Интермеццо из второго акта оперы "Таис" (так называемая «медитация» или «размышление») для скрипки соло и оркестра пользуется отдельной известностью. Таис — лирическая опера в трёх актах французского композитора Жюля Массне. Французское либретто Луи Галле написано по мотивам одноимённого романа Анатоля Франса. В основу либретто, как и романа Франса, положено легендарное житие Святой Таис Египетской. Премьера состоялась 16 марта 1894 года в Париже в театре Опера Гарнье. Опера достаточно редко попадает в репертуар театров. Отдельной известностью пользуется интермеццо из второго акта (так называемая «медитация» или «размышление») для скрипки соло и оркестра. Этот фрагмент часто исполняется отдельно и аранжирован для различных инструментов.

Антонио Лучо Вивальди (1678-1741) – великий итальянский композитор, дирижер, музыкальный педагог. Ярчайший представитель скрипичного искусства первой половины 18 столетия. Биография Вивальди, наполненная яркими моментами, говорит о нем, как о сильной, разносторонней и целеустремленной личности.
Начинал Вивальди как оперный композитор.
Примерно в это время талант композитора был признан и коллегами, и музыкальными критиками, и поклонниками оперы. У Вивальди стало появляться все больше учеников. Свободное от преподавания время он посвящал сочинению новых музыкальных произведений.
Наибольший вклад Вивальди внес в развитие оркестрово-ансамблевого концерта.
Антонио Вивальди. Концерт для скрипки и органа

 Моцарт. Адажио IN E-DUR FÜR для скрипки

Шуман. "Арабески"

Адажио

(Итал. Adagio, «ада́джо» — медленно, спокойно) — медленный музыкальный темп, вторая степень главных музыкальных движений, более быстрый, чем ларго (самый медленный темп), но медленнее анданте. Этим же термином называют мелодию или медленную часть сонаты, симфонии или другого музыкального произведения, не имеющего собственного наименования, и исполняемого в этом темпе (чаще всего — срединная часть).

Элегия

Слово "Элегия" переводится с греческого как "жалоба", поэтому музыкальная элегия - это произведение жалобного, печального, задумчивого характера, исполняется в медленном темпе.

Для романтического мировоззрения характерен резкий конфликт между реальной действительностью и мечтой. Действительность низка и бездуховна, она пронизана духом мещанства, филистерства и достойна только отрицания. Мечта – это нечто прекрасное, совершенное, но недостижимое и непостижимое разумом.

Прозе жизни романтизм противопоставил прекрасное царство духа, «жизнь сердца». Романтики верили в то, что чувства составляют более глубокий пласт души, чем разум. По словам Вагнера, «художник обращается к чувству, а не к разуму». А Шуман говорил: «разум заблуждается, чувства – никогда». Не случайно идеальным видом искусства была объявлена музыка, которая в силу своей специфики наиболее полно выражает движения души. Именно музыка в эпоху романтизма заняла ведущее место в системе искусств.
Если в литературе и живописи романтическое направление в ос­новном завершает свое развитие к середине XIX столетия, то жизнь музыкального романтизма в Европе гораздо продолжительнее. Музыкальный романтизм как направление сложился в начале XIX века и развивался в тесной связи с различными течениями в литературе, живописи и театре. Начальный этап музыкального романтизма представлен творчеством Ф. Шуберта, Э. Т. А. Гофмана, К. М. Вебера, Дж. Россини; последующий этап (1830—50-е гг.) – творчеством Ф. Шопена, Р. Шумана, Ф. Мендельсона, Г. Берлиоза, Ф. Листа, Р. Вагнера, Дж. Верди.

Поздний этап романтизма простирается до конца XIX века.

В качестве основной проблемы романтической музыки выдвигается проблема личности, причем в новом освещении – в ее конфликте с окружающим миром. Романтический герой всегда одинок. Тема одиночества – едва ли не самая популярная во всем романтическом искусстве. Очень часто с ней связана мысль о творческой личности: человек одинок, когда он является именно незаурядной, одаренной личностью. Артист, поэт, музыкант – излюбленные герои в произведениях романтиков («Любовь поэта» Шумана, «Фантастическая симфония» Берлиоза с ее подзаголовком– «Эпизод из жизни артиста», симфоническая поэма Листа «Тассо»).

Термин "классическая" в музыке в основном ипользуется для определения серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Но также есть и "классический" период в истории музыки, называемый классицизм.

ЭПОХА КЛАССИЦИЗМА - Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское. В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности. В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность. Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное. Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры. «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.

Любовь Ромео и Джульетты живет в музыке прошлых времен и наших дней. Сменяются века, а люди не оставляют попыток выразить в звуках ее трагическую радость. Еще в 18 веке музыканты Германии и Франции посвящали свои произведения двум веронским влюбленным.
В 1830 году в Италии съехались молодые музыканты, посланные для усовершенствования из разных стран. Из Германии прибыл Феликс Мендельсон. Из России приехал Михаил Глинка. Франция прислала Гектора Берлиоза. На вилле Медичи, где жили стипендиаты Франции, велись бесконечные споры. Молодые французы воевали против застоявшихся авторитетов и собирались прорубать в искусстве новые пути. Самым яростным спорщиком был, конечно же, Гектор Берлиоз. В кафе Греко, излюбленном артистической молодежью, которая съезжалась в Рим со всех концов света, будущий вождь новой романтической школы музыки с той же горячностью продолжал свои речи: "Италия! Почтим прекрасную Джульетту, спящую мертвым сном в своей гробнице, - и прочь с кладбища! В Париж, друзья мои!" 

В 1839 году Гектор Берлиоз создал великую драматическую симфонию для солистов и хора "Ромео и Джульетта".

Испанская тема не раз привлекала внимание европейских композиторов. Они разрабатывали ее в произведениях разных жанров и в некоторых случаях им удалось не только сохранить своеобразие национальной характерности, но даже предвосхитить искания испанских композиторов, помочь им найти новые пути. Иными словами — в других странах писали не только об Испании, но и для Испании. Так создавалась европейская музыкальная испанистика. К испанским фольклорным жанрам обращались композиторы разных стран. В XVII столетии Корелли написал скрипичные вариации «La folia» на испанскую тему, которая впоследствии обрабатывалась многими композиторами, в том числе Листом и Рахманиновым. «La foliа» Корелли явилась не только выдающимся произведением, сохранившим популярность и поныне, но и одним из краеугольных камней европейской музыкальной испанистики. На этой основе были созданы лучшие страницы европейской музыкальной испанистики. Они были написаны Глинкой и Листом, Бизе, Дебюсси и Равелем, Римским-Корсаковым и Шабрие, Шуманом и Вольфом. Перечисление этих имен говорит само за себя, напоминая о произведениях, известных каждому любителю музыки и вводящих в мир образов Испании, по большей части — романтических, полных красоты и поэзии, увлекающих яркостью темперамента.

 В полную силу пробудились живость характеров героев и новые стороны таланта Гуно в произведении «Фауст» - это опера, поставленная на сцене театра в 1859 году. Не сразу зрители полюбили оперу, осознали ее новаторскую сущность. Только через десять лет она попала в «Grand Орera», причем первоначальные диалоги были заменены речитативами и добавлены балетные сцены. 

По настоянию оперного антрепренера, и в угоду парижской публике, обожающей зрелища, Гуно включил в сценарий оперы "Фауст" развернутую балетную сцену "Вальпургиева ночь". Она представляет собою ряд дивертисментов фантастического характера: Мефистофель соблазняет Фауста картинами роскоши и оживляет известнейших красавиц прошлых веков - Клеопатру, Елену, Фрину. Перед Фаустом танцуют грациозные троянские девушки и нубийцы. 

В 1887 году здесь прошел пятисотый спектакль «Фауста», а в 1894 году праздновалось его тысячное исполнение (в 1932 — двухтысячное). 

Рождение национальной классической музыки в любой стране происходит тогда, когда композиторы начинают работать в жанрах, характерных для всей Европы, — от оперы до симфонии, от романса до фортепианной миниатюры. В России эти жанры были освоены в XIX в., и с тех пор русская музыка стала неотъемлемой частью общеевропейской культуры, сохранив, однако, национальный характер.

Персонажами многих произведений стали герои русской истории. Идеи патриотизма зазвучали и в музыке — например, в оратории «Минин и Пожарский» Степана Аникиевича Дегтярёва (1766-1813), в опере "Иван Сусанин" Катерино Альбертовича Ка-воса (1775-1840).
Русский характер раскрывается не только в исторической реальности, но и в сказочном вымысле. Народные сказки, легенды, поверья, «преданья старины глубокой» вошли в творчество отечественных композиторов с оперой «Леста, днепровская русалка». Она так понравилась публике, что в продолжение её возникли ещё три оперы с таким же названием (большая часть музыки в них принадлежит Степану Ивановичу Давыдову). Самой же популярной сказочно-фантастической оперой стала «Аскольдова могила» знаменитого в то время композитора-романтика Алексея Николаевича Верстовского . В ней романтическая история любви развивается на фоне легендарного прошлого Древней Руси и переплетается со зловещими фантастическими событиями.
Конечно, волновала композиторов и душевная жизнь их современников. Тончайшие оттенки чувств запечатлены в лирических мелодиях романсов. 
Создавая самобытную музыку, композиторы стремились выработать особый музыкальный язык. Его интонации черпались из мелодий народных песен, мотивов церковных песнопений, звучаний колокольных звонов. «Мысль писать по-русски» стала определяющей и для творчества Михаила Ивановича Глинки. М. И. Глинка работал, казалось бы, в типичных для своего времени музыкальных жанрах. У него есть героико-патриотическая опера на исторический сюжет «Жизнь за царя» («Иван Сусанин»), есть опера-сказка «Руслан и Людмила», есть лирические романсы. Однако именно его называют «Пушкиным русской музыки», а день премьеры оперы «Жизнь за царя» — 27 ноября 1836 г. — считают днём рождения отечественной музыкальной классики, потому что в этом произведении Глинка впервые в русской музыке «возвысил народный напев до трагедии».

Когда композитор пишет произведение, которое обычно относят к классической музыке, он указывает, какие ноты он хочет услышать, какие инструменты или голоса должны играть или петь, он обозначает даже число инструментов или голосов. Он даст самые различные пояснения, какие только может придумать, чтобы сообщить исполнителю, как играть: быстро или медленно, громко или тихо. Конечно, ни одному исполнителю не удается сыграть абсолютно то, что хотел бы услышать композитор. Никаких слов не хватит для объяснений его замысла. Но от того работа исполнителя так увлекательна. Он читает, что композитор написал, и старается по возможности точно понять, что он хотел сказать. Поэтому каждый исполнитель играет произведение немножко по-другому.

Концерт для колоратурного сопрано с оркестром. Создан в 1943 году. Шла вторая мировая война. Тем неожиданнее появление этого нежного, необычайно красивого, воздушного сочинения. Даже, если Глиэр не написал бы более ни одного сочинения, Концерта было бы достаточно, чтобы войти в историю мирового музыкального искусства. По сегодняшний день Концерт для голоса Глиэра остается редчайшим раритетным сочинением. Он крайне сложен для исполнительниц. И не только в силу технических трудностей, но и потому, что техника здесь носит подчеркнуто вторичный характер, оставаясь при этом невероятно сложной для исполнительниц. На первом плане – открытая чистая душа, великая красота музыки. Именно это и делает Концерт сочинением, исполнение которого доступно только безупречным в техническом плане колоратурным сопрано и безупречным в интерпретационных нюансах певицам мирового класса.
Малейший сбой, малейшее несоответствие и происходит то, что очень точно и безжалостно описано в рецензии на концерт известной сильной американской певицы Лоры Клейкомб: «По всему видно: не надо было ей браться за Концерт для голоса с оркестром Глиэра – практически уникальный в мировой оперной литературе вокализ такой удивительной красоты и такой невероятной сложности! В результате его исполнение превратилось в настоящую пытку и для певицы, и для слушателей. Но видит Бог, ни Российский национальный оркестр, ни Максим Венгеров, стоявший в тот вечер за его дирижерским пультом абсолютно не виноваты в этой непредвиденной «вокальной некондиции»… Игорь Корябин (Belcanto.ru). 19 сентября 2010 года.
Первое исполнение Концерта Глиэр доверил Надежде Казанцевой, которая впоследствии спела его с различными дирижерами и оркестрами более шестидесяти раз.

www.classic-online.ru

Каждое искусство говорит на своем языке. Музыкa — язык звуков и интонаций — отличается особой эмоциональной глубиной. Именно эта эмоциональная сторона содержания классической музыки ощущается слушателем в первую очередь. Классическая музыка замечательно точно рисует и человеческие характеры, обладает яркими звуковыми и изобразительными возможностями. Она несет в себе целостное миросозерцание. Целостное, каждый раз своеобразное мировоззрение пронизывает классическую музыку всех великих композиторов. Маленький ребенок, начиная свое знакомство с шедеврами классической музыки с относительно простых мелодий, пробуждающих в нем чувство радости, стремления двигаться, улыбаться, незаметно для себя оказывается на пути, который приведет его к пониманию всего лучшего, что передумало и пережило человечество. Пройти этот путь человеку позволяет тесная связь классической музыки с жизнью, с другими видами искусства.