Storia Della Critica Letteraria

La critica letteraria è una materia in cui “parole e cose” sono strettamente intrecciate le une alle altre, e in cui tra i componenti materiali dei testi e le categorie che li classificano esiste un intricato rapporto di individuazione reciproca: non c’è termine, nel lessico della teoria letteraria, che non sia nato da un dato testuale, un caso particolare che ne ha influenzato natura e confini con le proprie caratteristiche specifiche, e allo stesso tempo non si dà dato testuale che possa essere identificato come tale in mancanza di una categoria che gli preesiste, di uno spazio teorico che lo fa esistere in quanto oggetto e ne garantisce la riconoscibilità. Partendo da questo doppio presupposto, questo libro si offre come strumento di partenza per lo studio della narrativa, occasione per riepilogare i concetti fondamentali della critica riportandoli – per quanto possibile – ai loro contesti di origine, così da coniugare nozione ed evoluzione, significato e storia.

La Bellezza della volgar poesia, pubblicata originariamente nel 1700 dal Custode dell’Arcadia, Giovan Mario Crescimbeni, è tra i documenti che meglio illustrano la poetica riformatrice promossa dall’accademia. Fondato sull’affermazione del primato della «volgar poesia» rispetto a quella classica, sul rilancio del platonismo rinascimentale e sulla condanna più formale che sostanziale della poesia barocca, questo trattato in forma di dialogo è una fonte straordinariamente preziosa per sondare la cultura e l’estetica letteraria della prima Arcadia. In questa sede ne viene proposta l’edizione commentata, a partire dall’esame di un esemplare della princeps conservato presso la Biblioteca Vaticana, contenente numerose postille – tutte inedite – non soltanto dell’autore, come precedentemente creduto, ma anche di Anton Maria Salvini.
Nel 1712, quando in Arcadia si era da poco consumata la scissione con Gian Vincenzo Gravina e i suoi allievi, Crescimbeni decise di ristampare la Bellezza, aggiungendo un dialogo sul gusto della poesia contemporanea, e integrando le postille di Salvini. La presente edizione, oltre a pubblicare per la prima volta queste postille, e a indagare il percorso evolutivo della scrittura crescimbeniana tra la prima e la seconda impressione del trattato, offre nuovi, importanti elementi per comprendere a fondo le dinamiche poetiche e politico-culturali di una stagione significativa della cultura italiana.

Annali d’Italianistica 2014: From Otium and Occupatio to Work and Labor in Italian Culture. Volume 32. Italian Bookshelf, Pp. 560-562

Romano Luperini. Tramonto e resistenza della critica. Macerata: Quodlibet, 2013. Pp. 250.
Uscito ad ottobre del 2013 per i tipi di Quodlibet nella collana “Studio”, Tramonto e resistenza della critica rappresenta l’uscita più recente di un maestro del genere saggistico-divulgativo. Partendo dal proposito di non pubblicare altre raccolte, Romano Luperini si muove nella doppia tentazione di decretare il tramonto dell’espressione intellettuale “quale si era andata delineando dall’Illuminismo a oggi” (8), e ancora di convalidare l’ostinata resistenza del lavoro culturale, benché relegato in zone sempre più liminari, di confine, come i personaggi de La strada di Cormac McCarthy (letto alle pp. 171-77), alla ricerca fiduciosa e necessaria di umanità.
Il volume raccoglie venti saggi tra editi e inediti, divisi in due sezioni a loro volta bipartite. La prima di esse, d’impostazione teorica, si sofferma sui problemi, sempre cari all’autore, della condizione intellettuale e della pratica didattica della letteratura, aggiornata all’ultima riforma della scuola; trova posto inoltre una consistente lettura di quattro maestri novecenteschi (De Sanctis, Auerbach, Debenedetti, Guglielmi), insieme almeno a Said e Adorno, i principali riferimenti delle argomentazioni teoriche generali. Il saggio Letteratura, antropologia e critica letteraria (109-16) chiude la sezione in nome di un approccio metodologico — avverte l’autore — più vicino ai Cultural Studies, già tentato altrove ed ora riproposto. [...]

In una lettera a Onorato Fava del 1883, Verga, ad una richiesta di prefazione risponde: « (…) non ho mai scritto una linea di critica; non mi sento di affermare altrimenti una teoria qualsiasi o dei principi artistici, che cogli esempi 1 ». Lo stesso giorno, in un'altra lettera indirizzata a Salvatore di Giacomo, ribadisce, con parole quasi identiche, che non è sua intenzione occuparsi di critica, «perché », scrive, «non ho mai scritto una linea di critica» 2. In realtà, nel 1869, Verga scrisse una recensione de «La Palingenesi» di Mario Rapisardi che uscì nel giornale veneziano «La Scena». Non è stata conservata nessuna copia del giornale, ma Tomaselli, nel suo Commentario Rapisardiano 3 dedica un capitolo a Giovanni Verga critico del Rapisardi. Proprio in queste pagine viene pubblicata la recensione verghiana della Palingenesi. Nella prefazione della recensione Verga palesa l'evento che ha ispirato il poema, ovvero la caduta del papato politico , che definisce come una « grande crisi» 4. Prosegue con una considerazione sul grandissimo successo dell'opera tradotta già in tedesco e francese. Dopo un breve accenno alle tematiche, ne elogia la forma e il contenuto : «Imprendere un disegno si vasto è da giovane che ha ancora intatte l'energia della mente e la fede del cuore; trattarlo come il Rapisardi l'ha trattato, è da ingegno potente reso adulto da profondi e pazienti studi. Il Rapisardi accoppia alla vigorìa del concetto e all'eleganza della forma il tatto sicuro, dote rarissima, di schivare le pericolose obbiezioni che avrebbero potuto suscitare i diversi temi ch'egli svolge (…)». In seguito riporta tutti i temi presi in esame nel poema citando tutti e dieci i canti ed elogia ancora una volta la forma dei canti menzionando due brani in cui si rivelano rispettivamente « la malinconica anima del poeta» e «il delicato episodio del canto IX» 5. L'ampollosa recensione termina con una dichiarazione del Verga che innalza l'opera rapisardiana asserendo che essa « segna un periodo nuovo all'indirizzo della letteratura in Italia». 6 Questa pagina critica è stata scritta nel 1869, ben cinque anni prima di Nedda. Tuttavia, nella presentazione delle tematiche dei dieci canti della Palingenesi, Verga sembra apprezzare « l'immedesimazione » e quindi la conseguente impersonalità del poeta. E' un'idea di impersonalità ancora embrionale ma che ritroveremo poi, ben definita, nelle lettere successive, quando a scrivere sarà un Verga più maturo : « E infatti il Rapisardi è biblico nel canto La Tradizione; è greco fino al midollo delle ossa nella grazia, nelle immagini, nella stessa religione voluttuosa, nel secondo, Il Colosseo; ha tutto l'entusiasmo dei primi martiri, nel terzo, La Croce; nel canto Papi e Imperatori, si agita lo spirito di Dante; come in quello i Crociati, sublime aberrazione di un secolo, spira un soffio di quell'ardente e mistico entusiasmo con cui Pietro l'Eremita sollevò Europa intiera al grido di Dio lo vuole!». 7 1

Nel 1956 la pubblicazione della Bufera genera un’immediata riflessione critica sul rapporto di influenza e riuso che si estende, pur a distanza di secoli, tra la poesia di Dante e quella di Montale. Diverse posizioni si sovrappongono, integrandosi e contrapponendosi, a tracciare un quadro che ben rappresenta le evoluzioni della critica letteraria del secondo Novecento. Lo stesso Montale si trova a reagire alla critica in modo ambivalente, di volta in volta suggerendo o negando un’influenza programmatica esercitata da Dante: i suoi interventi di critica dantesca evidenziano una lettura problematizzata e sentita, intessuta di reverenza e complicità; a fare da ponte tra attività critica e produzione poetica, numerosi auto-commenti riservati alle proprie poesie adombrano un rapporto complesso e profondo con la poesia di Dante. Una rassegna degli studi sul dantismo di Montale permette di ripercorrere i diversi aspetti sondati dalla critica, che spaziano dalla psicologia del procedimento memoriale alla ricerca linguistica, dalla strategia allegorica alla tensione utopica, dal lessico alle immagini.

When La Bufera was published in 1956, an immediate reflection about issues of influence and reuse between Dante and Montale rose among scholars. Positions both complementary and opposite overlapped, in a pattern that is highly representative of critical developments during the late 1900s. Far from clarifying his relationship to Dante, Montale at times admitted or denied an intentional reuse of the poet’s work. His critical essays on Dante demonstrate how thoroughly Montale read, admired and felt close to him; furthermore, his quoting Dante while commenting his own poems hints at hidden and complex influences. A critical review of Montale’s dantism allows to examine different scholarly perspectives, ranging from memorial psychology and linguistic research to allegorical strategies, utopian disposition, lexis and image.

Le ricerche di Enrico Bernard sviluppano l'analisi  delle sinergie neorealiste tra letteratura e arti visive nel crogiolo della seconda metà degli anni Venti e i primi Trenta. La caratteristica peculiare del primo neorealismo, ( in particolare Bernari, e Zavattini sull'epistolario dei quali si fonda questa ricerca) consisterebbe nelle interconnessioni, osmosi e profondi legami artistici e teorici con le altri arti, quelle figurative in particolare. In questa sezione si esaminano i rapporti tra pittura e letteratura neorealista,

"A una società corrotta appartiene una lingua altrettanto corrotta: Pasolini reagisce con la denuncia e con l’attività di scrittore e poeta, artigiano del dire che cerca nella tradizione del suo mestiere una parola incorrotta, una lingua da romanzo che sia non già raffinata, ma sincera e libera dalle incrostazioni della convenzionalità e dell’ipocrisia sociale (...) ".
Il saggio è contenuto in Autori Vari, "Pier Paolo Pasolini, il poeta civile delle borgate", Poietikanten Edizioni, 2016.

La prima guerra mondiale segna l'evento di rottura di un'età di passaggio problematica. L'Italia si ritrova alle prese con una nuova tipologia di malattia mentale: è lo "Shell Shock", la follia di guerra. Quando la letteratura comincia a raccontare l'evento bellico, lei figura tra i protagonisti, come nel racconto La Paura di Federico De Roberto. Il lavoro si propone di analizzarlo, rintracciandovi forme e riferimenti della particolare tematica.

In this article we intend to investigate Dante’s suggestions present in Cesare Pavese’s La Luna e i falò: with “suggestions” we mean precise references, both content-thematic and structural. In this regard, at least one premise is necessary: interests related to American literature, now to the cultural heritage of ancient Greece have been studied several times by the author of Santo Stefano Belbo; there is therefore an extensive critical bibliography on both topics. On the other hand, probing Pavese’s interest in Dante and the classics of early Italian literature is a more complex operation: the author cleverly conceals it in his literary production, both poetic and narrative, and he is very sparing of considerations even in his personal notes. The starting point for critical analysis can therefore only be private writings: that is, Pavese’s letters and personal zibaldone, Il mestiere di vivere.

Questo elaborato si propone di analizzare un gruppo di liriche scelte da Pianissimo, opera di Camillo Sbarbaro dedicata alla memoria del padre. La focalizzazione sulla figura paterna, simbolo della precarietà della vita, consente di esaminare la lacerazione interiore del poeta di fronte al dolore di un lutto «patito in anticipo» , quindi di dedurre come la perdita di relazione con il mondo non sia che un’istintiva reazione al presentimento della morte. Sulla base di questi dati, il protagonista di Pianissimo alimenta dentro di sé un profondo senso di colpa per aver compromesso la sua purezza di bambino, per aver bramato la soddisfazione carnale senza essersi emancipato dalla condizione di figlio. Al decesso del genitore consegue il passaggio all’età adulta, cambiamento a cui l’io lirico non è preparato: la sensazione di insufficienza rispetto alle norme che regolano la società, porta Sbarbaro alla più radicale emarginazione. Gli uomini, soggiogati ad attività consuetudinarie con cui si illudono di dare uno scopo alle loro vite, non hanno la possibilità di instaurare un rapporto autentico tra di loro: il poeta, a differenza degli altri, è consapevole della realtà amara che si nasconde sotto l’apparenza delle cose; davanti a una tale prospettiva, l’unica soluzione per contrastare l’atrocità di un’esistenza vana consiste nell’allontanamento, nell’inaridimento del proprio spirito vitale fino alla conclusiva pietrificazione dell’individuo. La figura paterna si presenta nell’opera attraverso la memoria: l’evento della morte, abbinato al ricordo dell’infanzia, è l’unico mezzo con cui sia possibile risolvere l’estraneità tra figlio e padre (sempre a partire dal presupposto che la comunicazione tra simili sia irrealizzabile).
Il primo capitolo si propone di fornire una serie di strumenti utili a comprendere come sia nata l’idea di Pianissimo: oltre a un discorso sulle edizioni del libro, si è ritenuto necessario contestualizzare l’opera nel momento storico-letterario in cui è stata prodotta, sia per coglierne le affinità con la poetica di taluni autori (uno su tutti Baudelaire), sia per sottolinearne le differenze con la tradizione (in primis con D’Annunzio); la rottura con il canone stilistico dannunziano viene evidenziata in Pianissimo dall’abbassamento di registro e dalla tendenza verso la prosa della sintassi. Il secondo capitolo è dedicato all’approfondimento del rapporto di Sbarbaro con il padre (sul piano biografico e all’interno della sua produzione letteraria), mentre il terzo è destinato all’analisi di sei poesie da Pianissimo – Parte prima: ogni componimento è preceduto da uno studio sui contenuti, da un paragrafo con osservazioni di carattere stilistico e metrico, infine da un apparato di note dove vengono citati rimandi intertestuali o alcune delle più significative varianti autoriali. Lo scopo del lavoro consiste nel fornire un’interpretazione pressoché completa del testo sbarbariano, capace di tener conto non solo delle influenze sul piano letterario, ma anche della vicenda personale del poeta (aspetto manifesto in Pianissimo). Il progetto, in ultimo, mira a consegnare un’esposizione puntuale su uno dei temi portanti dell’opera (il rapporto con il padre), al fine di poter rilevare con maggiore consapevolezza l’importanza del ruolo di Sbarbaro nel panorama letterario di primo Novecento.

Il principale obbiettivo della tesi è di ricercare le origini teoriche della poesia contemporanea e di tracciare una storia, parziale ma quanto più essenziale, del progresso del pensiero di critica sulla poesia recente, cercando di toccare i temi più dibattuti negli ultimi quarant’anni: dal problema del canone a quello della comunicazione; dall’editoria alla socialità; dal rapporto con la tradizione alla formazione di tradizioni sempre più individuali. I capitoli seguono diversi metodi di sviluppo, tentando di focalizzarsi nell’approccio più sintetico ed esplicativo del periodo storico-letterario trattato, passando da quello più lineare e cronologico, a quello più frammentario dell’inchiesta agli autori. Prendendo per emblematica la figura dell’«astro esploso» di Berardinelli, la tesi tenta di analizzare i germi delle questioni che si manifestavano in quegli anni e che oggi risultano tutt’altro che estinte, anzi, hanno subito un processo di aumento di entropia, come se dell’esplosione dell’astro, da un nucleo caldo e compatto, sia rimasto solo una serie di corpi pulviscolari, distanti, freddi, non più riconducibili ad alcun centro, ma centri separati essi stessi, e che l’astro, fondamentalmente, non sia mai esploso.

Until recently the third volume of the "Canzoniere" was the subject of critical evaluation that emphasized its lesser narrative and psychological content compared to the two preceding volumes. The article aims to go beyond these positions on the basis of a queer reading which reveals how the relationship between Saba and Federico Almansi developed poetically as an episode of fundamental importance that gives psychological and narrative cohesion to the late phase of Saba’s work.

Walter Benjamin suggerisce che lo scopo di ogni romanzo sia quello di "distruggere le sue figure". Difficile stabilire se Giovanni Verga la pensasse allo stesso modo: è però impossibile trascurare il numero di personaggi che, dalle sue prime produzioni letterarie ai romanzi della maturità, passano a miglior vita. A partire da questo spunto e attraverso specifici strumenti d'indagine, il libro si propone come studio e analisi delle morti verghiane, in relazione alle opere più e meno famose dell'autore catanese. Cosa rappresentano le sparizioni di Malpelo, dei membri della famiglia Toscano nei Malavoglia, l'agonia del protagonista del Mastro don Gesualdo? La ricerca non solo tiene conto delle rispettive strutture testuali e delle fondamentali coordinate antropologiche del Verga, ma fa leva anche sulla concezione del mondo dell'autore e sulle testimonianze relative a famiglia, affetti personali, denaro, lutti domestici desumibili dalle sue lettere.

Libero de Libero’s letters held at the Archivio Urbinate shed new light on his significant and complex forty-year relationship with eminent critic and translator Carlo Bo. In the thirties de Libero was associated with the artists of the “Scuola romana” whereas Bo had strong ties with the Florentine hermetic poets. Their paths did not cross until de Libero commissioned Bo to write a few articles in the early forties. As the director of the journal "Parallelo", de Libero eventually rejected two essays proposed by Bo in 1943. In the subsequent years, he was bitterly disappointed with Bo’s critical writings on his own poetry which he did not deem truthfully appreciative. After an eighteen-year break, they resumed contact and strengthened their friendship in 1971 when de Libero won the Viareggio Prize and was highly praised by Bo in several articles.

Initially published on the third page of the «Corriere della Sera» and subsequently in two volumes-the first in 1972 for Einaudi and the second in 1982 for Mondadori-, Goffredo Parise's Sillabari stories have numerous and evident elements of interest with regard to the Genettian paratext, such as the titles of the stories (powerful filters that guide the reading) and the warning of Sillabario n. 2 (in which the author declares the unexpected exhaustion of inspiration and in which he defines the short stories as «poems in prose»). The article aims to analyze the reception of the literary work through the examination of the different peritextual aspects and through a critical examination of the epitext, in particular those reviews and newspaper articles (considered as a special public allographic epitext) that commented on the appearance of the different editions of the stories. The purpose is to study the reception dynamics between the first appearance on the third page of the Milanese newspaper and the publications in volume.

Nell’ambito di un lavoro progettato in comune, che si è valso del coordinamento di Eraldo Bellini, si deve a Emilio Russo la sezione su Marino; a Marco Corradini quella sulla lirica volgare; a Maria Cristina Cabani quella sul poema eroicomico; a Marco Leone quella sui componimenti in latino. Di per sé la somma di questi quattro argomenti non esaurisce il panorama della poesia del Seicento: altri generi e altri problemi rimangono esclusi; ma, data l’abbondanza del materiale da considerare e la difficoltà di sintetizzare il discorso in un’unica relazione, si è ritenuto opportuno limitarsi a questi ambiti, senza pretendere di estendere la ricognizione a tutta la produzione poetica del secolo. Vengono qui presentate essenzialmente due cose: un bilancio degli studi dell’ultimo periodo e alcune proposte per il futuro della ricerca; in linea di massima, sono stati presi in considerazione saggi ed edizioni apparsi negli ultimi due decenni e mezzo, a partire all’incirca dal 1990. L’orientamento concordato fra gli autori mirava a evitare una semplice elencazione di nomi e di titoli in favore di un testo più discorsivo e aperto alla discussione metodologica e alle questioni generali: anche in questo senso dunque l’intervento non vuole essere esaustivo e non può  menzionare uno per uno tutti gli scritti che meriterebbero di essere ricordati.

The article takes as starting point the question of why 19th century Italian literary historiography always traces the rediscovery of Ariost and the fundamentally ironic gesture of his poetics back to Hegel’s aesthetics, even though that rediscovery is already formulated much earlier in Friedrich Schlegel’s early work. A possible answer is provided by an examination of the Italian translations of Schlegel. It turns out that the lack of awareness of the positions Schlegel takes in his early work can largely be attributed to the fact that Schlegel’s reception in Italy is mainly based on translations of his late work with its Catholic-conservative and nationalistic attitude. Those later positions are clearly different from his ‘revolutionary’ early work, but were in some respects all the more compatible with the literary climate in Italy during the Risorgimento.

La letteratura comparata si sviluppa nel quadro della storiografia letteraria europea tra Sette e Ottocento in quanto problema da un lato dell’interferenza tra culture letterarie nazionali europee e dall’altro della compresenza sul piano mondiale di altre civiltà letterarie, percepite e rappresentate come profondamente diverse e non facilmente accostabili attraverso parametri critici esclusivamente occidentali. A questo proposito Daniel Henri Pageaux ci ricorda che “qualsiasi problema di intertestualità si trasforma per il comparatista in una questione di interculturalità. Parliamo di 'dialogo' tra letterature e tra culture.”. Il volume nasce dall'intenzione di coniugare riflessione teorica e prassi analitica, laddove tuttavia esse si sono intrecciate e si rimandano reciprocamente.  Alla prima parte, “questioni di critica”, dedicata allo statuto della comparatistica letteraria e alla riflessione metacritica sulle forme della mondialità letteraria, in primis quella europea, ne segue una seconda di “studi di casi” dedicati ad approfondimenti a campione su testi e autori/autrici tra Settecento e Novecento.
Titolo del volume: Interculturalità e transnazionalità della letteratura: questioni di critica e studi di casi
Autore: Franca Sinopoli

Indice

nota introduttiva

Parte prima

Questioni di critica

1  Letteratura comparata e interculturalità: percorsi storici e prospettive di studio
1.1  Comparazione e storiografia letteraria in Europa
1.2 La questione dell'alterità e della differenza nello studio letterario: vocazione di una disciplina
1.3 La ricerca (e la perdita) di una scienza letteraria universale
1.4 Il canone letterario e la “questione interculturale”
1.5 La prospettiva transnazionale e il ritorno alla “letteratura mondiale”

2  Forme di mondialità letteraria
2.1 Europa-mondo: il continente sineddoche
2.2 La letteratura europea come letteratura universale
2.3 La letteratura europea negli studi letterari
2.4 Dal mito alla nozione di letteratura europea
2.5 Italia-mondo: la dimensione transnazionale della/nella letteratura italiana

Parte seconda

Studi di casi I – Settecento e Ottocento

1 Dall'Europa all'Italia nel Settecento: traduzioni da Milton e da Voltaire
2 L'Io e la Storia: la letteratura europea di Anne-Louise-Germaine de Staël
3 Dall'Italia all'Europa: Ginevra Canonici Fachini e Lady Morgan
4 Tra letteratura nazionale e letteratura europea: Giuseppe Mazzini

Studi di casi II - Novecento

5 Isotopie della nazione e della patria locale tra storia e memoria letteraria: un case study
6 Tra patria e dispatrio: Luigi Meneghello e Thomas Bernhard
7 Storia e memorie transnazionali non condivise: il contrappunto nell'identità e la cultura italiana contemporanea

nota finale
indice dei nomi

Il presente volume vuol essere l’occasione per rimeditare e riflettere a distanza sulla figura e l’opera di Lanfranco Caretti. Rimeditare, avendo attraversato di persona l’esperienza ormai annosa della ricerca e dell’insegnamento, il significato della sua eredità umana e intellettuale; saggiare la resistenza del suo metodo e delle sue acquisizioni interpretative; vedere se e quanto, dai marosi delle infatuazioni critico-metodologiche di questi decenni, ancora galleggia, ancora è attuale e produttivo, del magistero di Caretti.
Si vedrà così che qualcuno, in questo volume, si sofferma a soppesare l’effetto durevole di una pedagogia severa, e talvolta difficile da negoziare; altri, a valutare la persistente originalità di certe posizioni critiche e di certe posture di lettura e di metodo. Ma in tutti quelli che hanno accettato di tornare, in un modo o nell’altro, a ripensare la propria esperienza di “carettiani”, possiamo dire con qualche sicurezza che si è fatto strada lo stesso pensiero. Senza maestri, senza una scuola, senza una palestra, senza l’apprendistato di bottega presso chi, in quel momento, ne sa più di te, non si fa cultura, e non si costruisce una vera ricerca. Stare a bottega, e accettare il ruolo dell’apprendista, può essere duro e faticoso, talvolta anche penoso: ma è proprio questo esercizio che insegna un mestiere, e che distingue i maestri dagli intellettuali brillanti, in fuga solitaria dietro l’ultimo verbo della critica alla moda. Anche questi intellettuali, beninteso, hanno la loro ben riconosciuta funzione, in una società culturalmente viva; ma, crediamo, non è propriamente la funzione che più si addice alle aule universitarie.
(dalla Premessa dei curatori)

Dopo aver censito alcuni esempi storici di scritti paratestuali al servizio del testo nel libro (quarte di copertina, fascette, "inviti all'opera", ecc.), l'autore ne fa una comparazione individuando le premesse per un 'genere' di scrittura editoriale

Chiunque abbia dimestichezza con la poesia contemporanea e piú in generale con la poesia del secondo Novecento sarà certamente abituato alla lettura di dialoghi, botta e risposta e citazioni dirette all'interno dei testi. Le origini della forma dialogica, almeno nella poesia lirica italiana, sono lontane. È tuttavia il primo Novecento il momento piú fertile per lo sviluppo di tale fenomeno, scaturito principalmente dall'indebolimento e dallo sgretolamento dell'Io lirico. Dopo Pascoli, che per primo ha manifestato la crisi del soggetto come necessità di allargare lo spazio espressivo del testo a voci estranee, aprendo ad una più vasta polifonia, sono i poeti "crepuscolari" a sperimentare il dialogo come struttura fondamentale di molti loro componimenti. Nella poesia dei crepuscolari la forma dialogica non è una tecnica naturalistica occasionale o un semplice tratto stilistico ricorrente, bensì un sistema di evasione dal lirismo spesso lamentoso e patetico che caratterizzava alcuni di loro, un'alternativa a partire dalla stessa esperienza di inutilità e afasia dell'Io.

Quello che fu ritenuto da più di un critico come il libro più brutto di Luigi Capuana, ripubblicato a cent'anni dalla prima ed unica edizione (1904), riesce al contrario sintomatico di tic e posture che sopravvivono, ancor oggi, nella critica giornalistica e militante.

Questo volume nasce da una constatazione: Philip Roth (1933-2018), universalmente riconosciuto come una delle voci fondamentali della letteratura americana, sembra essere più noto (e più ammirato) in Italia che negli Stati Uniti. Da qui, alcune domande. Come e perché si è arrivati a questa situazione? Le cose sono sempre state così? Quali sono gli aspetti peculiari della ricezione italiana di Roth? Per affrontare un argomento tanto vasto, si è scelto di prendere in considerazione diversi aspetti: la presenza dello scrittore nel mercato editoriale, i suoi rapporti diretti e indiretti con la letteratura italiana, le sue conoscenze nella Penisola, le scelte dei traduttori dei suoi libri, le reazioni del pubblico e della critica, la rappresentazione del Bel Paese nei suoi romanzi (e l’elenco potrebbe continuare). Sulla base dell’analisi di una grande mole di documenti – lettere inedite, saggi accademici, articoli giornalistici, recensioni, interviste, opere letterarie di vario genere – "Philip Roth e l’Italia. Storia di un amore incostante" intende fornire alcune linee interpretative e, al contempo, aprire il campo a ulteriori ricerche. Oltre ad approfondire la conoscenza di una figura centrale della cultura contemporanea, lo studio della sua relazione con l’Italia diviene un modo per esaminare, di riflesso, l’evoluzione, le tendenze e le contraddizioni della cultura italiana degli ultimi 60 anni.

"Rapes, murders, honor killings: forms of violence in Giovanni Verga’s short stories", relazione tenuta presso il convegno internazionale £Representations of Violence in Literature, Culture and Arts£ organizzato dall’Osmaniye Korkut Ata University (in collaborazione con Ege University, Pamukkale University, Izmir Katip Celebi University and Istanbul Medeniyet University), Turkey, 20-22 ottobre 2021

This paper analyzes the revisitation of the Greek myth of Orpheus and Eurydice in the work of Cesare Pavese. In the pages of L’Inconsolabile, one of the most significant passages of Dialoghi con Leucò (1947), the author elaborates the story of the young man in a modern key, at least partially overlapping his own human experience. Also through meditation on some passages of Il mestiere di vivere, I will try to prove that the only way of salvation for the human being lies in the abandonment of the beloved woman, Euridice; since only in this way it is
possible to achieve the acceptance of one's own destiny.

È lucida e decisa, pur se fondata su presupposti sui generis, la reazione anti-realistica ed anti-positivistica di Gabriele D’Annunzio alle soglie della modernità, fino a oltrepassarne profeticamente i confini. Già nel 1893 il poeta abruzzese coglieva, con l’antesignana lussureggiante lucidità che gli era propria, il tramonto dell’Ottocento e la nascita di tempi nuovi: «L’esperimento è compiuto. La scienza è incapace [...] di rendere la felicità alle anime in cui ella ha distrutto l’ingenua pace. [...] Non vogliamo più la verità. Dateci il sogno. Riposo non avremo se non nelle ombre dell’ignoto»1.
Esemplare risulta, in effetti, l’iter umano e letterario di D’Annunzio attraverso il Novecento e la sua mitologia: sicché il viaggio che il poeta compie con la sua opera viene ad assurgere ad epocale simbolo d’una paradigmatica saison en enfer dell’artista nella società contemporanea.
Andrea Sperelli, l’esteta, il dandy wildiano de Il Piacere (1889), la perfetta auto-incarnazione dannunziana, rappresenta il momento dell’illusione ancóra possibile: l’artista può celebrare, pur nello sfacelo ‘prossimo venturo’, la sua privata religione della bellezza, in un’orgogliosa seppur pericolante separatezza dalla volgarità della vita. Ma nel Trionfo della Morte (1894) lo stesso ‘cultore della bellezza’ è ormai contagiato dal virus, inesorabilmente compromesso dalla ‘malattia sociale’: da un lato, la tara familiare di vizio e di violenza; dall’altro, la sensualità morbosa e maledetta di Ippolita. Giorgio Aurispa, tragicamente sospeso a mezzo fra l’arte e la vita, insomma in una sorta di nefanda `non-vita’, vive sotto il segno incombente della morte: la bellezza come la ragione sono schiavizzate dalle due nuove insaziabili divinità moderne, il denaro e l’eros, «ridotto a puro sesso dopo che si è inaridita ogni trepidazione sentimentale»2. Già in Giorgio ed Ippolita, e nella loro vicenda, è pienamente evidente il `carattere regressivo’, a base libidica sadico-orale3, proprio degli eroi dannunziani (e dello stesso D’Annunzio): la ‘pulsione di morte’ si staglia sullo sfondo d’una disperata nostalgia dell’ `omeostasi originaria’, che progressivamente s’allontana sul filo d’una rovinosa caduta d’ogni speranza e valore. Nell’assedio sempre più incalzante della `società di massa’ non esistono aree franche dove rifugiarsi, essendo stati infranti tutti i confini, come in un impero che si sta dissolvendo sotto gli assalti dei barbari: solo nel ricongiungimento con la ‘madre-terra’, attraverso la morte, l’artista potrà ritrovare l’ ‘onnipotenza oceanica’ perduta4. E la morte sarà pure la suprema vendetta, l’unica disperata ed eroica ribellione possibile, che Giorgio porterà a compimento trascinando con sé Ippolita da uno scoglio fatale.

La prima organica silloge, in edizione critica, dei principali tesyti teorici, metodologici e dottrinali del maggior critico di letteratura italiana del XV secolo.
Il commento rappresenta un'ulteriore novità: tra i più ampi e approfonditi mai dedicati ad un umanista, è costruito tramite il previo smontaggio sistematico e integrale di tutte le fonti utilizzate dal Landino per costituire la materia della sua riflessione critica, ed è quindi, oltre che uno strumento obbligato per penetrare nella struttura ed orgasnizzazione del pensiero landiniano, un modello per altri commenti analoghi