este trabajo describe así el proceso cinematográfico como un proceso creativo con dos estratos. Por un lado, el diseño de las restricciones y las prerrogativas (es¬téticas y económicas) del proyecto, definidas por el director y el productor. Por otro, el desarrollo de ese proyecto a través de la exploración de la especificidad del cine como un juego de metamorfosis de sustancias expresivas. Dicho juego cristaliza en el choque —durante el rodaje— entre la escenificación (los movimientos de los actores en el decorado) y la filmación (de las imágenes y los sonidos desde unas determinadas posiciones de cámara y micrófono).

El IV ECART, Encuentro Platense de Investigadores sobre Cuerpo en las Artes Escénicas y Performáticas, tuvo su realización los días 24, 25 y 26 de noviembre de 2015, en el Centro Cultural Islas Malvinas - calle 19 entre 50 y 51 - de la Ciudad de La Plata, y fue organizado por El Grupo de Estudio sobre Cuerpo - Centro Interdisciplinario Cuerpo, Educación y Sociedad y la compañía independiente Proyecto en Bruto En sintonía con los encuentros realizados en los años 2010, 2011 y 2013, se presentó como un espacio para profundizar y dar continuidad a las instancias de diálogo, puesta en común y debate que venimos sosteniendo quienes compartimos el interés por la reflexión en torno a las corporalidades en las artes escénicas y performáticas. En la edición anterior del ECART, y en la compilación de artículos que publicamos en esa oportunidad, advertimos que al pensar sobre y desde el cuerpo, la referencia al espacio se volvía ineludible. De algún modo -intuimos- el cuerpo se había hecho espacio, se había transformado en esa espacialidad montada y recreada por el arte. En el trabajo con artes escénicas y performáticas que venimos haciendo-pensando diciendo, pareciera que el cuerpo no fuese más o no pueda ya ser pensado como lo pensábamos; como si hubiera estallado y sus piezas estuvieran cayendo en otros lados, en una des/rematerialización. Derivando de la reflexión sobre el cuerpo, lo corporal y la corporalidad en las artes escénicas y performáticas, la pregunta y la reflexión sobre el espacio en tanto dimensión plural se tornó necesaria e ineludible. De qué espacio hablaríamos, cuáles eran los abordajes posibles desde lo multidisciplinar, qué cruces teóricos y conceptuales esperábamos en esta edición de IV Encuentro Platense de Investigadores sobre Cuerpo en las Artes Escénicas y Performáticas, fueron algunas de las preguntas que surgieron. “Espacio ampliado, espacio físico, espacio real, espacio simbólico, espacio virtual, espacio-tiempo, espacio corporal, espacio de contemplación, espacio de representación, espacio entre, espacio alternativo, espacio vacío, espacio lleno, espacio escénico, espacio creativo, habitar el espacio, espacio del discurso, lugar, no-lugar, ejes espaciales, estructura espacial, direcciones espaciales, espacio interior, espacio exterior, espacio propio, espacio compartido, espacio público, espacio de articulación” Partiendo de la multiplicidad de sentidos y usos en relación al espacio en su vinculación con el cuerpo en las artes escénicas y performáticas, propusimos, para esta IV edición del ECART, tomar el concepto de espacio como eje transversal que articule las diferentes reflexiones acerca de temáticas específicas. Propusimos entonces, “ecartear” el cuerpo, espaciarlo y expandirlo desde lo articular, tejer una nueva configuración, entramar sus fragmentos estallados.

The objective of this research was to analyze the creative process  lm directors of Spanish cinema in the nineties, to determine authorial characteristics , and to what extent the authorship was present in his  lms. We studied  lm theories and creativity in order to de ne the phenomenon of contemporary author and understand the  lmmaking process, developing a model of the creative process author and  lm according to the cinema. It was necessary to study the theories of creativity and cinema, the phenomenon of the author and his theory, the Spanish cinema in general and the decade in question in particular to address the above with a solid theoretical framework.
Within this framework to study the theories of creativity and  lm, we discovered a number of concepts and aspects that could be applied to  lm creative processes. It was the study of creativity which allowed for clear tools to de ne the  gure of the author in the creative process of Spanish cinema. This study theorists most important creativity is able to de ne the study based on the primitive concept of creativity and to establish the wealth process and the creative person from different approaches to achieve structure a theoretical framework enabling progress in the analysis.

Regarding the study of  lm was started from the analysis of the main theories, a historical review of the movements and trends, both global and Spanish in order to de ne and outline the creative process of  lm development. Once de ned these two focuses of study, we sought to make a theoretical compendium that could bring them closer or unify, providing concepts and processes of the theory of creativity in  lm and in the opposite direction.
Once established and at this point it was necessary to determine to what extent and why were creative directors and their  lms. This pattern was established as narrative analysis study from three key criteria of creativity:  exibility, originality and development.
The method used was narrative analysis of 16 Spanish  lmmakers, the most important and representative  lm of the nineties, as well as his work in general, something that was key to  nd creative particularities of each and common elements in  lm Spanish. Equally survey was applied to a number of directors at random that has served to draw conclusions about the vision they have of their  lm and is done in the country as a trend. We obtained a series of data re ecting the status of authors and  lm directors Spanish analyzed generally dominated authorial identity of its directors from expressive personality traits. And also , in the process of investigation, it was an analysis of the Spanish  lm creative process, applicable to other cinemas, and Spanish cinema allowed considering half particular and unique expression that requires more attention and protection to consolidate and strengthen its development and future evolution.
Through analysis of theories of creativity emerged as the key concepts of creative ideas and creative process, both the script and the  lm, which helped to understand that the  lm creative process is double because involves two independent processes that converge in another larger than  nds its meaning in  lmmaking. We have proposed a set of uni ed model exemplifying as engages in the creative process charts as creativity involved in  lm processing, and also such as expressive tools and personal narratives are a feature of creativity to the fore.
All ideas, concepts and processes proposed helped de ne who the author of a  lm, what is meant by the author in both creativity and  lm, and how you could de ne a new contemporary author, under what terms and what are the main features of the Spanish authors.
Similarly, in our endeavor to determine authorship within the  lm creative process we de ne the characteristics of the creators of a  lm, being the essential creative director, responsible for composing the visual  eld accompanied by his closest collaborators with strong creative and authorial loads. We de ne who is the author of a  lm based on formal criteria denoting a style and language of their own expressive resources based on unique and expressive peculiarities own.
By de ning the author has shown the particularity of each Director, which led us to differentiate to what extent and why are authors, and how they could de ne a new contemporary author. Authors found that are according to the form, for the style and personality of its expression, and according to the content, how addressing and dealing with the subject of his  lm. So the new contemporary author is the person who draws his ideas from their own experiences, which is capable of adding structure, which in its elaboration includes becoming  uency in artistic production, and  exibility spinning their stories about the wealth of  lm language and the value of content covered, which converge in forming a unique and singular style alien genres and trends.
In narrative analysis, a pattern that allows you to drill three criteria of creativity was developed. Flexibility, originality and elaboration together with elements of the audiovisual narrative. An analysis of the work of the directors and the most representative  lm of the nineties, focusing on what aspects of his narrative could  t on creativity and how much was produced. It was found that the more  exible they were in their particular individual aspects were also more authors, and the original, based on novelty, unpredictability, uniqueness and surprise was linked to an adaptive  exibility that linked the two criteria clearly. For the elaboration an analysis of the  rst sequences of the 16  lms that helped de ne and unify end of  lmmaking and the creative process was.
By studying the  exibility from the narrative analysis identi ed clear trends of the directors in the narration and organize your discourse responding to personal criteria and clear marks of authorship that de ned a style, unique and differentiated, with few common look but with a singularity supporting their artistic and creative personalities. As for originality was discovered that on many occasions agreed on the same aspects and narrative devices, to highlight especially the criteria of  exibility and originality, which are  exible are also original. Finally, drawing quality emerged as necessary and non-negotiable and as obvious aspect of the process. It was discovered, through the viewing and analysis, the processes of discourse also meet criteria linked to their personal expressive abilities and his artistic personality.
It has been proposed a series of proposals and concepts necessary for the argument to be put forward for discussion in order to generate new knowledge and proposals that help to enrich the study, analysis and better understanding of the creative process  lm. Also the overall research proposal requires an application that allows the directors to understand their own processes and the student or aspirant use as material support and consultation. A new line of research stemming from this proposal may be needed to enhance creativity in  lm.
The conclusions that were reached show that Spanish cinema re ects a new concept of auteur cinema , more personal and unique, drawing its resources based on the artistic and expressive possibilities of directors , something that deserves further consideration taking into account the expressive possibilities of the medium and the economic bene ts that can promote as art halfway between expression and entertainment. The proposed concept of contemporary Spanish author applied to the  lm of the nineties, can also generate a debate that offers new visions and promote further study. Theories of creativity and cinema uni ed in the study of  lm creative processes proposed research is a starting point that can motivate further studies on different aspects of the process, a group of managers from another era or another cinema the work of a speci c director, which also contribute to its enrichment.

El presente ensayo propone que la búsqueda de la autenticidad en el arte, específicamente en los procesos creativos de la danza, tiene una relevancia ética para el público al que se dirige el resultado de este proceso. Se hará una revisión del concepto de autenticidad, a partir de las ideas de Charles Taylor y Philipa Rothfield, y los motivos por los cuales es relevante para el público e importante de tener en cuenta durante los procesos creativos. La filosofía sobre la estética y el arte de Kant, Tolstoi y Arendt nos ayudan a apoyar estas ideas.

Palabras clave: Autenticidad, público, danza, improvisación, comunicabilidad, identidad, relación.

Recientemente algunas zonas de diversas ciudades alrededor del mundo se han transformado en lugares de concentración de actividad cultural y dinamismo económico. En la ciudad de México un ejemplo de ello es el corredor Roma-Condesa, lugar en el que durante los últimos años se ha desarrollado una intensa vida cultural. Justo a las orillas de este corredor, y en el campo de la música, han surgido lugares que dan cabida a expresiones relacionadas con los llamados géneros subterráneos como el ska, el surf, el punk, el gótico o el rock progresivo. Entre estos lugares destacan nombres como el Multiforo Alicia.
Estos centros culturales, además de ser una opción para creadores y comunidades culturales que no tienen cabida en otros espacios “oficiales” o comercialmente establecidos, contribuyen al enriquecimiento y desarrollo de nuevas tendencias musicales, estéticas y de vida que en muchos casos, anteceden a las modas que posteriormente han nutrido el mercado musical en México.
El propósito de este trabajo es reflexionar sobre las características que definen lo Underground en México y sus puntos de conflicto y contacto con los géneros comerciales, y un primer acercamiento a las diversas estrategias entre los músicos relacionados con este sector.

Este trabajo presenta una aproximación a la creación musical desde una perspectiva abierta a las cualidades espacio-temporales inherentes al sonido. Ello implica una percepción articulada por una forma particular de atención, desde la cual pueda acontecer una afectación a través de lo que se percibe, desde la alteridad, a diferencia de una imposición estructurada de ideales predeterminados. Esta aproximación creativa a partir de las cualidades intrínsecas a los fenómenos sonoros nos lleva a considerar su carácter matérico y transicional ante la percepción, más allá de conformaciones fijas y simbólicas que se adecúen a una sintaxis y gramática musicales.

Entonces, la pregunta que incentiva y articula el presente trabajo teórico-creativo es cómo abordar la creación de una música sustentada en la percepción de las cualidades espacio-temporales intrínsecas al sonido y qué implicaciones conlleva. Para ello se consideran las características perceptivas y las nociones vinculadas que son relevantes a la conformación de dicho enfoque sonoro y musical, profundizando en sus funciones y estableciendo las diferencias con respecto a planteamientos musicales más convencionales.

RESUMEN En torno a la necesidad de renovar los procesos pedagógicos de acuerdo a los requerimientos del siglo XXI, surge esta investigación que se inicia con la búsqueda de la interrelación entre pensamiento complejo y pensamiento creativo a través de la obra de Leonardo da Vinci. Este artículo presenta estos antecedentes, más las conclusiones que han permitido definir los componentes básicos para un modelo pedagógico universitario, que utiliza como estrategia didáctica la metodología de proyectos a través de procesos creativos, cuyos contenidos transdisciplinarios y flexibles favorecen el desarrollo de las habilidades metacognitivas que permiten alcanzar la autonomía y autorregulación del aprendizaje. ABSTRACT This research arises from the need to renew the pedagogical processes following the requirements of the 21st century, and it begins with the search of the interrelation between Complex and Creative Thinking through the works of Leonardo da Vinci. This article presents the background, plus conclusions that have allowed us to define the basic components for a pedagogical model, which uses the project methodology as a didactic strategy through creative processes. The contained transdisciplinary and flexible contents favor the development of metacognitive skills that allow to achieve autonomy and self-regulation of learning. PALABRAS CLAVES / KEY WORDS Pensamiento Complejo, Creatividad, Transdisciplinariedad, Metodología de proyectos, Habilidades metacognitivas. Complex Thinking, Creativity, Transdisciplinarity, Project Methodology, Metacognitive Skills. Introducción La primera etapa de este estudio, cualitativo, con diseño documental hermenéutico, recorre los 25 manuscritos que Leonardo da Vinci realizó durante su vida, con el objetivo de comprender la forma en que conoce y aprehende el mundo. Realiza, a través de este proceso, un paralelo entre pensamiento complejo y pensamiento creativo, ejemplificando cómo sus características se relacionan y potencian durante el proceso. Este trabajo describe las conexiones transdisciplinarias que se transformaron en las analogías creativas que caracterizan la obra Leonardiana; y demuestra, cómo la vivencia creativa se transforma en un proceso de aprendizaje auto-motivador y permanente. Actualmente, en una segunda etapa del proceso investigativo, estamos en la búsqueda de la aplicabilidad pedagógica del método Leonardiano a nivel universitario. Un proyecto de investigación acción, que pretende generar y aplicar un modelo educativo transdisciplinario y flexible, que utiliza la metodología de proyectos y los procesos creativos como estrategia didáctica para alcanzar el desarrollo de las habilidades metacognitivas, que son la base del aprendizaje autónomo y autorregulado que requiere la sociedad actual.

Antología de poesía de mujeres privadas de libertad. Costa Rica. Durante los años 2014-2016 el Taller Palabras Libres facilitó el proceso de escritura de diversas mujeres internas en el Centro de Atención Integral El Buen Pastor.  Esta antología recoge lo mejor de sus trabajos.

El caso particular del "Partenón" de Antonio Jarque Gómez, situado en Cedrillas (Teruel), nos acerca a un tipo de arquitecturas situadas fuera de los cauces del arte ortodoxo. Se trata, sin duda, de unas obras que pueden implicar una mirada ingenua, creaciones naïf que corren el riesgo de desembocar en el kitsch y perderse incluso en él, pero también pueden ser obras de una fuerte intensidad; creaciones emotivas a través de las cuales se manifiestan las inquietudes y sentimientos profundos de unos espíritus singulares que se vuelcan hacia la creación artística como un modo de afirmación y satisfacción.

El desarrollo sostenible de los pueblos debe tener en consideración los aspectos culturales, tal y como establece la UNESCO en sus principios. Sólo un enfoque que tenga en consideración el respeto mutuo y el diálogo entre culturas puede permitir tal desarrollo. Así, desde dicha institución se anima a apoyar políticas e impulsar proyectos que generen conocimiento desde el pluralismo cultural, la conservación de la propia herencia cultural y la generación de ámbitos de creación. En este contexto, resulta clave no olvidar el colectivo de personas con discapacidad, orientando esfuerzos hacia políticas realmente inclusivas, que garanticen los principios de normalización e igualdad para todos. La Danza, permite establecer relaciones interpersonales positivas y eficaces, por encima de barreras lingüísticas y culturales, ya que utiliza como vía de comunicación el propio cuerpo. Por eso, la danza se convierte en un terreno especialmente positivo para el acercamiento a otras culturas (en este caso España- Islandia) una aproximación inicial desde la fisicalidad, la imagen, la comunicación no verbal y el trabajo plástico.
En este contexto nos proponemos desde la colaboración entre AFANIAS y la Universidad Europea de Madrid un doble objetivo. Por un lado experimentar, documentar y ser partícipes de una creación colectiva en la que el intérprete con discapacidad intelectual es un elemento activo más; y por otro lado, el apoyo de un equipo universitario o académico, de análisis en la obra coreográfica, que de esta manera integre como una experiencia didáctica más, el análisis de una creación que incluye a intérpretes con y sin discapacidad. Creemos que la universidad como entorno de desarrollo de competencias y como espacio en el que se trabaja por la sostenibilidad, es un lugar especialmente adecuado para el desarrollo de este tipo de propuestas metodológicas que van más allá del contenido y la documentación.
En esta comunicación presentamos el diseño de la actividad, la documentación que la sostiene a nivel teórico, los objetivos del proyecto, las metodologías utilizadas y los resultados que ya se están obteniendo en este punto del proceso vivencial. La documentación y difusión de este tipo de trabajos nos resulta muy motivadora para estimular la creación de proyectos sostenibles como INSIDE en el ámbito de la danza.

El texto que se reseña se focaliza en la creatividad publicitaria, orientándose a un público muy diverso con especial interés por este particular objeto de estudio. Con una estructura limpia y clara hace un recorrido por las líneas de investigación que tradicionalmente se han aplicado al estudio de la creatividad, pero focalizadas específicamente en materia publicitaria. Sujeto, proceso, producto y entorno creativos se convierten en los encabezados de los cuatro apartados temáticos de esta obra, que condensa, en 17 capítulos, perfectivas muy interesantes sobre aspectos concretos de la creatividad publicitaria.

Este capítulo deriva de una reflexión profunda sobre la arquitectura, desde las miradas de una estudiante y una profesora; las autoras dialogan a la luz de los Talleres de Proyectos y Construcción IV y V 1, del trabajo recepcional que de ellos emana, y de los talleres XV y XVI “Ciudad y Convivencia”2 , todos basados en procesos participativos.
Parte de una crítica a los procesos proyectuales, sin duda de bases sólidas, pero a menudo carentes de significado y arraigo en la sociedad, donde la preocupación central por la resolución formal o estructural suele dejar al proyecto urbano-arquitectónico desprovisto de identidad; esta visión dificulta -a estudiantes y profesionistas-, el enfrentarse a los procesos creativos inmersos en la realidad específica de un grupo social determinado o de un sitio en particular. Se proponen cuatro enunciados para el refuerzo de los procesos creativos, buscando proyectos con sentido de identidad, pertenencia y significado para las personas. “Las personas saben”, “el contexto habla”, “la cultura define” y “el tiempo pasa”3 concretan la integración del habitante al proceso proyectual, vivenciado por la estudiante, durante las experiencias educativas (E.E.) antes mencionadas. El conocimiento y comprensión de los elementos contextuales, las tradiciones y las diferentes formas de habitar de las diversas personas y grupos sociales, así como el reconocer que nuestra labor forma parte del complejo transcurso del tiempo en sus diferentes escalas, es finalmente un recordatorio de nuestro lugar como profesionistas mediadores entre los habitantes y sus espacios, desde el respeto hacia su contexto y cultura.

En este trabajo de investigación se plantea la idea de habitar, aún en los espacios urbanos,  como un modo de generar relaciones y vínculos profundos con el entorno, que como materia, es contenedor de historia. Así hago la analogía del paisaje urbano con el palimpsesto, y lo relaciono con el proceso y resultado de la plancha perdida (en xilografía) para la creación de una serie de libros-objeto.

As an author, I am first of all, the sum of many books. I am the synthesis of readings from differenttraditions, a multiplicity of narrative voices. I write reading. Which came first: reading or writing?They are both part of the same voyage. Perhaps reading was the starting point, and writing the arrival.Every now and then I begin a new text. After reading it, I arrive at the same starting point, but afew centimeters deeper, more to the west, more transversal. I read to know if I am from here or fromthere, to decipher the messages of another body, to give light to the darkness of other subjects. I readto have memory, to be so perishable. I read to go in the opposite direction or to displace towards mycenter. A reading at night, during daytime, under poor lighting, when everything is dead and thereis an illuminated window, I read. When I am reading, I sometimes feel that I am stopping all ofthat which I am meant to live, as if I were ceasing to exist for a moment, to remain in parentheses.I feel this way whether I am reading the far-away or the recent past, what is happening now, whatis about to happen.

El texto se centra en una exploración y análisis profundo de tres procesos creativos generados a partir de la danza, el teatro y las artes visuales, así como el estudio de la transformación a nivel individual y colectivo que se da desde el nacimiento de una idea hasta el momento en que la misma se plasma en el espacio escénico.

Resumen Este artículo investiga el modo de composición-es decir, como se produce una escena, una obra de teatro-en dos estilos teatrales en Buenos Aires: el realismo y el teatro de estados. A partir de allí, indagaremos sobre la relación entre formas de entrenar y formas de componer, así como el modo en que el maestro se refiere a este proceso le permite articular fronteras simbólicas que diferencian estilos de actuación mejores que otros. Analizar el modo de composición en dos estilos de actuación nos permitirá preguntarnos por la relación entre la palabra escrita y hablada con la actuación, los modos particulares en que estas se articulan en cada uno de estos estilos de actuación. Palabras clave Teatro-composición-fronteras simbólicas-técnicas del cuerpo. Abstract This article enquires the strategies of composition-that is, how a play is composed-in two acting styles in Buenos Aires: realism and theater of states. In this way, we aim to analyze the relationship between training the body and the voice and composing, and the way the master speaks about this process, thus articulating symbolic frontiers that differentiate better and worse acting styles. Analyzing strategies of composition in two acting styles will allow us to enquire about the relationship between the written and spoken word and acting, the particular ways these elements articulate in each of these acting styles.

Con intención de comprender cómo el actor incorpora el vestuario en su proceso creativo en el marco de las producciones
independientes, se tomó como caso de estudio el teatro de Paco Giménez. A partir del desarrollo de entrevistas a los actores que
han trabajado con el director, observamos de qué manera opera el procedimiento de postproducción (Bourriaud, 2009) en la
elaboración de propuestas para los ensayos. La apropiación de prendas, que provienen mayoritariamente del entorno cotidiano del
actor, conduce a una reinterpretación de las mismas y permite la producción de nuevos usos y sentidos.

Se ha dicho en algunos casos que la arquitectura es un arte o, por ejemplo, que es una escultura habitable. Tal cosa, continúa en discusión. Lo que es cierto, es que en el mundo de la arquitectura y el arte; especialmente ahora con el vicio por lo instantáneo y una sociedad que se preocupa más por las respuestas que por las preguntas; cada obra se muestra como si desde siempre hubiera sido la mejor solución o el resultado esperado. Se ocultan los procesos y se muestran los productos, súbitamente.
Esta investigación nos remite a explorar la existencia de una serie de procesos interpretativos previos a la creación, que atienden al reconocimiento de nuestra capacidad de asombro, experimentación y comunicación de descubrimientos; como medios para la creación de propuestas artísticas significativas.

Este artículo de José Ezcurdia es la útima parte de un total de tres en la que se continúa con la crítica del conocimiento racional y de la ciencia moderna donde ya habiendo explicado lo que Bergson puntualiza respecto a  las condiciones genético evolutivas y el conocimiento instintivo y la inteligencia en la parte uno, y la psicofísica y el determinismo asociacionista en la parte dos; en esta tercera parte Ezcurdia se centra en la memoria como algo sumamente importante para el proceso evolutivo que para Bergson no es meramente azaroso sino que toda mutación encuentra su fundamento en ella (la memoria).

Arqueología del gesto es un proyecto de investigación que, desde la danza contemporánea y la exploración sonora, tiene como objetivo vincular nuestras identidades en relación a los conceptos de historia y memoria a partir de una serie de acercamientos a las comunidades mapuche y tiahuanaco. Desde este espacio de laboratorio abierto a la práctica pensante, probamos construir sensibilidades críticas que interroguen aquellos relatos que proponen identidades cerradas, historias resueltas y memorias accesibles. En este sentido, este trabajo se sitúa en la línea definida por Borgdorff (2010) como investigación en las artes o perspectiva de la acción, que no contempla diferencia entre la investigación y la práctica artística. Así, el gesto aparece como una herramienta de investigación que dialoga con propuestas que se desarrollan desde los estudios en danza, los discursos poscoloniales y anticoloniales y los feminismos.

RESUMEN-Este trabajo aborda la definición de dialogía como una forma de entender la relación entre el arquitecto y el lugar, a través de las variables que se ponen en juego al momento de proyectar. El propósito de la discusión es valorar la forma en la que el arquitecto, como autor de un proyecto arquitectónico, se dispone ante esas variables para descubrirlas y articularlas. En esa relación, la originalidad surge en la apertura del acto de proyectar a las variables históricas, físicas y sociales del contexto, pero, además, a las memorias, experiencias y percepciones del propio arquitecto. Se trata así de un sujeto-autor que se involucra y participa activamente en el reconocimiento del lugar del proyecto y todo lo que él contiene. La dialogía, por lo tanto, corresponde a una actitud en la que el arquitecto comprende el contexto a partir de ponerse en el lugar de un "otro" y, simultáneamente, reinterpreta desde su propia presencia y experiencias lo que contempla. Palabras clave: dialogía, experiencia y arquitectura, memoria. ABSTRACT-This paper addresses the definition of dialogy as a way of understanding the relationship between the architect and the place, through the variables that come into play in the process of design. The purpose of the discussion is to evaluate the attitude that the architect, as the author of an architectural project, takes to discover and articulate those variables. In this relationship, originality comes from opening the designing act to historical, physical and social variables of the context, but also to the architect's memories, experiences and perceptions. The architect is, thus, a subject-author who engages and actively participates in the recognition of the project site and all that it contains. Dialogy, therefore, corresponds to an attitude in which the architect understands the context by putting himself in the place of the "other" and simultaneously interprets, based on his own presence and experience, what he contemplates. La experiencia con el lugar como fundamento arquitectónico En los análisis y críticas de arquitectura, el abor-daje de las variables que participan en la relación entre arquitecto, lugar (contexto) y proyecto, y que influyen en la obra arquitectónica, muchas veces suele concentrarse en los componentes más físicos presentes en los resultados, es decir, en la obra misma. Sin embargo, en la mayoría de los buenos ejemplos de arquitectura, es posible descubrir, en algún momento del desarrollo del proyecto, una actitud o disposición del arquitecto, previa a la construcción y uso de la obra, que explica, o al menos permite vislumbrar, el porqué de ese resultado excepcional. Juhani Pallasmaa (2006) manifiesta que en la actua-lidad, en lugar de una experiencia plástica y espacial con una base existencial, la arquitectura ha ido adoptando la estrategia de la publicidad y de la persuasión instantánea, en la que se abandonan los criterios de diseño relacionados a los sentidos. Como consecuencia, los edificios se han con-vertido en productos-imagen, separados de la profundidad y de la sinceridad existencial. Esta situación probablemente se encuentre ligada a la ausencia de aquella actitud o disposi-ción del arquitecto, la que le permite abordar un proyecto a partir de un conocimiento más profundo de un determinado contexto en el que interviene, lo que lo aleja de la posibilidad de descubrirlo y experimentarlo realmente, para así poder configurar un proyecto más "sensible, profundo y sincero". Para Pallasmaa, la ausencia de esas sensibilidades se ve reflejada en que, a medida que la arquitectura pierde su plasticidad y sus lazos con la percepción corporal del ser humano, esta se aísla en la frialdad y la distancia de la espectacularidad para el sentido de la visión. Con la pérdida de la tactilidad, las dimensiones y los detalles fabricados para el cuerpo humano, los edificios pasan a ser repulsivamente planos, de bordes afilados, inmateriales e irreales. El distanciamiento de la construcción de las reali-dades de la materia y del oficio convierte aún más las obras arquitectónicas en decorados para el ojo, en una escenografía vaciada de la autenticidad de la materia y de la construcción (Pallasmaa, 2006, p. 30). Lo que Pallasmaa llama una escenografía vaciada de la autenticidad de la materia y la construcción tiene

Resumen: El presente artículo explora la dimensión creativa de dos talleres de escritura, ilustración y musicalización de cuentos del mundo llevado a cabo con estudiantes de Pedagogía en el marco del proyecto TALIS en un campus universitario rural del nordeste de Brasil. Los objetivos principales fueron la recuperación de la memoria histórica y del patrimonio cultural de la región de Paraíba (Brasil); la formación de profesores en ejercicio y futuros profesores en nuevas metodologías docentes, en línea con los principios de la Educación para el Desarrollo; y la elaboración de materiales docentes creativos en formato escrito y audiovisual. El análisis de los datos recabados a través de cuestionarios, entrevistas semiestructuradas, diarios de campo y el análisis de las producciones mostraron una gran receptividad y un alto grado de implicación de los participantes respecto a las tres vertientes de la dimensión creativa tratadas. Además, sus aportaciones contribuyeron a enriquecer el proyecto, permitiendo la incorporación de innovaciones en torno a la inclusión de nuevas temáticas, tales como la reivindicación de lugares y figuras históricas en los cuentos; y de nuevas formas de expresión, como la musicalización de los cuentos y la incorporación de la dramatización como parte integral de los talleres.
Palabras clave: escritura creativa; ilustración; musicalización; cuentos del mundo.
Abstract: This paper explores the creative dimension of two writing, illustration and musicalisation workshops of tales of the world carried out with Pedagogy students within the TALIS project in a rural campus of the Northeast of Brazil. The main goals were the recovery of historical memory and of the cultural heritage of the Paraiba region (Brazil); in-service and pre-service teacher training in line with the principles of Education for Sustainable Development; and the development of creative teaching materials in the written and audiovisual formats. The analysis of the data gathered through questionnaires, semi-structures interviews and the analysis of the productions showed a great receptivity and a high degree of engagement of participants with regard to the three creative dimensions dealt with. Moreover, their contributions helped enrich the project, allowing for the integration of innovations regarding the inclusion of new topics, such as the vindication of historical places and figures through the tales; and of new forms of expression, such as the musicalisation of tales and the inclusion of dramatisation as an integral part of the workshops.
Keywords: creative writing; illustration; musicalisation; dramatization; world tales.
Revista Iberoamericana de Educación, 75 (1): 89-110. 30/10/2017. ISSN: 1022-6508. https://rieoei.org/RIE/article/view/1357

Ensaio que propõe um modelo para contribuir com o ensino e aprendizagem de criação publicitária, em especial em cursos de graduação de publicidade e propaganda. O texto tem como base um levantamento bibliográfico e documental e a experiência do autor como professor universitário a Universidade de Mogi das Cruzes e na Escola de Comunicação e Artes da USP, entre 1999 e 2006. A partir do entendimento de criatividade como um ato social, com compromissos, responsabilidades e vínculo como uma determinada materialidade (OSTROWER, 1987), propõe um modelo com três dimensões: repertório operacionalizável; capacidade de combinação; e responsabilidades múltiplas (sociais, culturais e criativas, entre outras). Dimensões que se contempladas, permitiriam atingir um nível de criatividade "elevado ao cubo".

The 20th Century Avant-Garde Movements broke with the traditional distinction of artistic disciplines in favour to an ambiguous space where limits are diffuse. Exhibition space played a relevant role in this sense as a laboratory where art object and spectator are together in interaction, getting to experiences that, in many cases, transcend from the exhibition to disciplinary Architecture.  Through the analysis of the Proun Space of El Lissitzky, constructed in 1923, and some of the most relevant proposals of Neplasticist authors, focusing on the creative and experimental process, contributions from Painting to Architecture are established. Some of them, partially shaded by the hegemony of Modern Movement, have been incorporated to 20th Century architectural projects and they are a significant chapter about interdisciplinary creative processes.

En el campo de la Arquitectura, es común que las temáticas giren en torno a un proyecto (obra edificada o edificable), una intervención u otros objetos físicos y sus respectivos diseños, pues en la academia se tiende a inculcar que la labor del arquitecto está en dar soluciones a las necesidades de la sociedad a través de obras edilicias. Esto nos
ha conducido a sobrevalorar lo tangible y los resultados, por encima de lo metafísico y los procesos, de manera que en ocasiones los estudiantes visualizan su quehacer arquitectónico como un acto mecánico, meramente práctico y enfocado en la obtención de un producto, más que en el aprovechamiento del proyecto de diseño, como
herramienta de aprendizaje. A raíz de esta inquietud, surge la idea de reivindicar la importancia de lo cognitivo, representado en este ensayo a través de los conceptos de: el asombro, la experimentación y el compartir descubrimientos, como un medio para dar valor a las inquietudes intelectuales de los futuros arquitectos y de esta manera
estimular el emprendedurismo y el auto-cuestionamiento; generándose un cambio en el paradigma de ‘enseñar a través del método’, a ‘aprender a través de la experiencia’.
Esto último quiere decir: dejar de visualizar el aprendizaje como una sucesión de lineamientos a satisfacer, para comenzar a fomentar el uso de valores cognitivos y vivenciales, ya que al concientizarse sobre ellos se da un acercamiento más integral a las variables implícitas en el diseño y se aviva el rol de los estudiantes, los docentes y el sistema educativo como constructores de nuevos conocimientos.

“El humanismo [al igual que la hermenéutica] no es un sistema, es una refundación permanente, una lucha. Es una 'transvaloración' de valores, como decía Nietzsche. Esto supone conocer esos valores, apropiárselos y cuestionarlos” (Larroque, 2015, párr.5).
Por esto, desde la perspectiva de los procesos interpretativos, humanizar el espacio implica comprender el proceso creativo no desde el problema determinado que encuentra su respuesta en la obra arquitectónica o la obra artística, sino desde la concepción de una cotidianidad que acumula y crea experiencias significativas que nos permiten reflexionar y activar nuevas versiones de lo prescrito.
Así las cosas, este enfoque transdisciplinario ha inspirado no solo invención teórica de una nueva perspectiva interpretativa destinada a sensibilizarnos sobre los procesos creativos, sino también, la activación de la poética como un recurso para ‘estremecer’ todos aquellos valores sociales y humanísticos presentes en el concepto de Habitar y en nuestro rol como habitantes del mundo.

The objective of this article is to present some of the methodological strategies used by the Consulting Room at the Landscapes Laboratory to approach the community and in this way improve their lives. Specifically, the Laboratory works with vulnerable Andean communities near the city of Quito (Cotogchoa and La Merced). With their social organization and thanks to the involvement of various actors, it aims to raise healthy and harmonious landscapes through participatory projects. The word raise originates in Andean conceptual ideas, which assume that all components are living beings. Therefore, landscapes should be nurtured, cared for and respected to create relationships and emotional ties with them. The proposed projects require special sensitivity to the territory and involve the revaluing of the role of the technician, who interprets needs and realities to reach consensus. Thus, in short this academic work seeks to support processes of reflection and social transformation.

Ensaio que propõe um modelo para contribuir com o ensino e aprendizagem da criação publicitária, em especial em cursos de graduação de publicidade e propaganda. O texto tem como base um levantamento bibliográfico e documental e a experiência do autor como professor universitário na Universidade de Mogi das Cruzes e na Escola de Comunicação e Artes da USP, entre 1999 e 2006. A partir do entendimento de criatividade como um ato social, com compromissos, responsabilidades e vínculo com uma determinada materialidade (OSTROWER, 1987), propõe um modelo com três dimensões: repertório operacionalizável; capacidade de combinação; e responsabilidades múltiplas (sociais, culturais e criativas, entre outras). Dimensões que se contempladas, permitiriam atingir um nível de criatividade "elevado ao cubo".PALAVRAS-CHAVE: Criatividade; Criação publicitária; Educação superior; Ensino e aprendizagem; Responsabilidade social.  ABSTRACTThis essay proposes a preliminary model to improve the tea...

Cada día existen más personas que viven en ciudades y países que no son las de su origen, con lo que se pone de manifiesto la relevancia del extranjero. “Extranjero”, además del ser humano, también del concepto ligado a la distancia, el asombro, la extrañeza y la mirada nueva, “mirada extranjera” que abre una gran posibilidad en los procesos creativos. Así, se propone una revisión del significado de “extranjero” desde distintos campos del conocimiento: literatura, filosofía, arte, entre otros, para poner de relevancia “la mirada extranjera” en el proceso creativo en general, y en particular a través de un ejemplo práctico desde el proyecto arquitectónico, a partir de ejercicios realizados en el taller, para abrir la discusión sobre cómo la arquitectura puede llegar a ofrecer un cobijo a las distintas culturas confluentes en un barrio, en específico en el sector sur-poniente de la comuna de Independencia de Santiago de Chile, para que puedan llegar a convertirlo en su lugar.

Every day more people are living in cities and countries that are not of their origin, so that highlights the relevance of foreigner. "Foreign", in addition to the human being, the concept also linked to the distance, the wonder, the strangeness and the new look, “foreign look” opens up a possibility in creative processes. Thus, we propose a revision of the meaning of "foreign" from different fields of knowledge: literature, philosophy, art, among others, to highlight "the foreign look" in the creative process in general, and in particular through a practical example from the architectural project, based on exercises carried out in the workshop, to open the discussion about how architecture can offer a shelter to different confluent cultures in a neighborhood, in the  outhwest
sector of the commune of Independencia of Santiago de Chile, so they
can get to make their place.

El arquitecto, como el poeta, debe retranquearse de la vida. No para alejarse de ella, sino para observarla desde fuera y entenderla mejor. Es decir: estar afuera. Pero también debe sumergirse en la vida: primum vivere deinde philosophare (primero vivir y luego filosofar). Ser el protagonista. Participar intensamente de la vida y sus circunstancias. Equivocarse. Es decir: estar adentro. El proceso creativo es un camino de ida y vuelta. De acercarse y alejarse. La Arquitectura celebra con naturalidad las dos aproximaciones: el método deductivo y el método inductivo. Desde la inmensidad del macrocosmos a la concreción del microcosmos.