Даниил Черный известен, как выдающийся и, безусловно, талантливый русский иконописец. Он родился в 1350-е годы, прожил достаточно долгую жизнь до 1428-го года.
        Даниил Черный , биография которого не сохранилась в полных достоверных источниках, обладал сильнейшими талантами, а именно даром психологической характеристики и колоссальным живописным мастерством. Все его произведения гармоничны до мелочей, целостны и выразительно колоритны. Совершенство рисунка и живость движения выделяют его произведения из ряда самых талантливых мастеров. Даниил Черный , иконы которого известны всей православной Руси и не только Руси, использовались другими художниками в виде «образцов». Ведь сам иконописец имел огромное количество учеников.
      Иконописец Даниил Черный был не только современником, страшим другом и соратником Андрея Рублёва, а и учителям, и соавтором. Известны совместные работы такие, как «Звенигородский чин», икона «Архангел Михаил с деяниями», написана в 1399 году, находится в Архангельском соборе Московского Кремля; миниатюры «Евангелия Хитрово». Росписи, а также иконостас в Троицком соборе Троице-Сергиевой лавры (1425-1427 годы), где Даниил Черный написал иконы «Апостол Павел», «Богоматерь», «Иоанн Предтеча». Известны росписи и иконостасы Даниила в Успенском соборе во Владимире, самая известная там его работа также называется «Иоанн Предтеча».
      Откуда произошло такое прозвище - Черный? Оно известно из текста «Сказания о святых иконописцах», написанном в конце XVII — начале XVIII века. Эти летописи являются свидетельствованием и ясным доказательством того, что Даниил расписывал Успенский собор во Владимире вместе с Андреем Рублёвым. В источниках имя Даниила называется первым перед именем Рублёва, что еще раз подтверждает старшинство и опытность первого. Не только «Сказание о святых иконописцах» указывает на это, Иосиф Волоцкий также называет Даниила учителем знаменитого Рублёва.
      По стечению обстоятельств или, вероятнее всего, из-за эпидемии, Даниил скончался одновременно со своим соратником в 1427 году от некого «морового поветрия» (лихорадки). Оба знаменитых автора погребены в Спасо-Андропиковом монастыре в Москве.

        Сегодня имя художника Дмитриева-Оренбургского мало что говорит зрителю: картины его забыты, монографических исследований творчества не было. Иногда в обзорах искусства второй половины 19 века появляется его имя. А, между прочим, жизнь художника была интересной и насыщенной. Он пережил «бунт 14» и становление Товарищества художников передвижников. Творчество художника отразило в себе все веяния живописи 19 века. Художник Николай Дмитриевич Дмитриев-Оренбургский был маленьким участником значимых процессов, поэтому его имя заслуживает доброй памяти.

       Начало творческого пути художника мало чем отличалось от его коллег. Он так же учился в Академии художеств с 1856 г по 1863 год. Награждался серебряными и золотыми медалями. Среди его работ за годы учебы были такие как: «Олимпийские игры», «Великая княгиня Софья Витовтовна на свадьбе великого князя Василия Темного», «Стрелецкий бунт» и другие. С 1860 года работы Николая выставляются на различных выставках. И, несмотря, на то, что будущее открывало перед ним интересные и большие перспективы, наш герой был в числе участников бунта четырнадцати. Академию художеств «заговорщики» покинули без диплома, без права на командировку и других привилегий. Живописное наследие Дмириева-Оренбургского совершенно и разнообразно. С одной стороны, традиционные, для ранних передвижников жанры – многолюдные и повествовательные, с особым вниманием к деталям. С другой – батальные композиции, которые перенасыщены людскими толпами, движением масс. Художник пишет просто потрясающие батальные сцены: «Бой у Систовских ворот», «Последний бой под Плевной», «Переправа русской армии через Дунай».

       Среди современников Дмитриев-Оренбургский не пользовался широкой известностью. Николай был профессором с прочной репутацией, классным художником, который не претендовал на открытие новых направлений в искусстве. Умер Николай Дмитриевич в 1898 году.

        Иван Иванович Голиков – настоящий корифей палехской росписи, основатель этого направления. Редко, в традиционном русском народном искусстве с его узаконенными канонами, приемами и образами, со сложившимся укладом жизни, появляются люди, которые открывают новую уникальную эпоху. Имя Голикова еще при жизни стало настоящей легендой.

       Художник родился в 1887 году. В 10 лет оказался в иконописной мастерской. Здесь он стал специалистом доличником. Позже никак не мог остепениться, по разным обстоятельствам, работал то в одной, то в другой мастерской. Такая работа не приносила Ивану больших денег. Разделение иконописи на доличников, личников, позолотчиков и грунтовщиков превратило настоящее искусство в простое ремесло.

       Когда грянули залпы Первой Мировой Войны, Голиков отправился на фронт. Будучи в Восточной Пруссии, наш герой нашел в разгромленной немецкой усадьбе монографию о Рафаэле. Он не расставался с ней всю жизнь. После февральской революции, в армии он рисует плакаты. После развала армии, и возвращению на Родину, он продолжает рисовать листовки и плакаты социалистического толка.

        В 1922 году Иван едет в Москву, к знакомому, который владеет иконописной мастерской. У него он находит удивительную шкатулку. Необычность шкатулки состоит в ее росписи. Красота ее подтолкнула Ивана к созданию своего, палехского стиля росписи предметов прикладного искусства. В итоге Иван Иванович приходит к удивительному новому стилю. Стиль этот представляет из себя синтез древних традиций орнаментально-декоративного узора иконописи 17 века и светского сюжета. Отметим, что при этом сохраняется прежняя технология темперного многослойного письма. Иван не сразу нашел свой стиль в новом искусстве. Но трудом и усердием он отточил свое мастерство до совершенства, превратился в большого мастера. В декабре 1924 года Иван сколачивает Артель древней живописи, куда вступили семь человек: Голиков (лидер сообщества), Баканов, Маркичев, братья Зубковы и Котухины. Иван Голиков был человеком фанатичным и вдохновенно ударился в пучину нового дела.

       У Голикова была большая семья, восемь детей. Просыпаясь еще до восхода солнца, он выходил из дома, встречать солнце, любил игру цветов рассвета, примечал те или иные оттенки. Любил художник цветы, особенно нравилось ему рассматривать букеты. Нравился Ивану и шум деревенских гулянок, лунные ночи и снежная пурга.

        Сосчитать количество написанных Голиковым «Троек» и «Битв» не представляется возможным. Известно лишь одно - похожих среди них нет. Иван был неотделен от своего времени. Его ослепительные белые тройки, уносящие вдаль в стремительном полете, то красноармейцев, то молодоженов - некий символ вихря революции.

       Голиков вдохнул новую жизнь в древнерусскую художественную культуру, ввел новую традицию. Благодаря Ивану, крестьянское искусство обогатилось большим количеством народных умельцев. Умер художник в 1937 году.

        Истомин родился в Российской Империи в 1887 году, в Курске. Он вошел в историю отечественного искусства не только как прекрасный художник, но и как замечательный педагог.

        В юности Константин бывал во Владивостоке и Харькове, где посещал живописные студии. В 1906 году в Мюнхене, Истомин начал профессионально обучаться живописи. Мир, окружающий его в Германии, отношение к нему людей, сама учеба - стало основой творческой деятельности нашего героя.

       Когда обучение закончилось, Константин вернулся на Родину, в Москву. Здесь он поступил в местный Университет, на факультет истории искусства. Будучи студентом, он побывал в Италии и Греции. С началом Первой Мировой Войны обучение его прекратилось. Молодого человека призывают на службу в русскую армию, в артиллерию. Воевал наш герой до 1920 года. В годы Гражданской войны в России воевал в составе красной армии. Война закалила его характер, обогатила жизненный опыт. Картины Истомина отличаются особой цельностью, формальной завершенностью и эмоциональностью. Константин серьезно относился к написанию картины. Процесс творчества он делил на три стадии. Первая – поиск главного цвета. Вторая – основа формы, разработка тональности. Третья – определить мазок и его форму. В его картинах нет ничего случайного и второстепенного. В каждом мазке художника ощущается творческая энергия. Пейзажи Истомина – совершенно разные, в каждом он находит свой колоритный ключ. Так же художник пишет натюрморты и интерьеры.

       Истомин умер во время Великой Отечественной войны в эвакуации, в Самарканде. К сожалению, не все работы художника сохранились. Но смотря на картины, которые находятся в музеях, и есть в частных коллекциях, понимаешь, что Николай Истомин был замечательным художником.

         Максим Никифорович Воробьев (родился в 1787 году), был сыном вахтера Академии художеств. В Академию будущего художника зачислили по прошению отца. Сначала Максим занимался в архитектурном классе. Потом его потянуло к живописи, и он перевелся в живописный класс, который вел пейзажист Алексеев. Во время учебы он проявил себя в рисовании с натуры. Академию Художеств Воробьев закончил в 1809 году с золотой медалью, так же наш герой был удостоен личного дворянства.

        Первые самостоятельные работы Воробьева были выполнены под большим влиянием его учителя. Отличие ученика от учителя лишь в том, что первый стремился четко показать какое либо здание, сконцентрировав на нем внимание, а второй стремился показать общий вид. Воробьев много путешествует по Российской Империи, пишет картины. В своих пейзажах часто изображает крестьян. В картине «Уборка снега», у Воробьева проявляется наблюдательность, и поэтическое любование натурой.

        Пережив Войну 1812 года и триумф русской армии, многие художники, жившие в то время, выбирали темы своих картин так или иначе связанных с подвигом русского воинства. Исключением Воробьев не стал. Картину, которую художник представлял на звание академика, была посвящена торжественному молебну русского духовенства в Париже, на площади Людовика 15. Композицию художник построил по законам перспективной живописи.

         Воробьеву удалось побывать в Палестине. Впечатление от поездки моментально легли в основу его новых работ. В 30-ые годы 19 века наш герой уже полностью состоялся как большой мастер. Теперь он пишет пейзажи Санкт-Петербурга.

        Усилиями Воробьева, уровень исполнения городских пейзажей русскими художниками сильно вырос. Он стал человеком-мостом между художниками начала века и середины века. Умер Максим Никифорович в 1855 году.

              Всему миру известно имя русского художника, положившему начало совершенно новому направлению в абстрактном искусстве живописи – супрематизму – и имя этого художника Казимир Малевич. Он родился в Киеве 11 февраля (23 февраля) 1879 года. Его родители по происхождению были поляками. Отец его, Северин, работал в качестве управляющего в Киеве на заводе известного в ту пору сахарозаводчика Терещенко. А вот согласно другим данным отцом Казимира Малевича был белорусский фольклорист и этнограф Северин Антонович Малевич. Впрочем, если личность отца художника и вызывает вопросы, то доподлинно известно, что мать Казимира – Людвига Александровна – была обычной домохозяйкой. В семье родилось четырнадцать душ детей, но до зрелого возраста дожили лишь девятеро, и Казимир был старшим среди этой шумной ватаги. Рисовать он начал с легкой руки своей матери, в пятнадцатилетнем возрасте, после того, как она подарила сыну набор с красками. Когда Малевичу исполнилось семнадцать, он некоторое время занимался в Киевской художественной школе Н.И. Мурашко.

        Малевичи решили всей семьей перебраться в город Курск в 1896 году. С чем было связано это решение о переезде – неизвестно, но известно то, что Казимир там какое-то время трудился в должности какого-то мелкого чиновника, изнывая от рутинной тоски. Так продолжаться долго не могло, поэтому он все-таки бросил карьеру клерка ради живописи. Его первые картины были написаны под влиянием французских импрессионистов и сами, конечно же, были созданы тоже в стиле импрессионизма. Спустя какое-то время, он со страстью увлекся футуризмом. Был чуть ли не самым активным участником всех футуристических выставок, и даже работал над костюмами и декорациями, одним словом, оформлял футуристическую оперу под названием «Победа над Солнцем» в 1913-ом году. Этот спектакль, прошедший в Петербурге, стал одним из самых важных этапов в развитии всего русского авангарда. Именно геометризация форм и максимальное упрощение в оформлении и натолкнули Казимира Малевича на мысль о создании нового направления – супрематизма.

       Художник совершил революцию, сделал шаг, на который до него никто не мог решиться никто в мире. Он полностью отказался от изобразительности, даже от изобразительности раздробленной, которая до этого существовала в футуризме и кубизме. Свои первые сорок девять полотен художник продемонстрировал миру на выставке, прошедшей в Петрограде в 1915 году – «0, 10». Под своими работами художник разместил табличку: «Супрематизм живописи». Среди этих полотен был и знаменитый на весь мир «Черный квадрат», написанный в 1914-ом году (?), который вызвал яростнейшие нападки со стороны критики. Впрочем, эти нападки не стихают и по сей день.

       Уже в следующем году Казимир Малевич издал брошюру под названием «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм», в которой доходчиво обосновывал свое новшество. Супрематизм в итоге оказал настолько огромное влияние не только на живопись, но и на архитектурное искусство Запада и России, что принес своему создателю воистину мировую славу. Как и все художники нестандартного, «левого» направления, Казимир Малевич во время революции вел очень активную деятельность. Художник занимался декорациями для первого спектакля Владимира Маяковского «Мистерия – буфф» в 1918-ом, он заведовал Художественным отделом при Московском совете. Когда перебрался в Петроград, то заведовал и преподавал в Свободных художественных мастерских.

       В 1919-ом году, осенью, Казимир отправился в город Витебск, для того, чтобы преподавать в Народной художественной школе, которую организовал Марк Шагал, и которая вскоре преобразовалась в Художественно-практический институт. Он покинул Витебск лишь в 1922-ом году, чтобы вернуться в Петроград и работать на фарфоровом заводе, изобретать все новые и новые формы росписей, занимался изучением возможностей применения супрематизма в архитектуре. В 1932-ом Малевич добился должности руководителя Экспериментальной лаборатории при Русском музее, где разработал теорию о «прибавочном элементе в живописи», которую выдвигал ранее. В том же 1932-ом году Малевич внезапно вновь обратился к традиционному реализму. Возможно, это было связано с веяниями нового времени, но, так или иначе, а закончить этот новый период своего творчества Казимир Малевич так и не смог. В 1933 году он тяжело заболел, а два года спустя, в 1935 – скончался.

                     Один из основоположников всего абстрактного искусства, поэт и теоретик искусства, величайший русский художник и один из лидеров авангарда Василий Кандинский родился в 1866 году, 22 ноября в Москве, в семье коммерсанта Василия Кандинского, который вел свой род от потомков сибирских каторжан – нерчинских купцов. С 1871 по 1885 год Кандинские проживали в городе Одесса, где юный гимназист Василий и начал брать свои первые уроки в поэзии и живописи. Затем в 1885 году он поступил в Московский университет, лелея мечту в будущем стать юристом, однако десять лет спустя, в 1895-ом году, все же, к счастью для всех, передумал, и принял решение посвятить себя и всю свою жизнь искусству. Считается, что на этот выбор оказали влияние два момента – это полученные Кандинским неизгладимые впечатления от этнографической экспедиции по Вологде и ее окрестностям, в которой он изучал средневековый русский фольклор в 1889-ом году и в 1896-ом году – посещение в Первопрестольной выставки французских импрессионистов, на которой его буквально заворожило полотно Клода Моне «Стог сена». Так Василий Васильевич принял решение заняться живописью, для чего поступил учиться в Академию художеств в Мюнхене (1897), где занимался у Ф. фон Штука.

           Он много путешествовал по Африке и Европе с 1903-го года по 1907-ой. В 1908-ом, принял решение поселиться в Баварских Альпах, в селе Мурнау, где прожил целый год. Кандинский очень органично вписался в среду модернистской немецкой богемы, впрочем, выступая в ней не только как обыкновенный участник, но и как организатор. В 1901-ом году основал группу «Фаланга», в 1909-ом в с тандеме с А.Г. Явленским – «Новое мюнхенское творческое объединение», а затем – в 1911-ом – вместе с Ф. Марковым – сообщество «Синий всадник», которое стало впоследствии важнейшим звеном, соединяющим авангард и символизм. В 1914-ом решил вернуться в Москву, где долгое время, в течение нескольких лет, он трудился над полуабстрактными и реалистичными полотнами (в основном, это были пейзажи).

         Вся вторая половина десятых и двадцатые годы, уже после революции, были исполнены весьма активной деятельности. Художник трудился в организации по охране памятников, преподавал в различных творческих и государственных мастерских, был руководителем Института художественной культуры, при этом ни на мгновения не переставая работать как живописец. Его абстрактные полотна, датируемые теми годами, стали намного мягче и намного светлее по колориту, живописец уделял огромное внимание свободному пространству и четкости линий. Но пребывание на родине не могло длиться долго. Политическая обстановка в стране не способствовала ни творческим исканиям, ни свободе художественной мысли, поэтому художник принял закономерное решение навсегда покинуть страну (1921).

         Вальтер Гропиус – известный архитектор той поры пригласил Кандинского преподавать в высшей художественной и архитектурной школе «Баухауз» в городе Веймаре. Так Василий Васильевич оказался в Германии. В 1925-ом году он переехал в город Дессау, где он и написал свою знаменитую книгу «Линия и точка на плоскости». Именно тогда к русскому художнику и пришла мировая слава. Он издавал все новые и новые труды по теории живописи, принимал участие в многочисленных выставках, проходящих в городах по всей Германии. И, наконец, в 1923-ем году организовал свою первую выставку в Нью-Йорке. Для его творчества того периода характерно обретение более рационально-геометрического характера, космологические фантазии художника максимально сближаются с принципами конструктивизма и супрематизма, но при этом сохраняют свою ритмичную и яркую декоративность. ( «В черном квадрате» - 1923, «Несколько кругов» - 1926) В 1928-ом году Кандинский выступил как художник в создании сценической версии сюиты М. Мусоргского под названием «Картинки с выставки в театре Дессау». После прихода к власти фашистов и закрытия ими «Баухауза» в 1933-ем году, художник переехал сначала в Берлин, а затем в Париж. После того, как немцы оккупировали Францию, собрался эмигрировать в США, и даже провел несколько месяцев своей жизни в Пиренеях, но в итоге возвратился в Париж, где до конца жизни продолжал активно работать. Не стало художника 13.12.1944 года.

               Есть художники, которые именем своим и творчеством олицетворяют судьбу и развитие целого художественного направления. Так, имя Ореста Кипренского теснейшим образом связано с романтическим искусством. Между тем, судьба этого человека сложилась отнюдь не романтическим образом и причиной тому – уже само «незаконное» появление на свет. Для того времени ситуация не новая, незаконнорожденным были и поэт В.А.Жуковский, и еще раньше поэт радищевского круга И.А.Пнин. Однако драматические изломы последующей судьбы были во многом предопределены данным обстоятельством. Пробиваться в жизни приходилось исключительно самим.

Биография Ореста Кипренского (13. (24).03.1782 - 5.(17).10.1836)

         Отставной бригадир Алексей Дьяконов – биологический отец будущего художника – даровал вольную его матери, своей дворовой девушке, вскоре после рождения сына. Тем не менее, признать его своим сыном духу так и не хватило. Мальчик был записан как сын крепостного – Адама Швальбе. Его подлинное происхождение выдавало лишь необычное, не аристократическое имя – Орест, позаимствованное из древнегреческой мифологии. Дьяконов, по всей видимости, сочинил для сына и новую фамилию – Кипрейский, которая трансформировалась в «Кипренский».

        Несколько лет ребенок обучался в Петербургской Академии художеств. Он выказал одаренность, готовился к получению Большой золотой медали – и вдруг его оставили при Академии еще на три года, а полагающуюся заграничную стажировку по неизвестным причинам отменили. Конечно, то был сильнейший удар по самолюбию. Зато Кипренский стал моден и известен, появилась собственная мастерская, он много писал на заказ, отдавая предпочтение портретному жанру. О материальном благополучии больше можно было не беспокоиться.

       Кипренский коротко был знаком со всем цветом тогдашней литературы – Жуковским, Вяземским, Гнедичем, Пушкиным. Последний назвал его «любимцем моды легкокрылой». В 1816 году сбылась давняя мечта Кипренского – он отправился в Италию. Там произошла история, последствия которой преследовали художника до конца дней. Он, по сути, удочерил маленькую девочку по имени Мариучча, оторвав от матери, которая вела разгульный образ жизни.

       Спустя десять лет он отыскал девушку в приюте, взял в жены, принял католичество, пытался принять Италию как вторую родину, отчаянно нуждался. Умер в 1836 году, похоронен вдали от родных мест. Следы жены и родившейся уже после смерти художника дочери затерялись.

Творчество Ореста Кипренского

         Разумеется, за годы обучения в Академии, Кипренский прекрасно выучился классической манере живописи, прекрасно знал, что и как нужно. И все же его влекли новые художественные горизонты. Он смог вдохнуть жизнь в «низкий» жанр портрета. «Низкий» по канонам классицизма, но отнюдь не романтического искусства. В портретах Кипренского все детали работали на создание образа – легкая небрежность прически Жуковского или сложенные на груди руки Пушкина и сам он на фоне лиры – истинный «служитель муз и Аполлона».

        Кипренский, став знаменитым, почти полностью отказался от полотен на историческую тему – должно быть, потому, что был пресыщен ими за годы учебы. Конечно, за портреты хорошо платили, но истинный художник никогда не будет работать исключительно ради денег – так слишком легко потерять себя и превратиться в простого ремесленника, копииста. Кипренский никогда не стоял на месте, открывал новые горизонты. Так, картина, стоящая в его творчестве особняком, - «Читатели газет в Неаполе» - находится у истоков нового жанра – политической живописи.

Интересные факты

• Для многих русских Италия была каким-то роковым местом: здесь сошел с ума поэт К.Батюшков, скоропостижно скончался его коллега – Е.Боратынский, Гоголь пережил душевный кризис. Так что Кипренский – не единственный, для кого свидание с колыбелью античности явилось не только желанным, но и роковым.

Еще со школьных лет мы учимся улавливать разницу между тем, как изобразили А.С.Пушкина художники Кипренский и Тропинин. Первый показал поэта-романтика, служителя муз, второй – «домашнего» Пушкина, но не менее вдохновенного.

Биография и творчество Василия Тропинина

Василий Андреевич Тропинин родился в семье крепостных графа А.С.Миниха 19(30).03.1776 года. Отец его был управляющим у графа и за усердие к работе получил вольную. Семья же оставалась в крепостной зависимости. Новым хозяином Тропинина стал граф И.Морков. Юношу отправили в Петербург учиться на кондитера. Впрочем, там Тропинина с головой захватила живопись. В конце концов, Морков дал согласие на то, чтобы юноша посещал классы при Академии художеств.

Годы, проведенные в Академии, стали самыми счастливыми в судьбе Тропинина. Они совпали с его стремлением во что бы то ни стало стать художником, с проснувшимся призванием к живописи. Попал туда Тропинин по настойчивой просьбе двоюродного брата графа, желавшего, чтобы самоучка развил свой природный талант. Так, в 1799 году Тропинин стал учеником художника Степана Щукина, имевшего славу придворного портретиста.

Товарищами Тропинина по учению были Сильвестр Щедрин, Орест Кипренский, Александр Иванов. Они как могли, помогали 19-летнему юноше, понимая, как тяжело ему, попавшему сюда недавно, и куда легче им, обучавшимся здесь с детства. Копирование картин великих мастеров в Эрмитаже оттачивало стремительно растущее мастерство самого Тропинина. Его прозвали «русским Грёзом» - за пристрастие к копированию детских головок. Одна из работ приглянулась императрице Елизавете Алексеевне.

Граф Строганов стал хлопотать об освобождении Тропинина из крепостной зависимости. Щукин же написал Моркову письмо с тем содержанием, что, дескать, если не хотите потерять хорошего слугу, то забирайте его скорее обратно. Так мечты разбились о грубую реальность. Тропинина отозвали обратно на Украину, и он занял место между поваром-кондитером и личным лакеем графа.

Жизнь на Украине Тропинин тоже считал своеобразной академией. Здесь он много рисовал людей из народа, а также крепостных – товарищей по несчастью. Последующие выезды с графом в Москву были для Тропинина как глоток свежего воздуха. Изредка он встречался со старыми товарищами, в частности, с Орестом Кипренским. В 1823 году граф Морков дал своему крепостному художнику вольную. На тот момент Тропинину было уже 44 года. Он был гол, как сокол, зато наконец-то свободен! Сам и только сам теперь он вынужден был обеспечивать себя и свою семью средствами к существованию.

Москва приняла Тропинина. В доме на Ленивке он прожил 32 года. Он стал известным портретистом и вскоре, как полушутя выражались современники, переписал чуть ли не всю Москву. Первый и последний раз Тропинин выставил свои работы на академической выставке 1824 года. От заказов и без того не было отбоя. Неожиданно радостным для Тропинина оказался 1836 год. Он познакомился и близко сошелся с Карлом Брюлловым.

Из прогулок по Москве Тропинин никогда не возвращался без новых впечатлений. Так, незаметно, за работой и проходила жизнь художника Тропинина. В 1856 году умирает горячо любимая жена, Анна Ивановна. Двух лет не дожила она до их золотой свадьбы. В свое время она пошла за крепостного, будучи свободной. Венчались они еще на Украине, в поместье графа Моркова, в новопостроенной церкви. Возводил ее, кстати, тоже сам Тропинин, за плечами которого к тому времени было шесть лет учения в Академии художеств. Граф же считал, что раз учился – то должен уметь всё. Вот и заставил своего крепостного заниматься строительством – ремеслом, которым тот не владел вовсе.

Последние годы Тропинин провел в небольшом домике в Замоскворечье. Умер Василий Андреевич 3(15).05.1857 года. Похоронен художник на Ваганьковском кладбище Москвы.

Интересные факты

• Когда Тропинин получил вольную, его единственный сын и жена оставались в кабале еще около пяти лет и лишь со смертью графа Моркова семья воссоединилась.


• Со знаменитой «Кружевницы» Тропинин сделал целых семь копий – настолько велика была популярность этого полотна. Она же стала для него своеобразным «пропуском» в академики – сперва «назначенные», а потом и действительные.