Жан Батист Камиль Коро - французский художник и гравёр, один из самых успешных и плодовитых пейзажистов эпохи романтизма, оказавший влияние на импрессионистов. Исследователи находят определенную связь между работами Коро и его предшественников — Каналетто, Гварди и Лоррена. Но в целом его искусство очень самобытно. В частности, оно отличается от параллельно развивавшегося искусства барбизонцев, чьи пейзажи, посвященные быту французской деревни, были слишком статичны.
Работая на пленэре, Коро создал целые альбомы этюдов. Зимой он писал в студии картины на мифологические и религиозные темы, стремясь добиться успеха в Салоне, первые свои картины он отправил туда уже в 1827 году. Однако наибольшей славы Коро добился в портрете и, особенно, в пейзаже.
Всего Коро написал более 3000 картин, помимо этого создал десятки офортов. Как и в случае с Айвазовским, такое количество произведений породило подделки, имитации и трудности в атрибуции, что позднее привело к падению спроса на работы Коро. Известны случаи, когда, встретив понравившуюся ему подделку «под Коро», художник в знак одобрения мастерства фальсификатора подписывал её своим именем.






1. Автопортрет. 1825. Париж. Лувр.

2. Автопортрет. 1835. Флоренция. Уффици.

3. Мост Августа на реке Нарни.1826. Париж. Лувр.

4. Агостина.1866. Вашингтон. Национальная галерея.

5. Мост в Нанте.1868-70. Париж. Лувр.

6. Женщина, читающая письмо.1869. Нью-Йорк. Метрополитен.

7.Цыганка с мандолиной.1874. Сан-Пауло (Бразилия). Музей изобразительных искусств.

8. Луиза Лаура Сеннегон, племянница художника. Белград. Национальный музей.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
Часть 2 - Элизабет ВИЖЕ-ЛЕБРЕН. (1755-1842). Франция.
...
Часть 7 - Антуан Жан ГРО. 1771-1835. Франция. Часть 2
Часть 8 - Теодор ЖЕРИКО. (1791-1824). Франция.
Часть 9 - Камиль КОРО (1796-1875). Франция.

Антуан Ватто - французский живописец и рисовальщик, основоположник и крупнейший мастер стиля рококо.
Ватто приехал в Париж в 1702 из северной Франции, из Валансьена. С 1703 по 1708 Ватто работал в мастерской Клода Жилло, копировал и изображал сюжеты итальянской комедии. Сформировавшийся вне жёстко регламентированной академической системы, Ватто спокойно обдумывал и отбирал увлекавшие его сюжеты, не заботясь об иерархии жанров, свободно отдавался на волю чувства и фантазии. Он не любил работать на заказ, предпочитая свободу замысла и игру воображения. Он писал пейзажи, маскарады в духе Жилло, портреты итальянских актеров, праздники в парках, заботясь больше о настроении, эмоциональном и живописном богатстве сцены, чем о скрупулёзном портретном сходстве или торжественном величии.
Ватто был создателем своеобразного жанра, традиционно называемого «галантными празднествами». Сущность этих сцен раскрывается не столько в их прямом сюжетном значении, сколько в тончайшей поэтичности, которой они проникнуты.






1. Автопортрет (итальянский карандаш,сангина). США. Частное собрание.

2. Нимфа и Сатир (Юпитер и Антиопа).1715. Париж. Лувр.

3. Гаммы любви.1715-18. Лондон. Национальная галерея.

4. Финетта.1717. Париж. Лувр.

5. Капризница.1718. Санкт-Петербург. Эрмитаж.

6. Жиль.1718-20. Париж. Лувр.

7. Мецетен.1719. Нью-Йорк. Метрополитен.

8. Венецианский праздник.1719. Эдинбург. Национальная галерея.

9. Суд Париса. Париж, Лувр. (Сюжет картины взят из «Илиады» Гомера).

10. Полька. Варшава. Национальная галерея.

11. Этюд. Дублин. Национальная галерея Ирландии.

12. Портрет мужчины. Прага. Национальная галерея.

Серия сообщений "Художники разных стран-6":

Часть 1 - Альбрехт ДЮРЕР. 1471-1528. Германия. Часть 5.
Часть 2 - Альбрехт ДЮРЕР. 1471-1528. Германия. Часть 6.
...
Часть 48 - Художники Франции 18 в. на марках разных стран. Часть 2
Часть 49 - Художники Франции 18 в. на марках разных стран. Часть 3
Часть 50 - Антуан ВАТТО. 1684-1721. Франция.

Оноре Домье - французский художник-график, живописец и скульптор, крупнейший мастер политической карикатуры XIX века.
Родился в Марселе в семье стекольщика. С детства увлекался рисованием, освоил мастерство литографа. В 1832 г. за карикатуру на короля («Гаргантюа», 1831) Домье был на полгода заключен в тюрьму. С 1848 по 1871 год создал не менее четырёх тысяч литографий и ещё столько же иллюстраций карандашом.
Рисунок Домье сух и грубоват; но представляемые им типы и сцены полны жизни, поразительной правды, и, вместе с тем едкой насмешки. Он продолжал писать картины до самой смерти, даже когда совсем ослеп. Его гротескные, утрированные, нарочито грубо исполненные образы вызывали восхищение Мане и Дега; существует мнение, что Домье был первым импрессионистом.

1. Дон Кихот и Санчо Панса.1849-50. Токио. Бриджестон-музей.

2. У торговца гравюрами.1850. Мендорф. Собрание Штауб-Терлинден.

3. Сладкие воспоминания (карикатура).1850. София. Национальная галерея.

4. В купе вагона (Художники). Бухарест. Музей изобразительных искусств.

5. Криспен и Скапен.1858-60. Париж. Музей д'Орсэ.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 9 - Теодор ЖЕРИКО. (1791-1824). Франция.
Часть 10 - Камиль КОРО (1796-1875). Франция.
Часть 11 - Оноре Домье (1808-1879). Франция.
Часть 12 - Жан Франсуа МИЛЛЕ (1814-1875). Франция.

Гюстав Курбе - французский живописец, пейзажист, жанрист и портретист. Считается одним из завершителей романтизма и основателей реализма в живописи.
Родился в Орнане. Его отец владел виноградниками. В 1831 году будущий художник начал посещать семинарию в Орнане. Его поведение столь контрастировало с тем, что ожидалось от семинариста, что никто не брался отпускать ему грехи. В 1837 году по настоянию отца Курбе поступил в коллеж в Безансоне. Одновременно с обучением в коллеже, Курбе посещал занятия в Академии. В 1839 году он отправился в Париж. Курбе не стал заниматься юриспруденцией, а вместо этого начал занятия в художественных мастерских. В 1844 году первая картина Курбе, «Автопортрет с собакой», была выставлена в Парижском салоне (все остальные картины были отвергнуты жюри. С самого начала художник показал себя крайним реалистом, и чем далее, тем сильнее и настойчивее следовал по этому направлению, считая конечной целью искусства передачу голой действительности и жизненной прозы и пренебрегая при этом даже изяществом техники. В 1840-х годах он написал большое количество автопортретов.
При уме и значительном таланте художника, его натурализм, приправленный, в жанровых картинах, социалистической тенденцией, вызвал много шума в артистических и литературных кругах и приобрёл ему немало врагов (к ним относился Александр Дюма-сын), хотя также и массу приверженцев. В конце концов, Курбе стал главой реалистической школы.
В 1871 Курбе примкнул к Парижской коммуне, управлял при ней общественными музеями и руководил низвержением Вандомской колонны. После падения Коммуны, отсидел, по приговору суда, полгода в тюрьме; позже был приговорён к пополнению расходов по восстановлению разрушенной им колонны. Это заставило его удалиться в Швейцарию, где он и умер в нищете.







1. В гамаке.1844. Винтертур (Швейцария). Собрание Оскара Рейнхарта.

2. Композитор Берлиоз.1850. Париж. Музей д'Орсэ.

3. Борцы.1853. Будапешт. Музей изобразительных искусств.

4. Веяльщицы.1854. Нант (Франция). Музей изобразительных искусств.

5. Здравствуйте, господин Курбе.1854. Монпелье. Музей Фабра.

6. Студия художника.1854-55. Париж. Музей д'Орсэ.

7. Дамы на берегу Сены.1856. Париж. Музей Пти-Пале.

8. Охота на оленя. Безансон. Музей изобразительных искусств.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 11 - Оноре Домье (1808-1879). Франция.
Часть 12 - Жан Франсуа МИЛЛЕ (1814-1875). Франция.
Часть 13 - Гюстав КУРБЕ (1819-1877). Франция.

Жан Франсуа Милле - французский художник, один из основателей барбизонской школы.
Родился в семье зажиточного крестьянина из маленькой деревушки на берегу пролива Ла-Манш близ Шербура. Его художественные способности были восприняты семьёй как дар свыше. Родители дали ему денег и позволили учиться живописи. В 1837 г. он приехал в Париж и два года занимался в мастерской живописца Поля Делароша (1797—1856). С 1840 г. молодой художник начал выставлять свои работы в Салоне. В 1849 г. художник поселился в Барбизоне и прожил там до конца своих дней. Тема крестьянской жизни и природы стала главной для Милле. «Я крестьянин и ничего больше, как крестьянин», — говорил он о себе.
Тяжесть труда крестьян, их нищета и смирение отразились в картине «Сборщицы колосьев». Фигуры женщин на фоне поля согнуты в низком поклоне — только так им удастся собрать оставшиеся после жатвы колосья. Вся картина наполнена солнцем и воздухом. Работа вызвала разные оценки публики и критики, что заставило мастера временно обратиться к более поэтичным сторонам крестьянского быта.
В конце жизни художник под влиянием барбизонцев увлёкся пейзажем. Милле никогда не писал картин с натуры. Он любил ходить по лесу и делать маленькие зарисовки, а потом по памяти воспроизводил понравившийся мотив. Художник подбирал цвета для своих картин, стремясь не только достоверно воспроизвести пейзаж, но и достичь гармонии колорита.



1. Веяльщик.1847. Париж. Музей д'Орсэ.

2. Пейзаж с овцами. Гавана. Национальный музей искусств.

3. Сборщицы колосьев.1857. Париж. Музей д'Орсэ. .(На марке Либерии картина в зеркальном изображении).

4. Кормилица (М-м Хейман-дочь Милле).1861. София. Национальная галерея.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 10 - Камиль КОРО (1796-1875). Франция.
Часть 11 - Оноре Домье (1808-1879). Франция.
Часть 12 - Жан Франсуа МИЛЛЕ (1814-1875). Франция.
Часть 13 - Гюстав КУРБЕ (1819-1877). Франция.

Теодор Жерико - французский живописец эпохи романтизма.
Служа в королевских мушкетерах, Жерико писал преимущественно батальные сцены, однако после путешествия в Италию в 1817—19 гг. он исполнил большую и сложную картину «Плот „Медузы“». Новизна сюжета, глубокий драматизм композиции и жизненная правда этого мастерски написанного произведения не были сразу оценены по достоинству, но вскоре оно получило признание даже со стороны приверженцев академического стиля и принесло художнику славу талантливого и смелого новатора.
Наслаждаться этой славой ему пришлось недолго: едва успев возвратиться в Париж из Англии, где главным предметом его занятий было изучение лошадей, он погиб в результате несчастного случая — падения с лошади. Этюды с натуры, мастерские литографии и многочисленные жанры, исполненные Жерико в последние годы жизни и изображающие лошадей в различных отношениях к человеку, отличаются необыкновенной энергией и верностью натуре. Преждевременная кончина помешала ему написать уже задуманную большую картину «Отступление французов из России в 1812».









1. Офицер конных егерей, идущий в атаку.1812. Париж. Лувр.

2. Офицер конных егерей Императорской гвардии (портрет лейтенанта Робера де Дьюдонне - эскиз). 1812. Париж. Лувр.

3. Раненый кирасир, покидающий поле боя. 1814, Париж. Лувр.

4. Конный рынок 1817. Париж. Лувр.

5. Конь, удерживаемый рабами.1817. Руан. Музей изобразительных искусств.

6. Плот Медузы. 1819. Париж. Лувр.

7. Дерби в Эпсоме. 1821. Париж. Лувр.

8. Голова лошади. Париж. Лувр.

9. Портрет бродяги. 1821. Париж. Лувр.

10. Портрет сумасшедшей. 1824. Париж. Лувр.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 7 - Антуан Жан ГРО. 1771-1835. Франция. Часть 1
Часть 8 - Антуан Жан ГРО. 1771-1835. Франция. Часть 2
Часть 9 - Теодор ЖЕРИКО. (1791-1824). Франция.
Часть 10 - Камиль КОРО (1796-1875). Франция.
Часть 11 - Оноре Домье (1808-1879). Франция.
Часть 12 - Жан Франсуа МИЛЛЕ (1814-1875). Франция.
Часть 13 - Гюстав КУРБЕ (1819-1877). Франция.

1. Констан ТРОЙОН. (1810-1865). Пастух.1860. Будапешт. Музей изобразительных искусств.

2. Констан ТРОЙОН. (1810-1865). Возвращение с пастбища. Гавана. Национальный музей искусств.

3. Жан Луи Эрнест МЕЙСОНЬЕ. (1815-1891). Французская кампания 1814 г. 1864. Париж. Музей д'Орсэ.

4. Жан Луи Эрнест МЕЙСОНЬЕ. 1815-1891. Капрал кирасиров.1857. Гавана. Музей Наполеона.

5. Жан Луи Эрнест МЕЙСОНЬЕ. (1815-1891). Площадь у замка Томопс. Гавана. Национальный музей искусств.

6. Анри-Жозеф ХАРПИНЬЕ. (1819-1916). Пейзаж. Дубы. Гавана. Национальный музей искусств.

7. Теодор ШАССЕРИО. (1819-1856). Танцовщица Петра Камара.1852. Будапешт. Музей изобразительных искусств.

8. Теодор ШАССЕРИО. (1819-1856). Туалет Эстер.1842. Париж. Музей д'Орсэ.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 12 - Жан Франсуа МИЛЛЕ (1814-1875). Франция.
Часть 13 - Гюстав КУРБЕ (1819-1877). Франция.
Часть 14 - Художники Франции начала 19 в. на марках разных стран. Часть 1
Часть 15 - Художники Франции начала 19 в. на марках разных стран. Часть 2

9. Жан Леон ЖЕРОМ. (1824-1904). Аукцион невольников.1884. Санкт-Петербург. Эрмитаж.

10. Жан Леон Жером (1824-1904). Петушиный бой. Париж. Музей д'Орсэ.

11. Адольф Вильям БУГРО. (1825-1905). Целомудрие. Гавана. Национальный музей искусств.

12. Адольф Вильям БУГРО. (1825-1905). Вечернее настроение.1882. Гавана. Национальный музей искусств. (На марке неправильно написана фамилия художника, правильно Bouguereau).

13. Жан Батист КАРПО. (1827-1875). Четыре части света.1873. Париж. Люксембургский сад.

14. Жан Батист КАРПО. (1827-1875). Мадам Шерри Жаме Турне.1872. Валансьенн (Франция). Музей изобразительных искусств.

15. Жан Батист КАРПО. (1827-1875). Амелия де Монфор.1869. Париж. Музей д'Орсэ.

16. Жюль БРЕТОН. (1827-1906). Процессия (религиозная) в Бретани.1869. Гавана. Национальный музей искусств.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 13 - Гюстав КУРБЕ (1819-1877). Франция.
Часть 14 - Художники Франции начала 19 в. на марках разных стран. Часть 1
Часть 15 - Художники Франции начала 19 в. на марках разных стран. Часть 2

В Венеции Веронезе знакомится с творчеством Тициана, у которого он воспринял широкую, свободную манеру письма, ставшую характерной для его произведений. Могучая фигура бога войны в доспехах и в красном плаще изображена на переднем плане картины, обнаженная Венера напоминает античную скульптуру. Поразительная стройность композиции, точная лепка и пластичность фигур подчеркиваются праздничной приподнятостью, выразительностью ракурсов, ликующим великолепием звучного колорита.
На этой картине, которая вместе с несколькими другими хранилась в коллекции императора Рудольфа II в Праге и, по-видимому, была заказана им к коронации, изображен союз Венеры и Марса, богини любви и бога войны, которых амур связывает шелковой лентой. Марс укрощен и спокоен - война покорилась любви. Художник намекает на возвышенную любовь - справа купидон сдерживает мечом лошадь, символ низменной страсти, а похотливый сатир застыл в камне. Но в картине много чувственного, и не только в обнаженном теле Венеры, красоту которого подчеркивают жемчужное ожерелье и браслеты: здесь все, как обычно у Веронезе, написано осязательно - и тяжелый шелковый плащ Марса, и гладкое тело коня, и белоснежный теплый мрамор.
Все вокруг торжествует победу любви, в том числе и цвета картины. Французский живописец Поль Сезанн сказал о Веронезе: «Он писал так, как мы смотрим на мир, столь же естественно. Его языком были краски».

Аллегорической теме идиллического союза Марса и Венеры посвящали свои картины многие художники. Марс выделяется между планетами своей силой, ибо он делает людей сильнее, однако Венера господствует над ним, часто в соединении с Марсом или в противостоянии к нему Венера не даёт ему проявить свои недобрые свойства, она господствует над Марсом и смиряет его, Марс же никогда не господствует над Венерой. Венера — это любовь, обезоруживающая войну, мир, усмиряющая раздор, гармония, включающая в себя согласие и взаимопонимание.

Картина Паоло Веронезе «Похищение Европы» посвящена известному древнегреческому мифу о похищении Зевсом в образе быка красавицы Европы.
У финикийского царя Агенора была дочь Европа, прекрасная, как бессмертная богиня. Увидев красавицу, громовержец Зевс решил похитить ее. Когда Европа с подругами собирала на лугу цветочки, Зевс, обратившись чудесным быком, приблизился к девушке. Он лизал ей руки и всячески ласкался к ней. Европа гладила быка своей нежной ручкой по золотой шерсти, обнимала и целовала его голову. Бык лег у ног прекрасной девы, как бы приглашая ее сесть к нему на спину. Но лишь только Европа села на быка, как он тотчас же вскочил на ноги и помчался к морю. Бык бросился в море и быстро, словно дельфин, поплыл по его лазурным водам. Бык доплыл до острова Крит, и там Европа стала женой Зевса.
В поздних работах Веронезе, отмеченных чертами кризиса ренессансного мировоззрения, появляются настроения смутной тревоги, скорби и меланхолии. Полотна Веронезе, казалось, уводили художника от борьбы, от контрастов исторической действительности. Отчасти это так и было. И все же в обстановке контрреформации, растущей идейной агрессии католичества его жизнерадостная живопись, желал того или не желал мастер, занимала определенное место в современной ему идейной борьбе.

Афродита (в римской мифологии — Венера) — богиня любви. Адонис — возлюбленный Афродиты. Адонис был смертным (сын царя Кипра), однако красотой превосходил даже богов-олимпийцев. Когда Адонис погиб на охоте, Зевс сжалился над горем Афродиты и велел Аиду отпускать Адониса из царства теней умерших. С тех пор половину времени Адонис проводил в царстве Аида, а половину — на земле.
Картина исполнена в теплой колористической гамме. Фигуры мифологических персонажей изображены на фоне ночного пейзажа. Влюбленные герои представляют собой смысловой центр картины, а собаки, одна из которых дремлет у ног богини, и играющий с другой Амур наполняют изображение умиротворением. Полотно выполнено в теплой гамме. Густые цвета вечернего неба, зелени листвы и яркое красное одеяние Адониса контрастируют с кремовой белизной обнаженного тела Венеры. В мощном звучании насыщенных красок раскрывается зрелый талант живописца.

В 1553 получил первый официальный заказ в Венеции, связанный с живописной декорацией Дворца дожей. В первых больших работах, выполненных в Венеции, — плафонах зала Десяти во Дворце дожей, Веронезе предстает уже во всем блеске своего дарования; построенные на крупных массах и больших цветовых пятнах, эффектном ракурсе снизу вверх, эти композиции легко читаются, преображают обширные помещения своей праздничностью, декоративным великолепием, легкостью движения, полнотой жизни. В своей последней монументальной работе — Апофеозе Венеции (до 1585, Венеция, Дворец дожей, зал Большого совета), выполненной с участием мастерской, в которой работали брат художника Бенедетто и его сыновья Габриэле и Карлетто, Веронезе возвращается к эффектным зрелищным мотивам своих более ранних работ. Веронезе отошел от техники фрески и, согласно старой венецианской традиции, вкомпоновывал написанные на холсте композиции в роскошные резные позолоченные рамы.
Самая пышная декоративная композиция мастера – “Триумф Венеции”, плафон зала Большого Совета Дворца дожей (1580–1585). Мифологические и аллегорические персонажи соседствуют с нарядными и праздными венецианцами. В этой работе художника обозначились черты парадности, сложные иллюзионистические приемы, декоративная пышность, предвосхищавшая искусство барокко 17 столетия. "Воздержание" - фрагмент этой росписи.

"И сказал Господь Бог: не хорошо быть человеку одному; сотворим ему помощника, соответственного ему. Господь Бог образовал из земли всех животных полевых и всех птиц небесных, и привел к человеку, чтобы видеть, как он назовет их, и чтобы, как наречет человек всякую душу живую, так и было имя ей. И нарек человек имена всем скотам и птицам небесным и всем зверям полевым; и для человека не нашлось помощника, подобного ему, И навел Господь Бог на человека крепкий сон; и, когда он уснул, взял одно из ребр его и закрыл то место плотию. И создал Господь Бог из ребра, взятого у человека, жену, и привел ее к человеку. И сказал человек: "Вот, это кость от костей моих и плоть от плоти моей; она будет называться женою: ибо взята от мужа. Потому оставит человек отца своего и мать свою, и прилепится к жене своей; и будут одна плоть". И были оба наги, Адам и жена его, и не стыдились". /Библейская книга Бытия/

Картина Паоло Веронезе «Почтение» - одна из четырех картин, так называемых Лондонских аллегорий (цикл "Аллегория любви"). В аллегориях в полную силу проявляется талант зрелого мастера. Убедительно и мощно выписаны фигуры персонажей, колорит картины выдержан в строгих классических тонах. На данной картине почтение к женщине, отдыхающей под пурпурным тяжелым пологом, выражает вошедший в спальню высокий, черноволосый мужчина благородного происхождения в плаще, накинутом на плечи. Высоким слогом, скорее всего стихами, он высказывает восхищение достоинствами молодой женщины и желает благополучия ей, ее дому и всей ее семье. Названная работа является третьей из цикла "Аллегория любви".

С начала творческого пути Паоло не последнюю роль отводил портретной живописи. Венецианское искусство стало своего рода катализатором для развития Веронезе-портретиста. Блестяще передавая внешнее сходство, достигая одновременно и некоторой идеализации образа, граничащей с его приукрашиванием, Веронезе не сосредоточивал своего внимания на глубоком раскрытии характера изображаемой личности, без чего, собственно и нет большого искусства портрета. Однако блеск живописи, великолепно написанные аксессуары, благородная аристократическая непринуждённость поз делают его портреты очень приятными для глаз и прекрасно «вписывают» их в роскошные дворцовые интерьеры позднего венецианского Возрождения. Некоторые из его сравнительно ранних портретов отличает оттенок неопределённой романтической мечтательности – как этот «Мужской портрет»из будапештского музея.

Веронезе - автор многих торжественных многофигурных композиций на евангельские сюжеты со смело введенными жанровыми мотивами, портретными образами, реально наблюденными деталями. В творчестве Веронезе наиболее ярко воплотился праздничный, жизнеутверждающий характер венецианского Возрождения.
Св.Варвара (греч. "иноземка" ) - ранняя христианская святая дева-великомученица. Ее агиографическая легенда, не имеющая исторической основы (прибл. VII в.), пересказывается в "Золотой легенде". Возможно, была христианкой, казненной в Египте во время репрессий против христиан нач. IV в. Единственная дочь богатого язычника (вельможи?) Диоскора. Из любви и страха потерять обожаемую дочь после возможного замужества отец построил для Варвары высокую башню, в которой ревниво укрывал ее от мира и домогательств обожателей. Лютой ненавистью возненавидел отец-язычник любимую свою дочь, когда узнал, что она верует во Христа. Он сам предал ее на лютые мучения, чтобы отреклась от христианской веры, сам казнил её.

Паоло Калиари, прозванный Веронезе, один из самых значительных художников венецианской школы позднего Возрождения, родился в городе Верона. В 1555 году художник переселился в Венецию и жил там до конца жизни. Отличительная особенность венецианской школы живописи — яркий, жизнерадостный колорит — является характерной и для Веронезе. Мастер монументально-декоративных росписей (во Дворце дожей, в библиотеке Сан Марко, в церкви Сан Себастьяно и других зданиях Венеции), Веронезе умело решал задачи сочетания живописи с архитектурой.

О характере его монументальных росписей дает представление картина “Диана”. Возможно, это эскиз к декоративным фрескам загородной виллы Барбаро-Вольпи близ деревни Мазер (около Тревизо), построенной архитектором Андреа Палладио. Художник ставит здесь перед собой ту же задачу, что и во многих фресках виллы: средствами живописи создать на гладкой стене иллюзию ниши с помещенной в ней скульптурной группой. Фигура богини охоты Дианы и собака кажутся объемными и окруженными свето-воздушной средой. Пластическая выразительность форм дополняется мастерством рисунка и совершенством композиции. Сочетание золотистых волос, нежно-розоватых и голубоватых одежд и светлой, напоминающей по цвету слоновую кость, ниши придает особое очарование этой небольшой картине. Парная к “Диане” картина “Минерва” хранится в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве.

Диана (римское или греческое имя — Артемида) — дочь Юпитера и Латоны, богиня охоты, владычица зверей, а также богиня луны, иногда отождествляемая с Селеной (Луной). В произведениях искусства Диана чаще всего предстает вооруженной луком, с колчаном за спиной, в сопровождении собак или лани. Как богиня луны, Диана изображалась с полумесяцем на голове и факелами в руках, в длинной одежде.

Жакоб Абраам Камиль Писсарро - французский живописец, один из первых и наиболее последовательных представителей импрессионизма.
Родился на острове Сент-Томас (Вест-Индия), в буржуазной семье еврея-сефарда и уроженки Доминиканской республики. До 12 лет Камиль жил в Вест-Индии, затем, уже в возрасте 25 лет, вместе со всей семьёй переехал в Париж. С 1855 по 1861 год учился в Школе изящных искусств и в Академии Сюиса в Париже. Его учителями были Камиль Коро, Гюстав Курбе и Шарль-Франсуа Добиньи. Во время франко-прусской войны 1870—1871 годов Писсарро переехал в Лондон. За это время множество его работ, оставленных в Париже, было уничтожено немецкими солдатами, жившими в его доме. Сохранилось лишь сорок картин.
По своим политическим взглядам Писсарро был убеждённым анархистом. Впрочем, на творчество Писсарро анархизм не оказал никакого влияния.
Писсарро оказал сильное влияние на импрессионистов, самостоятельно выработав многие принципы, легшие в основу их стиля живописи. Он дружил с такими художниками, как Дега, Сезанн и Гоген. Писарро — единственный участник всех 8 выставок импрессионистов.
Ещё в период обучения в Академии начался роман Писсарро с горничной его родителей — Жюли Веллей. Но оформить отношения молодые люди смогли лишь через 10 лет. В семье Писсарро было восемь детей.
В последние годы жизни у Камиля Писсарpо заметно испортилось зрение. Несмотря на это, он продолжал работу и создал серию видов Парижа, наполненных великолепными художественными эмоциями. Необычный ракурс этих полотен объясняется тем, что художник писал их не на улице, а из гостиничных номеров. Эта серия стала одним из высших достижений импрессионизма в передаче света и атмосферных эффектов и во многом его общеизвестным символом.






1. Въезд в деревню Войсине.1872. Париж. Музей д'Орсэ.

2. Пейзаж с мостом. Тель-Авив. Музей искусств.

3. Красные крыши.1877. Париж. Музей д'Орсэ.

4. Пейзаж.1878. Шартрез. Музей Картезианского монастыря.

5. Пастушка.1881. Париж. Музей д'Орсэ.

6.. Весна. Бухарест. Музей изобразительных искусств.

7. Берег Сены зимой. 1901. Лондон. Национальная галерея.

8. Крестьянка с корзиной в саду. 1881.

9. Жанна-дочь художника. Бухарест. Галерея Замбаччиана.

10. Копающая крестьянка.1882. София. Национальная галерея

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 14 - Художники Франции начала 19 в. на марках разных стран. Часть 1
Часть 15 - Художники Франции начала 19 в. на марках разных стран. Часть 2
Часть 16 - Камиль ПИССАРРО (1831-1903). Франция.

Эдгар Дега - французский живописец, один из виднейших и оригинальнейших представителей импрессионистского движения.
Родился в Париже, в обеспеченной семье аристократического происхождения. В возрасте 13 лет Эдгар потерял мать, что явилось для него серьёзнейшим ударом. Позже, в молодости, под влиянием новых социальных идей, Эдгар изменил свою фамилию с де Га на менее «аристократическую» Дега. В 20 лет Дега поступает в ученичество в мастерскую известного в свое время художника Ламота, бывшего в свою очередь учеником великого Энгра. На рубеже 60-х годов XIX века Эдгар Дега открывает собственную мастерскую в Париже. Основой его творчества являлась портретная живопись. Однако уже в начале 1860-х годов Дега вновь заинтересовался сценами из современной жизни, и в первую очередь скачками.
В 1861 году Дега знакомится с Эдуардом Мане, дружба с которым продолжалась до конца жизни последнего. Будучи человеком весьма авторитетным в среде молодых художников, неформальным главой Батиньольской группы, Мане познакомил Дега с молодыми живописцами, ставшими впоследствии известными как импрессионисты. В немногочисленных кружках, объединявших художников, Дега обладал безусловно высокой репутацией благодаря своим манерам, тонкой культуре, учтивости, своеобразному, сочетавшемуся с резкостью, обаянию, — все это вызывало к нему известное уважение. С Эдуардом Мане Дега сближает общее неприятие академического салонного искусства. Дега больше интересовался современной жизнью во всех ее проявлениях, нежели вымученными сюжетами выставленных в Салоне картин. Не принимал он также и стремление импрессионистов работать на открытом воздухе, предпочитая мир театра, оперы и кафешантана. Более того, он не любил пленэр, считая, что на воздухе рассеивается внимание, и безоговорочно отдавал предпочтение управляемой среде студии. Поскольку стиль Дега основывался на прекрасном рисунке, его картины обладают точностью изображения, совершенно нетипичной для импрессионизма.
В 1870 г. волна франко-прусской войны докатилась до Парижа. Так же, как и Мане, Дега записался добровольцем в армию. Служил в пехоте и артиллерии. Дега записался добровольцем в пехотный полк, однако на первых же стрельбах обнаружилось, что художник плохо видит правым глазом, — это было началом болезни, которая обернулась в конце жизни почти полной слепотой. Из-за слабого зрения Дега был переведен в артиллерийский полк.
«Меня называют живописцем танцовщиц», — писал Дега. Он в самом деле часто обращался к этой теме. Но совершенно неверно думать, что Дега был эротоманом. «Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить замечательные ткани и ухватить движение», — говорил Дега.
В личной жизни Дега был одновременно сдержанным и вспыльчивым; с ним случались приступы гнева. Друзья и члены его семьи отзывались о Дега как о неуклюжем прямом человеке. Он также был известен как способный мимический актер.
К концу 80-х годов Дега, по существу, реализовал свое желание «стать знаменитым и неизвестным». Дега замыкается в узком кругу близких друзей. Он выставляется лишь в немногих избранных публичных местах. К 1882 году у художника начинает резко ухудшаться зрение, и Дега начал обращаться к пастельной технике, а затем и к скульптуре. Фигуры, изображенные на его поздних полотнах, всегда укрупнены так, словно художник рассматривает их с очень близкого расстояния. Эдгар Дега был практически универсальным художником не только в плане жанров, но и в плане техники, в которой он выполнял свои работы. Постепенно Дега почти полностью переходит от масла к пастели, поскольку эта техника позволяла ему ощущать непосредственную близость к поверхности картины и позволяла меньше напрягать зрение. Почти за десять лет до своей смерти Дега практически перестал писать. Он жил один в своей холостяцкой квартире.


1. Автопортрет.1855. Париж. Музей д'Орсэ.

2. Портрет молодой женщины.1868. Париж. Музей д'Орсэ.

3. Отец, слушающий певца-гитариста.1869-72. Бостон. Музей изящных искусств.

4. Портрет с китайской вазой.1872. Париж. Музей д'Орсэ.

5. Портрет мадемуазель Добиньи. 1869. Гамбург. Кюнстхалле.

6. Танцевальный класс.1874. Париж. Музей д'Орсэ.

7. Скаковые лошади в Лоншане. 1873-1875. Бостон. Музей изящных искусств.

8. Абсент.1875-76. Париж. Музей д'Орсэ.

9. Балерина с букетом.1878. Париж. Музей д'Орсэ.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 15 - Художники Франции начала 19 в. на марках разных стран. Часть 2
Часть 16 - Камиль ПИССАРРО (1831-1903). Франция.
Часть 17 - Эдгар ДЕГА (1834-1917). Франция. Часть 1

10. Звезда.(Балерина на сцене).1876. Париж. Музей д'Орсэ.

11. Кабаре "Лес Амбассадорс" (пастель).1876-77. Лион (Франция). Музей изобразительных искусств.

12. Завершающий арабеск. 1877. Париж. Музей д'Орсэ.

13. На бирже.1878-79. Париж. Музей д'Орсэ.

14. Репетиция балета на сцене.1878. Париж. Музей д'Орсэ.

15. Певица кабаре в перчатках (пастель).1878. Кембридж (США, штат Массачусетс).Галерея Фогг.

16. Мисс Ла Ла в цирке Фернандо.1879. Лондон. Национальная галерея.

17. Репетиция балета.1875. Нью-Йорк. Собрание Фрелингхейзен. (На марке картина в зеркальном изображении).

18. Балерины.1880. Лондон. Национальная галерея.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 16 - Камиль ПИССАРРО (1831-1903). Франция.
Часть 17 - Эдгар ДЕГА (1834-1917). Франция. Часть 1
Часть 18 - Эдгар ДЕГА (1834-1917). Франция. Часть 2

strong>



Картина «Мадонна с младенцем, святые Рох и Антоний Падуанский» создана приблизительно в первые годы 16 столетия. Точная дата написания картины неизвестна. Классическая компоновка алтарной композиции на религиозную библейскую тематику. Для некоторых исследователей живописи венецианской школы эпохи ренессанса атрибуция картины является спорной. Этот необычайный алтарный образ, персонажи которого как бы перенесены из интерьера собора на лоно природы, поражает особым тонким настроением. Светлый, радостный пейзаж, утренний свет, льющийся из-за холмов, меланхолическое раздумье, в которое погружены участники сцены, придают всему необычайную поэтичность. И в то же время картина поражает ощущением недосказанности, характерным для всех последующих созданий венецианца Джорджоне.
Некоторые источники относят эту картину к работам Тициана.

«Спящая Венера» – одна из известнейших картин Джорджоне. Образ, ставший олицетворением гармонии духовного и физического, слияния божественного и телесного начал в единую красоту. Но зритель забывает о том, что смотрит на бессмертную богиню. Он видит только красоту обнаженного человеческого тела, которое создает у смотрящего ощущение нравственной чистоты и непогрешимости Венеры. Его взгляд приковывают правильные линии тела молодой женщины, и безмятежность, сквозящая во всем облике богини, постепенно передается и смотрящему.
Вся природа, окружающая Венеру, передана художником в том же ритме и эмоциональном настрое, что и портрет богини: то же спокойствие и умиротворение, та же созвучность частей. Прекрасный мир соответствует красоте женщины. Их неповторимое очарование есть проявление божественной воли; все земное и все небесное является результатом одного творческого акта.
Ни одна из картин итальянского Возрождения не имела столько повторений и вариантов, как "Спящая Венера" Джорджоне. Не говоря уже о современниках художника, она поразила воображение Дюрера и Кранаха Старшего, Пуссена и Веласкеса, Рембрандта и Рубенса, Энгра и Делакруа, Мане и Гогена. Между тем письменные свидетельства о ней крайне скудны, а сам Джорджоне не оставил никакого эпистолярного наследия и нигде не проронил о своих картинах ни слова.
Свою идею о прекрасном человеке, о его полной гармонии с окружающим миром Джорджоне воплотил в образе Венеры - богини любви и красоты. Он представил ее в облике прекрасной обнаженной женщины, спящей на лугу, поросшем скромными белыми цветами. Сон богини полон безмятежного покоя, вечерняя тишина и согласие пронизывают всю природу, и сама она как будто порождение той самой природы, которая ее окружает. Ее прекрасное тело поражает зрителя необычной красотой плавных линий, и в то же время Венера Джорджоне - это земная женщина, полная чувственной прелести и очарования, и эту земную красоту художник возвысил и идеализировал. Никто в итальянской живописи до Джорджоне не передавал еще с такой осязательностью жизненную теплоту обнаженного женского тела, где совершенность форм, завершенность и чистота линий словно воплощают в себе закон абсолютной гармонии.
У Джорджоне нагота выглядит как естественное состояние человека: богиня отдыхает, спит обнаженная, как в те далекие времена спали все - богатые и бедные люди, да и сами боги. Все тело Венеры выражает состояние сладкого самозабвения, полного покоя, который не тревожат мрачные сновидения.
"Спящая Венера" Джорджоне - едва ли не первое произведение живописи Возрождения, в котором нагота составляет главную его тему. Венера спит, не ведая своей наготы, как не ведали о ней Адам и Ева до грехопадения, и потому нагота так прекрасна и безгрешна, что зритель глядит на нее только как на предмет поклонения.

Сюжет Поклонение пастухов был введен в художественный канон под влиянием пиетизма францисканцев. В глазах Франциска Ассизского, исповедовавшего культ бедности («Святая Бедность прогоняет алчность, и скупость, и мирские заботы»), беднейшие из людей были самыми блаженными, поскольку именно им — то-есть бедным пастухам — впервые была возвещена благая весть и именно они первыми пришли поклониться Младенцу, рожденному в бедности. Таким образом, в Италии, на родине этого проповедника «святой бедности», сюжет Поклонение пастухов получил наибольшее распространение; его стали изображать с XIV века. Бедность пастухов в изображении художников порой доходила до крайности, как это выглядит в картине Джорджоне.
В «Поклонении пастухов» помимо обязательных фигур Святого семейства и коленопреклоненных пастухов значительное место занимает пейзаж - не просто фон, а активный участник действия. Его уходящая в глубину перспектива на горизонте замыкается голубыми горами, что создает естественное ощущение пространства и воздуха. Особая роль у освещения, которое стало иным: ясная чистота раннего утра, характерная для работ кватроченто, сменилась неярким послеполуденным светом, что придает картине большую цельность и объемность. Темно-коричневый тон пещеры красиво и контрастно подчеркивает цвета одежд Иосифа, Марии и двух пастухов, чьи согнутые спины плавно и ритмично повторены в овальных линиях, очерчивающих вход в пещеру, возле которого расположены герои.
Пейзаж и фигуры вместе выражают почти музыкальную гармонию. Духовная сосредоточенность персонажей, которые молча созерцают новорожденного Иисуса, подчеркивается их расположением вокруг младенца: Джорджоне уравнивает зрительно арочный свод пещеры на плоскости с группой людей, расположенных в глубине, чётко разграничивая плоскость и глубину, которые он затем развивает в пейзаже, помещая объекты, которые зрительно ведут к горам, рядом с другими, архитектурными, которые восстанавливают живописный план.
Сдержанно-грациозное, подчеркнуто скромное «Поклонение волхвов», пожалуй, является одной из лучших картин в ряду других религиозных композиций художника.

«Мадонна Кастельфранко» - единственная абсолютно бесспорная картина кисти Джорджоне. Это алтарный образ соборной церкви Кастельфранко-Венето, родного города художника. Полное название полотна — «Мадонна на троне с Младенцем и святыми Либералием и Франциском».
Картина написана по заказу венецианского военачальника – кондотьера Тудио Констанцо, в память о его рано умершем сыне Маттео для капеллы Св. Георгия в соборе Св. Либералия в Кастельфранко.. На картине изображен интерьер небольшой часовни, где пол выложен черно-белыми мраморными плитами. У подножия трона стоит деревянная гробница с изображением герба семьи Костанцо. С обеих сторон она «охраняется» двумя фигурами святых. Возможно, в облике святых изображены Маттео и его отец.
Заказ предписывал художнику взять традиционную тему композиции, так называемое «Святое собеседование». Но Джорджоне в целом дает совершенно новое, непривычное решение темы. Мадонна на троне расположена высоко и в глубине картины. На подножии престола изображён герб Констанцио. Примечательно отсутствие элементов церковной архитектуры, персонажи собеседования изображены на фоне пейзажа, подчёркивающего общую меланхолическую задумчивость. У ног Марии стоят святой Либералий из Тревизо (небесный покровитель этих мест) со знаменем мальтийских рыцарей (по некоторым комментариям это Св. Георгий) и святой Франциск. Джорджоне почти точно повторил фигуру Святого Франциска с алтаря Сан Джоббе (1487, Венеция, Галерея Академии) своего учителя Джованни Беллини.
И хотя овеянная грустью «Мадонна» написана в духе поэтической элегии, большое место занимает в ней пейзаж. Он отвлекает людей от печальных раздумий и размышлений при созерцании картины. Как столь часто бывает у Джорджоне, утренний пейзаж своим настроением перекликается с мечтательностью фигур святых, погружённых в набожное забытье.

Поклонение волхвов — евангельский сюжет о мудрецах, пришедших с Востока, чтобы поклониться младенцу Иисусу и принести ему дары. Этот сюжет был чрезвычайно популярным, и количество картин, написанных на эту тему, очень велико. Не обошёл его и Джорджоне. Хотя авторство конкретно этой картины "Поклонение волхвов" из Лондонской национальной галереи многие историки искусств не признают за Джорджоне.
Феррарская герцогиня Изабелла д'Эсте, большая приятельница Леонардо, как-то написала своему поверенному письмо, в котором просила закупить для нее в Венеции "прекрасную и единственную в своем роде" картину Джорджоне, которую она называла — "Una Nocte", что по-итальянски означает "Святая ночь". Поверенный герцогини отвечал, что, к сожалению, ее любимый художник недавно скончался, и требуемой картины в его собрании он не нашел, но существуют две похожие работы в частных собраниях других владельцев и что эти владельцы не расстанутся со своими сокровищами ни за какие деньги. Знатоки искусства предполагают, что картина, о которой мечтала прекрасная Изабелла, и есть то небольшое полотно "Поклонение волхвов", которое находится сейчас в Национальной галерее Лондона. В таком случае, интерес герцогини к картине Джорджоне вполне оправдан: этот, быть может, слишком традиционный для итальянской живописи сюжет в исполнении Джорджоне удивительно трогает сердце своей детской безыскусностью и мягкой грацией.
Тихие и молчаливые фигуры самой Богоматери и умиленных волхвов растворяются в мирном пейзаже и создают настроение покоя и тихой сосредоточенности. В своих произведениях Джорджоне немногословен, суть выражал внутренним ассоциативным осмыслением сюжета, давая зрителю возможность самому додумать и понять картину.

Автопортрет написан художником в достаточно зрелом возрасте. Точная дата создания портрета неизвестна. Похожий автопортрет находится в музее герцога Антона Ульриха в Брауншвейге (Германия).

Джорджоне (настоящее имя Джорджо Барбарелли да Кастельфранко (около 1478, Кастельфранко, — 1510, Венеция), итальянский художник, первый по времени в плеяде ведущих мастеров венецианской живописи 16 века.
Биография Джорджоне полна загадок. Она строится в основном на легендах, косвенных данных и стилистических параллелях, поскольку подлинных документов о нем сохранилось крайне мало. Но таинственно, в первую очередь, само его творчество. Джорджоне был учеником живописца Джованни Беллини и усвоил себе глубину и блеск его тёплого колорита, даже превзошёл его в этих качествах. Главным местом его деятельности была Венеция. Он писал здесь напрестольные образа, исполнял многочисленные портретные заказы и, по обычаю того времени, украшал своей живописью сундуки, ларцы и фасады домов.
С достаточной определенностью Джорджоне, прожившему совсем короткую жизнь, приписывается совсем немного, один или два (в зависимости от строгости ученых-атрибуторов) десятка картин, причем все самые характерные и знаменитые из них каждая по отдельности представляют собой волнующую, до сих пор не раскрытую загадку. Дело в том, что Джорджоне гораздо решительнее, чем все его современники (даже такие как Леонардо да Винчи или Рафаэль) перешел от композиций, основанных на четких символических программах, к свободным поэтическим импровизациям, смысл которых прихотливо меняется в зависимости от настроения зрителя. Этот мечтательный лиризм сопряжен у него с замечательным живописным мастерством: тонкая световоздушная дымка, т. н. «сфумато » (которое он ввел в североитальянскую живопись чуть позже Леонардо и, скорее всего, под влиянием последнего) обеспечивает пространственное единство, сочетаясь с предельно точными, знаковыми цветовыми акцентами и плавной композиционной ритмикой, гармонично связывающей фигуры с символическими деталями. В этих деталях нередко находили оккультные смыслы, но все же главные секреты носят здесь сугубо эстетическое значение, выражая любовь мастера не столько к шифрам или иносказаниям, сколько к общей атмосфере романтической недосказанности.
Как известно, ни на одной из картин, приписываемых художнику, нет подписи Джорджоне; некоторые из его неоконченных произведений известны только по копиям и гравюрам. Поэтому атрибуция картин художника представляет достаточно сложную проблему, вызывавшую споры среди историков искусства уже в 16 веке. В настоящее время большинство исследователей творчества Джорджоне и историков искусства высокого Возрождения считает, что кисти Джорджоне принадлежит около 20 картин. Его кисти принадлежит самый прекрасный идеальный женский образ в искусстве Высокого Возрождения — «Спящая Венера».
Искусство Джорджоне обогатило венецианскую живопись новым пониманием проблем композиции, цвета и живописной фактуры, а также расширило круг ее сюжетов; оно стало образцом для его самого знаменитого ученика – Тициана. Современники Джорджоне писали о нем как об одном из величайших итальянских художников. Джорджоне ушел из жизни внезапно, совсем молодым, став, скорее всего, жертвой какой-то эпидемии типа чумы. Его авторитет в веках сохранялся достаточно прочно. Джорджоне даже называли «первым подлинно современным художником», считая его ранним предтечей романтизма. В 19 веке славу его упрочил Эдуард Мане, повторив в своем знаменитом «Завтраке на траве» (1863) главные мотивы его «Сельского концерта».

Юдифь - единственная находящаяся в России картина, твёрдо атрибутируемая Джорджоне. Картина поступила в Эрмитаж в 1772 году из парижского собрания Антуана Кроза после его смерти. С 1967 по 1971 годы картина прошла капитальную реставрацию.
Как можно прочитать в Британской энциклопедии, «Юдифь» воплощает тот же идеал безмятежной красоты, что и «Спящая Венера». Несмотря на чинимое ею насилие, ветхозаветная героиня трактована скорее как античная богиня, чем как мститель от лица угнетённого народа.
Согласно книге «Иудифь», полководец Олоферн, командующий армией Навуходоносора, выполняя его повеление «свершить … отмщение всей земле», прошёл Месопотамию, разрушил все её города, выжег все посевы и перебил мужчин. Олоферн осадил небольшой город Ветилую, где жила молодая вдова Юдифь. Женщина пробралась в лагерь ассирийцев и соблазнила Олоферна. Когда полководец заснул, Юдифь отсекла ему голову. «Потому что красота её пленила душу его, — меч прошел по шее его!». Войско, оставшееся без руководителя, не смогло противостоять жителям Ветилуи и было рассеяно. Юдифь в качестве трофея получила шатёр Олоферна и всю его утварь и вступила в Ветилую как триумфатор.
Выбрав момент, когда убийство уже было совершено, Джорджоне, в отличие от многих художников, обращавшихся к этому библейскому сюжету, создал удивительно умиротворённую картину. Юдифь, держа в правой руке меч, опирается на невысокий парапет. Её левая нога покоится на голове Олоферна. За спиной Юдифи развёртывается гармоничный морской пейзаж.

В 1970-е - 1980-е годы в СССР почти ежегодно выпускались серии марок с шедеврами западно-европейской живописи из музеев СССР (в основном из Эрмитажа и ГМИИ им. Пушкина). В 1976 году эта серия была полностью посвящена Рембрандту. До этого тоже были отдельные марки, посвящённые ему.
На марках этой серии:
4к. Притча о работниках на винограднике. 1637. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
6к. Даная. 1636-1647. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
10к. Давид и Ионафан. 1642. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
14к. Святое семейство. 1645. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
20к. Портрет брата Адриана. 1654. ГМИИ им.Пушкина. Москва.
50к. Артаксеркс, Аман и Эсфирь.1660. ГМИИ им.Пушкина. Москва.

Подробно эти картины описаны ранее в рубрике "Художники разных стран - 1".

Стараниями и попечительством императрицы Екатерины II Россия получила великолепное собрание картин Рембрандта. Сегодня в Эрмитаже хранится двадцать шесть картин Рембрандта. Наследство, которая получила Советская власть, было значительно большим. 10 картин было продано в конце 20-х начале 30-х годов. 3 картины были переданы в Музей изобразительных искусств имени А.С.Пушкина.
Эрмитаж стал основным источником добычи денег для построения новой государственной политики. Распродажи художественных ценностей в 1928-1933 гг. нанесли тяжелый и невосполнимый урон музею. Ценные вещи из Эрмитажа отправляли на европейские аукционы . Коллекции музея стали источником подарков зарубежным официальным лицам, часто шедевры продавались за символическую цену. В советское время эти факты замалчивались, хотя они уже не были тайной. Вскользь говорилось, что продавались мало значащие предметы и картины из запасников. Сейчас эти картины являются гордостью ряда крупнейших музеев. Достаточно сказать, что проданные шедевры Эрмитажа явились базовым собранием Национальной галереи искусства в Вашингтоне.
Всего из фондов и экспозиции было отобрано 2880 картин, 350 из которых представляли собою произведения значительной художественной ценности, а 59 — шедевры мирового значения, включая работы таких мастеров, как Ян ван Эйк, Тициан, Рембрандт и Рафаэль. Большинство из этих полотен находились в собрании ещё со времен его основания Екатериной II.

19. Три балерины в гардеробной.1879. Нью-Йорк. Метрополитен..

20. Женщина в ванне.1880. Париж. Музей д'Орсэ.

21. Певица в зеленом (пастель).1884. Нью-Йорк.Метрополитен.

22. Гладильщицы.1884. Париж. Музей д'Орсэ.

23. Причесывающаяся женщина (пастель).1885. Санкт-Петербург. Эрмитаж.

24. Модистка. Ателье дамских шляп.1885. Чикаго. Галерея Художественного института.

25. Женщина, расчесывающая волосы (пастель).1886. Париж. Музей д'Орсэ.

26. Женщина, вытирающая ноги (пастель).1886. Париж. Музей д'Орсэ.

27. Туалет (пастель).1886. Париж. Музей д'Орсэ.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 17 - Эдгар ДЕГА (1834-1917). Франция. Часть 1
Часть 18 - Эдгар ДЕГА (1834-1917). Франция. Часть 2
Часть 19 - Эдгар ДЕГА (1834-1917). Франция. Часть 3

28. Балерина у станка. 1888. Вашингтон. Мемориальная галерея Филлипс.

29. Голубые танцовщицы.1890. Париж. Музей д'Орсэ.(На марке картина в зеркальном изображении).

30. После купания (пастель).1894. Лондон. Галерея института Курто.

31. После купания (пастель).1895. Рим. Галерея современного искусства.

32. Утреннее купание (пастель).1895. Чикаго. Галерея Художественного института.

33. Две танцовщицы. 1898. Частное собрание.

34. Русский народный танец. 1895. (Данные о картине не найдены).

35. Женщина, высушивающая волосы (пастель).1903. Чикаго. Галерея Художественного института.

36. Постановка танца. (Данные о картине не найдены).

37. Сувенирный (не почтовый) листок из музея д'Орсэ.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 18 - Эдгар ДЕГА (1834-1917). Франция. Часть 2
Часть 19 - Эдгар ДЕГА (1834-1917). Франция. Часть 3
Часть 20 - Эдгар ДЕГА (1834-1917). Франция. Часть 4

Альфред Сислей - французский живописец-пейзажист английского происхождения, представитель импрессионизма, родился и прожил большую часть жизни во Франции.
Сислей родился в Париже, его отцом был британский коммерсант. В 1857 г. родители отправили Альфреда в Лондон для обучения коммерции, но юноша предпочёл заниматься живописью и в 1862 г. вернулся в Париж. По возвращении он поступил в мастерскую Шарля Глейра, где сблизился с Клодом Моне, Камилем Писсарро, Огюстом Ренуаром и Фредериком Базилем, вместе с которыми он вскоре образовал товарищество импрессионистов.
Ранний период творчества характеризуется гармоничными и воздушными пейзажами, роднящими художника с другими импрессионистами. С середины 1880-х в манере Сислея стали усиливаться элементы декоративизма.
Сислей умер в нищете и безизвестности в местечке Море-сюр-Луэн, близ Фонтенбло, от ревматизма и рака горла.





1. Ранний снег в Лювисьенне.1870-71. Бостон. Музей изящных искусств.

2. Регата в Мальсее.1874. Париж. Музей д'Орсэ.

3. Наводнение в порту Марли.1876. Руан. Музей искусств.

4. Набережная в Море. 1882. Прага. Национальная галерея.

5. Канал Луэн.1892. Париж. Музей д'Орсэ.

6. Церковь в Море зимой.1894. Бухарест. Музей изобразительных искусств.

7. Мост в Море. 1893. Париж. Музей д'Орсэ.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 19 - Эдгар ДЕГА (1834-1917). Франция. Часть 3
Часть 20 - Эдгар ДЕГА (1834-1917). Франция. Часть 4
Часть 21 - Альфред СИСЛЕЙ (1839-1899). Франция.

Франсуа Огюст Рене Роден - французский скульптор, признанный одним из создателей современной скульптуры. Роден в молодости зарабатывал на жизнь ремеслом декоратора, и большинство его авторских работ были созданы в зрелом возрасте. Уже после того, как Роден получил признание как новатор в скульптуре, его работы вызывали скандалы и отвергались заказчиками.
Родился в Париже. Его отец служил в префектуре. В школе Роден не проявлял интереса к учёбе, за исключением рисования. В 14 лет Огюст получил от отца разрешение поступить в учебное заведение, готовившее художников, декораторов, ювелиров и представителей схожих профессий. Окончив эту школу, Роден трижды пытался поступить в Школу изящных искусств, но терпел неудачу. Роден много работал оформителем и декоратором. Работы того периода он выполнял анонимно, большинство из них невозможно идентифицировать, многие не сохранились.
С началом франко-прусской войны Роден был призван в действующую армию, но вскоре комиссован из-за плохого зрения и переехал в Бельгию. Скопив денег, Роден в 1876 году совершил путешествие в Италию.
Однажды к Родену пришёл итальянский крестьянин, желавший позировать. Крестьянин обладал правильным красивым телосложением, а особенно Роден был впечатлён его движениями при ходьбе. Роден хотел изобразить движение таким образом, чтобы обе ноги скульптуры твёрдо стояли на земле и вес был распределён между ними. В результате он сделал две скульптуры: «Шагающий» (1877) и «Иоанн Креститель» (1878). «Шагающий» (шагающая фигура без головы и рук) был этюдом ко второй скульптуре. Вторая скульптура не содержит никаких религиозных аллюзий. Фигура натурщика вызвала у Родена самопроизвольную ассоциацию с Иоанном Крестителем, и скульптор так назвал работу. Роден выставил «Иоанна Крестителя» в Салоне 1880 года, где скульптура получила третью премию.
В 1880 году Роден впервые получил заказ от государства — заказ на скульптурный портал, который должен был украсить здание нового Музея декоративного искусства в Париже. Скульптор не уложился в оговорённый заказчиком срок, к 1885 году, Музей так и не был создан, но Роден продолжал работать над скульптурой, получившей название Врата ада, в итоге оставив её незавершённой. «Врата ада» были впервые отлиты в бронзе после смерти мастера.
С 1885 года помощницей в мастерской Родена стала работать Камилла Клодель, позировала ему, а вскоре они стали любовниками. Их отношения продолжались девять лет, при этом Роден не порвал связей и с Розой, которая знала о своей роли «другой женщины». В период отношений с Камиллой Роден создал большое количество скульптур, главной темой которых была чувственная любовь.
Одной из самых известных работ Родена стала скульптурная группа «Граждане Кале» (завершена в 1888 году). Заказ на памятник, увековечивавший героическую страницу в истории города, Роден получил от муниципалитета Кале.
В 1916 году Роден подписал завещание, согласно которому все его работы и рукописи переходили государству. В последние годы жизни Роден был окружён большим количеством любовниц, которые почти в открытую расхищали его имущество, вынося произведения искусства из коллекции скульптора.
19 января 1917 на вилле в Мёдоне состоялось бракосочетание Родена с Розой Бёре, с которой он жил с 1864 года. Роза была уже тяжело больна и умерла через двадцать пять дней после церемонии. 12 ноября тяжело заболел и Роден. Он умер от скоротечного воспаления лёгких. На его могиле в Мёдоне была установлена копия «Мыслителя».


1. Св. Иоанн Креститель. 1878. Прага. Народная галерея.

2. Мыслитель.1888. Париж. Музей Родена.

3. Вечная весна.1897. Санкт-Петербург. Эрмитаж.

2. Камбоджианка.1906. Париж. Музей Родена.

5. Руки.1908. Париж. Музей Родена.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 20 - Эдгар ДЕГА (1834-1917). Франция. Часть 4
Часть 21 - Альфред СИСЛЕЙ (1839-1899). Франция.
Часть 22 - Огюст РОДЕН (1840-1917). Франция.

8. Натюрморт.1879. Копенгаген. Королевский музей.

9. Двор фермы Овер.1879-80. Париж. Музей д'Орсэ.

10. Купальщицы.1879-82. Париж. Музей Пти-Палас.

11. Пять купальщиц.1885-87. Базель. Музей изобразительных искусств.

12. Голубая ваза.1885-87. Париж. Музей д'Орсэ.

13. Игроки в карты.1890-91. Париж. Музей д'Орсэ.

14. Игроки в карты.1890-92. Нью-Йорк. Метрополитен.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 22 - Огюст РОДЕН (1840-1917). Франция.
Часть 23 - Поль СЕЗАН (1839-1906). Франция. Часть 1
Часть 24 - Поль СЕЗАН (1839-1906). Франция. Часть 2

Поль Сезанн - французский художник-живописец, яркий представитель постимпрессионизма.
Родился в Экс-ан-Провансе. В детстве Сезанн имел слабое представление о хорошей живописи, но во многих других отношениях он получил превосходное образование. С ранних лет Сезанн тянулся к искусству, но не имел, на первый взгляд, никаких ярко выраженных дарований. Рисование было обязательным предметом и в школе Святого Жозефа, и в Коллеж Бурбон, а с 15 лет он начал посещать свободную академию рисунка. Однако ежегодного приза по рисованию в коллеже Сезанн никогда не получал - его в 1857 году удостоился лучший друг юного Поля Эмиль Золя.
Произведения Сезанна несут на себе отпечаток внутренней жизни художника. Они наполнены внутренней энергией притяжения и отталкивания. Противоречия были изначально свойственны и психическому миру художника, и его художественным устремлениям. Южный темперамент соединялся в бытовой жизни Сезанна с затворничеством и аскетизмом, набожность - с попытками освободиться от сковывающих темперамент религиозных традиций. Уверенный в своей гениальности, Сезанн тем не менее был вечно одержим страхом того, что не найдет точных средств выражения того, что он видел и хотел выразить на картине средствами живописи. Он вечно твердил о неспособности "осуществить" собственное видение, всё время сомневался в том, что смог это сделать, и каждая новая картина становилась и опровержением, и подтверждением этого.
У Сезанна никаких теорий никогда не было. Суть своего подхода он как раз и определял, как отсутствие любого теоретического посредничества между художником и природой вещей. Прямой взгляд, прямое впитывание и передача ответа природы на полотне были для него естественным подходом к живописи, которую Сезанн считал способом непосредственного соприкосновения с истиной, не укладывающейся в рамки мыслей и слов.




1. Автопортрет.1875. Винтертур (Швейцария). Собрание Жакли-Ханлосер. (На марке портрет в зеркальном изображении).

2. Автопортрет в шляпе.1879-82. Берн (Швейцария). Музей изобразительных искусств.

3. Скорбь (Мария Магдалина).1859-62. Париж. Музей д'Орсэ.

4. Мадам Сезанн в саду.1879-82. Париж. Музей Оранжери.

5. Спящий негр.1866. (На марке справа). Сан-Пауло. Музей изобразительных искусств.

6. Портрет мальчика. Бухарест. Музей изобразительных искусств.

7. Дом повешенного.1873. Париж. Музей д'Орсэ.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 21 - Альфред СИСЛЕЙ (1839-1899). Франция.
Часть 22 - Огюст РОДЕН (1840-1917). Франция.
Часть 23 - Поль СЕЗАН (1839-1906). Франция. Часть 1
Часть 24 - Поль СЕЗАН (1839-1906). Франция. Часть 2

15. Пьеро и Арлекин.1888. Москва. ГМИИ им.Пушкина.

16. Купальщики.1890-92. Париж. Музей Д'Орсэ.

17. Купальщицы.1895. Экс-ан-Прованс. Музей Гране.

18. Купальщицы.1900-06. Лондон. Национальная галерея.

19. Старуха с четками.1898-1900. Лондон. Национальная галерея.

20. Автопортрет в берете. 1898-1900. Бостон. Музей изящных искусств.

21. Ваза с цветами. Париж. Музей д'Орсэ.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 23 - Поль СЕЗАНН (1839-1906). Франция. Часть 1
Часть 24 - Поль СЕЗАНН (1839-1906). Франция. Часть 2
Часть 25 - Поль СЕЗАНН (1839-1906). Франция. Часть 3

Анри Руссо (по прозвищу «Таможенник») - французский живописец-самоучка, один из самых известных представителей наивного искусства, или примитивизма.
Родился в городке Лаваль, в семье рабочего. После службы в армии устроился на работу на французскую таможню. Живописью стал заниматься уже в зрелом возрасте, не имея соответствующего образования.
В 1886 году Руссо впервые показывает свои работы широкой публике, участвуя в «Выставке независимых». Уже при жизни в художественном сообществе Франции его высоко ценили за колористическое богатство работ и оригинальные сюжеты (Руссо часто рисует экзотические джунгли, которых он никогда в жизни не видел).
Художник умер от гангрены после того, как поранил себе ногу.



1. Автопортрет с ландшафтом.1890. Прага. Народная галерея.

2. Автопортрет с лампой.1903. Париж. Музей Пикассо.

3. Заклинатель змей.1907. Париж. Музей д'Орсэ.

4. Двуколка отца Жюнье.1908. Париж. Музей Оранжери.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 24 - Поль СЕЗАНН (1839-1906). Франция. Часть 2
Часть 25 - Поль СЕЗАНН (1839-1906). Франция. Часть 3
Часть 26 - Анри Руссо (1844-1910). Франция.

1. Эжен Буден (1824-1898). Дама с зонтом. (Данные по картине не найдены).

2. Жан Жорж ВИБЕР. (1840-1902). Наполеон планирует церемонию коронации. Гавана. Музей Наполеона.

3. Жан Жорж ВИБЕР. (1840-1902). Водопой. Гавана. Национальный музей искусств.

4. Одилон Редон. (1840-1916). Полевые цветы в высокой вазе.1912. Париж. Музей д'Орсэ.

5. Одилон Редон (1840-1916). Цветы в синей вазе.1913-16. Париж. Музей Петит-Палас.

6. Одилон Редон (1840-1916). Женщина в профиль.1905. Бордо. Музей искусств.

7. Жан Шарль КАЗЕН. (1841-1901). Почтальон. Гавана. Национальный музей искусств.

8. Берта Моризо (1841-1895). Колыбель.1872. Париж. Музей д'Орсэ.

9. Берта Моризо (1841-1895). Охота за бабочкой.1874. Париж. Музей д'Орсэ.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 25 - Поль СЕЗАНН (1839-1906). Франция. Часть 3
Часть 26 - Анри Руссо (1844-1910). Франция.
Часть 27 - Художники Франции середины 19 в. на марках разных стран. Часть 1

10. Гюстав Каллеботт (1848-1894). Групповой портрет.1876. Байо. Музей Барон-Берард.

11. Эдуард Детайль (1848-1912). Наполеон в Египте. Гавана. Музей Наполеона.

12.Поль Луи Бушар (1853-1937). Антиох и Стратоника. Асуньон (Парагвай). Музей изобразительных искусств.

13. Поль Синьяк (1863-1935). Красный буй.1895. Париж. Музей д'Орсэ.

14. Сюзанна Валадон (1867-1938). Натюрморт. София. Национальная галерея зарубежной живописи.

15. Анри Эдмонд Кросс (1856-1910). Вечерний бриз.1893-94. Париж. Музей д'Орсэ.

16. Камилла Клодель (1864-1948). Вальс.1893. Париж. Музей Родена.

17. Василий Кандинский (1866-1944). Россия / Франция. Абстрактная композиция.

18. Марсель Дюшан (1867-1968). Композиция из 9 предметов.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 26 - Анри Руссо (1844-1910). Франция.
Часть 27 - Художники Франции середины 19 в. на марках разных стран. Часть 1
Часть 28 - Художники Франции середины 19 в. на марках разных стран. Часть 2

Жорж-Пьер Сёра - французский художник-постимпрессионист, основатель неоимпрессионизма, создатель оригинального метода живописи под названием «дивизионизм», или «пуантилизм».
Родился в Париже в богатой семье. Посещал Школу изящных искусств. Затем служил в армии в Бресте. В 1880 г. вернулся в Париж. В поиске своего стиля в искусстве изобрёл так называемый пуантилизм — художественный приём передачи оттенков и цвета с помощью отдельных цветовых точек. Приём используется в расчёте на оптический эффект слияния мелких деталей при разглядывании изображения на расстоянии. После возвращения в Париж работал в студии вместе с двумя друзьями студенческого периода, а затем обустроил собственную мастерскую. Сёра, как и его друг — художник Синьяк, тяготел к строго научному методу дивизионизма (теории разложения цветов). В 1883 году Сёра создает свою первую выдающуюся работу — огромный живописный холст «Купальщики в Аньере». Летом 1884 года Сёра начал работу над своей самой знаменитой работой — «Островом Ла Гранде Жатта».
В определенный период Сёра живет с моделью Маделин Ноблох.
Сёра умер в Париже. Причина смерти Сёра сомнительна и была приписана форме менингита, пневмонии, инфекционному эндокардиту, и/или (наиболее вероятно) дифтерии. Его сын умер две недели спустя от той же болезни. Похоронен Жорж-Пьер Сёра на кладбище Пер-Лашез.



1. Чёрный силуэт.1882. Париж. Музей д'Орсэ.

2. Воскресенье после полудня на острове Ла Гранде Жатта.1884-86. Чикаго. Галерея Художественного института.

3. Модель стоящая (в анфас).1887. Париж. Музей д'Орсэ.

4. Модель сидящая (в профиль).1887. Париж. Музей д'Орсэ.

5. Эйфелева башня. 1889. Сан-Франциско. Музей изящных искусств.

6. Цирк.1891. Париж. Музей д'Орсэ.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 27 - Художники Франции середины 19 в. на марках разных стран. Часть 1
Часть 28 - Художники Франции середины 19 в. на марках разных стран. Часть 2
Часть 29 - Жорж СЁРА (1859-1891). Франция.

Пьер Боннар - французский живописец и график, вошедший в историю искусства как один из величайших колористов XX века. В молодости возглавлял группу художников «Наби».
Родом из семьи чиновника, Боннар сначала изучал юриспруденцию в Сорбонне, а затем учился в Академии Жюлиана в Париже, затем в Школе изящных искусств, где в 1888 г. образовалась группа «Наби». В работах Боннара, которого даже называли "Наби-японцем" видно сильное влияние японской гравюры. Боннар выставлял свои работы на «Салоне независимых» и познакомился с Тулуз-Лотреком.
Боннар - последний проводник эстетики импрессионизма, как его называли. Он критиковал импрессионистов за недоработанность композиции и натуралистичность цвета. Художник мягких, приглушённых тонов и отношений, Боннар одним из первых открыл внутреннюю или даже интимную жизнь женщины. Он писал интерьеры, средиземноморские и парижские пейзажи, бытовые сценки. Под конец жизни Боннар обратился к насыщенным цветовым сочетаниям, создавая изысканные красочные композиции.




1. В маленьком кафе.1900. Частное собрание.

2. В кафе. (Данные по картине не найдены).

3. Зеркало над умывальником.1908. Москва. ГМИИ им.Пушкина.

4. Обнажённая девушка.1930. Сан-Пауло. Музей изобразительных искусств.

5. В театре. (Данные по картине не найдены).

6. Уголок столовой в Каннах. 1932. Париж. Музей современного искусства.

7. Лист марок с картинами Дега, Тулуз-Лотрека и Боннара.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 28 - Художники Франции середины 19 в. на марках разных стран. Часть 2
Часть 29 - Жорж СЁРА (1859-1891). Франция.
Часть 30 - Пьер БОННАР (1867-1947). Франция.

Анри де Тулуз-Лотрек - французский художник-постимпрессионист из графского рода Тулуз-Лотреков, мастер графики и рекламного плаката.
После развода родителей Анри жил в имении Шато-дю-Боск и в поместье Селейранов недалеко от Нарбонна, где обучался верховой езде, латыни и греческому языку. После завершения Франко-прусской войны в 1871 году Тулуз-Лотрек переселяется в Париж — город, который изменит его жизнь, станет вдохновением и сильно повлияет на творчество художника.
В возрасте 13 лет, в мае 1878 года Анри, вставая с кресла, ломает бедренную кость левой ноги. В августе 1879 года Тулуз-Лотрек падает в канаву и получает перелом правой ноги. После этого случая ноги прекратили расти и оставались длиной 70 сантиметров на протяжении всей жизни художника. Скорее всего, кости медленно срастались и рост конечностей остановился по причине наследственного заболевания — бабушки Анри приходились друг другу сёстрами.
Анри вдохновлялся искусством импрессионистов, в особенности творчеством Поля Сезанна, Эдгара Дега, и японскими гравюрами. В 1882 г. приехал в Париж, а в 1884 г. обосновался на Монмартре, где прожил до конца своих дней. Одним из первых всерьёз занялся рисованием афиш (литографией). Часто рисовал проституток и жизнь монмартрских кабаре, вёл соответствующий образ жизни. Его моделями были танцовщицы «Мулен Руж» Луиза Вебер (Ла Гулю) и Жанна Авриль, клоунесса Ша-У-Као, поэт и театральный деятель Аристид Брюан, танцор Валентин Бескостный, певица Иветта Гильбер.
В любви ему не везло, низкий рост (152 см) и внешность инвалида вызывали насмешки, все его серьёзные романы заканчивались неудачно. Умер от алкоголизма и сифилиса в родовом замке на руках матери, не дожив до 37 лет.
При жизни критика была в основном настроена недоброжелательно по отношению к Тулуз-Лотреку и его творчеству. Признание к Лотреку пришло через несколько лет после его смерти.







1. Цирк Фернандо.1887-88. Чикаго. Галерея Художественного института.

2. Модель, отдыхающая в студии.1889. Лос-Анжелос.Музей Поля Гетти .

3. Портрет Фурсада в опере.1889. Сан-Пауло. Музей изобразительных искусств.

4. Танцы в Мулен-Руж.1889-90. Филадельфия. Музей изобразительных искусств.

5. Мулен-Руж. Люси Вебер (Гулю) и её сестра.1892. (Цветная гравюра).Частное собрание.

6. Прима Люси Вебер (Гулю).1892. Люси Вебер входит в Мулен-Руж. Нью-Йорк. Музей современного искусства.

7. Японское кафе (цветная гравюра).1893. Нью-Йорк. Музей современного искусства.

8. Жанна Авриль.1893. Париж. Национальная библиотека.

9. Аристид Бриан в своём кабаре (афиша).1893. Сан-Диего (США,шт.Калифорния). Музей изобразительных искусств.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 29 - Жорж СЁРА (1859-1891). Франция.
Часть 30 - Пьер БОННАР (1867-1947). Франция.
Часть 31 - Анри ТУЛУЗ-ЛОТРЕК (1864-1901). Франция. Часть 1

10. Одевающаяся женщина.1894. Альби (Франция). Музей Тулуз-Лотрека.

11. Портрет кузена Тапье де Селейрана.1894. Альби (Франция). Музей Тулуз-Лотрека.

12. Мулен-Руж. Клоунесса Ча-У-Као.1895. Винтертур (Швейцария). Собрание О.Рейнхарт.

13. Эти дамы.1895. Будапешт. Музей изобразительных искусств.

14. Англичанка из Гавра.1899. Альби (Франция). Музей Тулуз-Лотрека.

15. Блок с картинами Тулуз-Лотрека.

16. Лист марок с картинами Тулуз-Лотрека.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 30 - Пьер БОННАР (1867-1947). Франция.
Часть 31 - Анри ТУЛУЗ-ЛОТРЕК (1864-1901). Франция. Часть 1
Часть 32 - Анри ТУЛУЗ-ЛОТРЕК (1864-1901). Франция. Часть 2

Анри Матисс - французский художник и скульптор, лидер течения фовистов. Известен своими изысканиями в передаче эмоций через цвет и форму.
Проучившись с 1882 по 1887 год в средней школе и лицее, Анри Матисс уехал в Париж изучать юриспруденцию в Школе юридических наук. В августе 1888 года, после окончания учёбы, молодой Анри получил право работать по специальности. Он возвратился в Сен-Кантен и устроился на работу клерком у присяжного поверенного.
В 1889 году у Анри случился приступ аппендицита. Когда он поправлялся после операции, мать купила ему принадлежности для рисования. Анри впервые начал рисовать, копируя цветные открытки во время двухмесячного пребывания в больнице. Это его так увлекло, что он, преодолев сопротивление отца, решил стать художником и записался в школу рисунка. В 1891 году он оставил юридическую практику и снова приехал в Париж, где поступил в Академию Жюлиана. В 1893 году он перешёл в Школу декоративных искусств.
В 1896 году пять картин Анри были выставлены в Салоне Национального общества изящных искусств., две из которых были приобретены государством, в том числе его "Читающая", написанная в 1894 году и приобретенная для резиденции президента Франции в Рамбуйе.
С 1890 по 1902 год Матисс ежегодно создавал несколько картин, близких по духу импрессионистам. 1901—1904 годы были для него временем интенсивных творческих поисков. На одном из написанных им в то время полотен, изображены гипсовый бюст работы Огюста Родена. Лето 1905 года Матисс провел с Андре Дереном и Морисом де Вламинком в Кольюре, рыбацкой деревне на Средиземном море. Это время ознаменовало значительный поворот в творческой деятельности художника. Вместе с Андре Дереном, Матисс создал новый стиль, вошедший в историю искусства под названием фовизма. Матисс был признан лидером фовистов, наряду с Андре Дереном. Каждый из них имел своих последователей. Другими значительными художниками в движении были Жорж Брак, Рауль Дюфи, Кеес ван Донген и Морис де Вламинк.
Когда осенью 1905 года будущие фовисты впервые представили широкой публике свои работы на Осеннем салоне в Париже, их резкие, энергичные краски буквально потрясли зрителей и вызвали негодование у критиков. Камиль Моклер сравнил выставку с горшком краски, брошенным в лицо общественности. Другой критик, Луи Воксель, в рецензии Донателло среди дикарей! дал художникам ироничное прозвище «фовистов», то есть «дикарей».
Одним из первых, кто оценил талант Матисса, был русский предприниматель и коллекционер Сергей Иванович Щукин. В 1908 году он заказал художнику три декоративных панно для своего дома в Москве. В 1920-е годы имя художника приобрело всемирную известность. Его выставки прошли во многих городах Европы и Америки.



1. Портрет (шарж).

2. Маргарита за чтением. 1896. Гренобль. Музей искусств.

3. Гипсовый торс.1919. Сан-Пауло. Музей изобразительных искусств.

4. Обнажённая в шезлонге.1925. Париж. Музей современного искусства.

5. Голубые обнажённые (вырезка из бумаги).1952.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 31 - Анри ТУЛУЗ-ЛОТРЕК (1864-1901). Франция. Часть 1
Часть 32 - Анри ТУЛУЗ-ЛОТРЕК (1864-1901). Франция. Часть 2
Часть 33 - Анри МАТИСС (1869-1954). Франция.

Рауль Дюфи - французский художник, представитель фовизма, позднее кубизм.
Родился в бедной многодетной семье. Несмотря на выказанные в школе способности, ещё ребёнком был вынужден зарабатывать на жизнь. В то же время посещает вечерние курсы живописи при Художественной академии в Гавре. Получив стипендию города Гавра, художник отправляется в Париж, где поступает на обучение в ателье Леона Бонна при Школе изящных искусств.
После творческой фазы, когда Дюфи писал в импрессионистской манере, длившейся до 1905 года, художник посвящает себя фовизму, с которым познакомился на Осеннем салоне, где были представлены картины Анри Матисса. В этот период художник много ездит по Франции и рисует. В 1906 году в галерее Берты Вайль открывается первая персональная выставка Дюфи.
За фовистским периодом в творчестве Дюфи следует кубистский. Художник пытается раскрыть структуру формы предмета и отобразить её на полотне. В 1919—1923 годах живёт в Вансе, совершает поездку в Италию, где много рисует. В 1923 году в брюссельской галерее Центавр состоялась вторая персональная выставка Дюфи, закончившаяся большим успехом мастера.
В дальнейшем художник практикует в своих работах разделение цвета и рисунка, причём в акварели находит то средство, которое в наибольшей степени выражает эти требование. Для парижской международной выставки 1937 года создаёт огромное настенное полотно площадью в 600 кв.м. В поздних картинах Дюфи как правило основной является только одна краска.
В поздний период творчества (с кон. 1930-х) художник, страдавший полиартритом, ограничил круг своих тем, сосредоточившись преимущественно на натюрмортах и интерьерах. К этому времени относятся лаконичные и изысканные работы, посвященные музыке, — серия Скрипки и "оммажи" (посвящения) Шопену, Баху, Моцарту, Дебюсси.




1. Бухта Диювиль.1935. Частное собрание.

2. Анемоны. 1937. (Данные по картине не найдены).

3. Красная скрипка.1948. Париж. Музей современного искусства.

4. Посвящение Моцарту. (Данные по картине не найдены).

5. Молотьба.1949. Париж. Собрание Карре.

Андре Дерен - французский живописец, график, театральный декоратор, скульптор, керамист.
Учился у Э. Карьера (1898-99) и в Академии Жюлиана (1904) в Париже. Становление художника прошло под влиянием его друга Мориса де Вламинка и позднее — Анри Матисса, оказавших на него огромное влияние. После долгой службы в армии (1900—1904) художник на два года (1905—1906) уехал в Великобританию.
Около 1908 г. стиль Дерена меняется под влиянием П. Сезанна и раннего кубизма; его картинам становятся присущи рационалистическая чёткость композиций, геометрическая упрощённость и весомость форм. Сдержанный и хмурый колорит картин этого периода строится на зеленоватых, бурых и свинцово-серых оттенках. В 1910-е гг. в творчестве художника появляются сумрачность и застылость образов, темы тоскливого однообразия провинциальных будней, а с 1920-х гг. он обращается к строгому, классическому рисунку, часто прибегая к стилизации творчества своих предшественников. Несмотря на это, сохранив в лучших своих произведениях глубоко индивидуальный стиль, Дерен по праву считается одним из ведущих художников XX века.




1. Маяк Коллиоре.1905. Париж. Музей современного искусства.

2. Трое на траве.1906. Париж. Частное собрание.

3. Баржи на Сене.1906. Париж. Музей современного искусства.

4. Обнажённая на фоне зелёного занавеса.1923. Париж. Музей современного искусства.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 32 - Анри ТУЛУЗ-ЛОТРЕК (1864-1901). Франция. Часть 2
Часть 33 - Анри МАТИСС (1869-1954). Франция.
Часть 34 - Андре ДЕРЕН (1880-1954). Франция.

Фернан Леже - французский живописец и скульптор, мастер декоративного искусства, член компартии.
Получил двухлетнее архитектурное образование, позднее был вольным слушателем Школы изящных искусств в Париже. Его ранние картины написаны в стиле кубизма. Вместе с Браком и Пабло Пикассо Леже сыграл важную роль в формировании и распространении кубизма. Участие Леже в первой мировой войне повлияло на стиль его последующих работ. В своих картинах Леже стал использовать много технократических символов, изображая свои объекты и людей в урбанистических, техногенных формах. Работы Леже оказали немаловажное влияние на формирование неопластицизма в Нидерландах и конструктивизма в Советском Союзе. В середине ХХ века Леже имел успех и как художник декоративно- прикладного искусства, и как скульптор. Создавая мозаику, керамику и гобелены, он также использовал принципы конструктивизма. В своих последних картинах Леже использовал выделение и наложение монохромного цвета в композиции.


1. Графический портрет.

2. Цветы в вазе. Тель-Авив. Музей искусств.

3. Мир (витраж). Одинкорт. Базилика Секре-Кёр.

4. Досуг.1948-49. Париж. Музей современного искусства.

5. Костюм моряка.

6. Костюм джентльмена.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 33 - Анри МАТИСС (1869-1954). Франция.
Часть 34 - Андре ДЕРЕН (1880-1954). Франция.
Часть 35 - Фернан ЛЕЖЕ (1881-1955). Франция.

1. Морис ДЕНИ. (1870-1943). Музы.1893. Париж. Музей д'Орсэ.

2. Жорж РУО. (1871-1958). Мечтатель (автопортрет ?).1946. Париж. Музей современного искусства.

3. Жорж РУО (1871-1958). Святой образ.1946. Ватикан. Музеи Ватикана.

4. Альбер МАРКЕ. (1875-1947). Алжир. Пристань. София. Галерея Людмилы Живковой.

5. Альфредо БЕРИССО. (1875-1940). Аргентина (Франц. шк.). Обнажённая. Асуньон (Парагвай). Музей изобразительных искусств.

6. Пьер ЛАПРЕЙД. (1875-1932). Маки и ромашки. (Данные по картине не найдены).

7. Морис ВЛАМИНК. (1876-1958). Цветы в вазе. (Данные по картине не найдены).

8. Морис ВЛАМИНК (1876-1958). Дорога. (Салон независимых 1905 г.)

9. Морис ВЛАМИНК. (1876-1958). Натюрморт.1910. Париж. Музей д'Орсэ.

10. Альбер ГЛЕЗ (1881-1953). Абстрактная композиция.

11. Альбер ГЛЕЗ (1881-1953). Клоуны.

12. Жорж БРАК (1882-1963). Вестник.1963.

13. Жорж БРАК (1882-1963). Натюрморт (виноград и изюм). Прага. Народная галерея.

14. Жорж БРАК (1882-1963). Натюрморт. Чёрные рыбы.1942. Париж. Музей современного искусства.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 34 - Андре ДЕРЕН (1880-1954). Франция.
Часть 35 - Фернан ЛЕЖЕ (1881-1955). Франция.
Часть 36 - Художники Франции конца 19 в. на марках разных стран. Часть 1

15. Жюль ПАСКЕН. (1885-1930). Портрет Гермины Давид в студии. София. Галерея Людмилы Живковой.

16. Моше КИСЛИНГ. (1891-1953). Польша/Франция. Женщина в синем. Тель-Авив. Музей искусств.

17. Моше КИСЛИНГ (1891-1953). Польша/Франция. Женский портрет. София. Национальная галерея.

18. Роже де ла Френе (1885-1925). 14 июля. Париж.Музей современного искусства.

19. Робер Делане (1885-1941). Ритмы радости жизни.1931. Собрание Дойче-банка.

20. Жан Арп (1887-1966). Танец.1925. Париж. Музей современного искусства.

21. Роже Биссьер (1888-1964). Жёлтое и серое.

22. Хаим СУТИН. (1893-1943). Россия/Франция. Девочка в синем. Иерусалим. Музей искусств.

23. Антуан (Антон) Певзнер (1886-1962). Мир (вселенная).1947. Париж. Музей современного искусства.

24. Брам Ван Вельде (1895-1981). Абстрактная композиция.

25. Рене Магрит (1898-1967). Возвращение.

26. Андре Массон (1896-1987). Пифия (мифологическая предсказательница).1943. Париж. Музей современного искусства.

27. Ролан УДО. (1897-1982). Сухое дерево. София. Галерея Людмилы Живковой.

28. Шарль Лапискье (1898-1988). Регата.

29. Морис Брианшон (1899-1978). Портрет Мадлен Реньо. София. Национальная галерея зарубежной живописи.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 35 - Фернан ЛЕЖЕ (1881-1955). Франция.
Часть 36 - Художники Франции конца 19 в. на марках разных стран. Часть 1
Часть 37 - Художники Франции конца 19 в. на марках разных стран. Часть 2

Жан Оноре Фрагонар - французский живописец и гравёр. Работал в стиле рококо.
Сперва ученик Ж.-Б. Шардена, а потом Франсуа Буше. В 1752 получил Большую Римскую премию и отправился в Рим. По возвращении в Париж он выставил в салоне 1765 года картину: «Смерть Кортеса», за которую королевская академия художеств приняла его в свои члены. Однако вскоре после того он прекратил заниматься историческим родом живописи и, последовав вкусам эпохи, стал писать идеалистические жанры и пасторали в духе Ватто и Буше, сцены интимной жизни пикантного, иногда беззастенчиво-эротического содержания, декоративные панно, портреты, миниатюры, акварели, пастели и по временам заниматься офортным гравированием. Произведения его вошли в большую моду и продавались по высокой цене, благодаря чему он заработал хорошие средства. Но вспыхнувшая революция разорила его, а классицизм, новый стиль во французском искусстве, основателем которого является Ж.-Л. Давидом, лишил его прежней популярности.
В 1793 году Фрагонар уехал из Парижа в Грасс. В начале XIX века он вернулся в Париж, где умер, почти полностью забытый.





1. Читающая девушка.1769. Париж. Лувр.

2. Любовная записка.1770. Нью-Йорк. Метрополитен.

3. Девушка, читающая книгу.1776. Вашингтон. Национальная галерея.

4. Девушка с письмом.1776. Нью-Йорк. Частное собрание.

5. Поцелуй украдкой.1787-89. Санкт-Петербург. Эрмитаж.

Серия сообщений "Художники разных стран-7":

Часть 1 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 1
Часть 2 - Франсуа БУШЕ. 1703-1770. Франция. Часть 2
...
Часть 36 - Художники Франции конца 19 в. на марках разных стран. Часть 1
Часть 37 - Художники Франции конца 19 в. на марках разных стран. Часть 2
Часть 38 - Жан Оноре ФРАГОНАР (1732-1806). Франция.