1891 - родился Джон Хартфилд / John Heartfield/, настоящее имя Гельмут Герцфельд; 19 июня 1891, Берлин — 26 апреля 1968, там же) — немецкий художник, фотограф, плакатист и декоратор. Брат публициста и издателя Виланда Герцфельде

Биография
Учился в мюнхенской Школе прикладного искусства (1907—1911) и в училище художественного ремесла в берлинском Шарлоттенбурге (1912—1914). В 1915 году Хельмут Херцфельд американизировал свои имя и фамилию, став Джоном Хартфилдом — таким образом он выразил свой протест против германского военного патриотизма, захлестнувшего страну после начала Первой мировой войны.
Поначалу принадлежал к группе «политических дадаистов». В 1930—1931 жил в СССР, в 1933—1950 в эмиграции в Праге и Лондоне. В 1950 возвратился в ГДР. Создатель пролетарского антифашистского, антиимпериалистического фотомонтажного плаката; работал также в журналах, кино и как художник книги. Лауреат Национальной премии ГДР (1957). Его творчество известно вследствие его активной борьбы с нацистским режимом.

Джон Хартфилд считал, что коллаж обязательно должен состоять из фотографий с подписями, поскольку текстовое послание и фотографическое изображение взаимодействуют и между собой и с другими элементами композиции.

Примечания
↑ Элгер, Дитмар. Дадаизм / Под ред. Уты Гросеник. — Москва: Taschen / «Арт-родник», 2006. — С. 52. — (Стили, течения и направления в искусстве). — ISBN 5-9561-0168-7.
Ссылки[править | править вики-текст]
Хартфилд Джон — статья из Большой советской энциклопедии.
⚙️ Тематические сайты
RKDartists
Словари и энциклопедии
Большая каталонская
Нормативный контроль
BNE: XX1302321 · BNF: 11907082q · GND: 118547437 · ISNI: 0000 0000 8189 4288 · LCCN: n79139067 · NDL: 00442820 · NKC: jn20000700683 · NLA: 35182980 · NTA: 069176655 · NUKAT: n98702490 · LIBRIS: 336452 · SUDOC: 026917017 · VIAF: 120725202 · ULAN: 500018521

1659- родился Фаустино Бокки
Дата рождения: 1659
Место рождения:Брешиа, Ломбардия
Дата смерти:1742
Commons-logo.svg Работы на Викискладе
Бокки, Фаустино (ит. Faustino Bocchi; род. 17 июня 1659, Брешия — 27 апреля 1741, Брешия) — итальянский художник.

Биография и творчество
Сведения о жизни Фаустино Бокки неполны и противоречивы. Он родился 17 июня 1659 года в Брешии в семье Джакомо и Джулии Файони. Согласно традиционным данным, Бокки обучался живописи у Анджело Эверарди по прозвищу «Фламмингино», которое тот получил за превосходное знание фламандской живописи и следование в своих картинах урокам Иеронима Босха. Эверарди описывают также как мастера трёх жанров: изображения фигур, изображения баталий и изображения дураков. По другим данным, Фаустино начинал у художника Карло Бачокки и только потом, после кончины в Бачокки в 1678 году, перешёл к Эверарди. По одним сведениям Бокки всю жизнь прожил в Брешии, по другим, выезжал во Флоренцию и какое-то время работал при флорентийском дворе (доказательством чему служат три его картины из Галереи Питти). Точно известно лишь то, что свою долгую жизнь Бокки прожил сибаритом, любившим проводить время среди приятных философских бесед под аккомпанемент арфы, на которой он сам превосходно играл.

Стиль и тематика его картин сложились из разных источников. Вероятно, он был знаком с работами Иеронима Босха (гравюры с его картин были в ходу в XVII веке). Другим источником вдохновения были карикатурные рисунки его флорентийского предшественника Баччо дель Бьянко, с которыми он мог познакомиться у своего современника Пьера Леоне Гецци, и сатирические гравюры Жака Калло. В итоге Бокки создал свой оригинальный жанр, в котором он изображал лилипутов в самых комических ситуациях задолго до того, как Джонатан Свифт написал своего «Гулливера в стране лилипутов» (книга была впервые издана в 1726 году, когда Бокки было уже 67 лет).

Хронологическая реконструкция его творчества крайне затруднена тем, что на картинах художника отсутствуют даты. Ему принадлежат изображения двух святых и несколько религиозных сцен из разрушенной церкви делла Пьета ди Брешия, а также небольшие квадратные картины с историями из жития св. Бенедикта — все эти произведения исполнены в классическом стиле, но в тяжелых, тёмных тонах (эти работы, представлявшие церковный ансамбль, в своё время были разобраны и разошлись по разным коллекциям). Найденные в 1980-х годах платёжные документы позволили точно датировать одну работу Бокки — изображение св. Марка из церкви делла Карита (1726г). Плата, полученная за неё приблизительно того же уровня, как у Пьетро Авогадро, Джузеппе Тортелли и Антонио Палья — это может свидетельствовать о том, что как исполнитель религиозных произведений Бокки не пользовался большим почётом.

Несмотря на то, что Фаустино Бокки был учеником баталиста Эверарди, идентифицировать его работы в батальном жанре крайне трудно. Самую большую известность ему принесли картины с изображениями лилипутов, имевшие успех в области Венето и прославившие его. Этот жанр, ведущий своё начало из фламандской живописи, основанный на фантазии и снах, рассматривался одними, как художественное трюкачество, другими, как нечто вульгарное. Тем не менее, эти гротескные картины имели успех у богатой буржуазии. Поскольку большая часть картин Бокки находится в частных собраниях, их полный каталог не составлен до сих пор, известно лишь, что их более семидесяти.

Произведения Фаустино Бокки находятся в Галерее Питти, Флоренция (три работы), в Пинакотеке Тозио Мартиненго в Брешии («Незваный гость», «Охота на цыплёнка»), в Музее Брено («Лилипуты, зажигающие огонь»), в Дирекции галерей Милана (шесть картин на разные темы), в Городском музее Падуи («Карлик в ловушке», «Больной перед Паном», «Красный попугай» и «Нападение краба»), в ГМИИ им. Пушкина, Москва («Аллегория Вкуса», «Аллегория Слуха»), в Национальном музее, Варшава («Охота на цыплёнка», «Варка макарон», «Забота о дрозде», «Танцы карликов у реки») и во многих итальянских частных коллекциях.

1812 - скончался Франц Пфорр (/Franz Pforr/(5 апреля 1788, Франкфурт-на-Майне — 16 июня 1812, Рим) — немецкий художник-романтик.

Биография и творчество

Отец Франца Пфорра, Иоганг Георг Пфорр, был художником, специализировавшимся на изображениях лошадей. Мать, Иоганна Кристиана Пфорр, происходила из художественной семьи Тишбейн. В 12 лет Франц Пфорр потерял родителей, на следующий год единственного брата и с 1801 года воспитывался в Касселе у дяди, известного художника Иоганна Генриха Вильгельма Тишбейна. Там он начал заниматься живописью и в 1805 году поступил в Академию художеств в Вене, где его преподавателем стал художник-классицист Генрих Фридрих Фюгер.

Пфорр и его соученики Людвиг Фогель, Иоганн Конрад Готтингер и Фридрих Овербек были недовольны обучением, ожидая вместо ориентации на классическое искусство более современного подхода и внимания к духовным ценностям. Они видели собственный путь в искусстве в сближении с искусством старых мастеров.

В 1809 году молодые художники основали Союз святого Луки, художественное объединение, пропагандировавшее идеи романтизма. Это привело к конфликту в самой Академии, в результате чего Овербек в 1810 году был из неё исключён, и члены Союза святого Луки, включая Пфорра, отправились в Италию и 20 июня 1810 года прибыли в занятый наполеоновскими войсками Рим, где поселились в здании монастыря Сан-Исидоро. Их целью было изучение работ старых итальянских мастеров и возвращение к искусству итальянского Возрождения. Это движение стало позже известно под названием назарейского и сыграло большую роль в развитии европейского романтизма начала XIX века.

Пфорр умер от туберкулёза в Риме в возрасте 24 лет, не дожив до признания своего творчества.

Наследие Пфорра составляют лишь шесть картин («Граф фон Габсбург», «Въезд императора Рудольфа в Базель», «Святой Георгий», «Автопортрет», а также аллегория дружбы на себя и Овербека) и несколько сотен рисунков, включая иллюстрации к Дон Кихоту и к поэме Гёте Гёц фон Берлихинген. Несмотря на это, его причисляют к основателям и важнейшим представителям немецкого романтизма. В его творчестве сильна религиозная тематика.

Литература
Rudolf Bachleitner: Die Nazarener, ISBN 3-453-41182-X
Wilhelm Adolf Schmidt: Pforr, Franz. In: Allgemeine Deutsche Biographie (ADB). Band 25. Duncker & Humblot, Leipzig 1887, S. 702 f.
Ingeborg Dorchenas, Franz Pforr, In: Biographisch-Bibliographisches Kirchenlexikon (BBKL). Band 7, Herzberg 1994, ISBN 3-88309-048-4, Sp. 433—438.

1799 - родился Фёдор Анто́нович Бру́ни (1799—1875)

— русский художник итальянского происхождения, представитель академического стиля.

Биография
Фёдор Бруни (собственно, настоящее его имя было Фиделио) родился 10 июня 1799 году в Милане, в семье швейцарского итальянца, художника и реставратора Антонио Бруни, который впоследствии, в 1807 году, приехал в Россию из Италии. Антонио Бруни в царствование Павла I был реставратором картин и живописцем по плафону. Имеются его работы, исполненные в Михайловском дворце; впоследствии он занимался работами в Москве, по заказу князя Куракина.

Фёдор в возрасте десяти лет поступил в Воспитательное училище при Академии художеств, занимался под руководством А. Е. Егорова, А. И. Иванова (старшего) и В. К. Шебуева.

За первые успехи молодой Бруни был награждён серебряною медалью, а в 1818 г. окончил курс и получил звание художника с правом на чин XIV класса. Его отец, находя, что художественное образование девятнадцатилетнего Фиделио ещё недостаточно, решился, по совету Шебуева, отправить сына для дальнейшего усовершенствования в живописи в Италию. Изучение образцовых произведений старинных художников окончательно определило направление молодого Фиделио, переименованного в России в Фёдора, подобно тому, как Брюлло был назван Брюлловым.

Написав несколько картин, Бруни, не достигший ещё 22-летнего возраста, принялся за первую большую картину («Смерть Камиллы, сестры Горация»), которая в 1824 г. была выставлена в Капитолии и доставила автору её немалую известность; в Петербурге она появилась лишь через 10 лет, и за неё Бруни получил звание академика.

К работам первого пребывания Бруни в Риме относятся:
«Св. Цецилия»,
«Св. Семейство»,
«Вакханка, поящая Амура»,
«Свидание Т. Тассо с сестрою»,
«Богоматерь с Предвечным Младенцем»,
«Спящая нимфа»
«Богоматерь с младенцем на руках»,
«Спаситель на небесах»,
«Благовещение» и знаменитое «Моление о Чаше» — картину, находящуюся в Эрмитаже и ещё несколько картин и портретов.
Кроме того, Бруни написал копии с двух фресок Рафаэля: «Изгнание Илиодора из Иерусалимского храма» и «Галатею».

Медный змий
В начале тридцатых годов живописец начал писать колоссальную картину: «Воздвижение Моисеем медного змия», но прежде, чем успел её окончить, был вызван из Рима в Петербург для работ в Исаакиевском соборе и для преподавания в Академии художеств.

Он прибыл в Петербург в 1836 г., написал в течение двух лет несколько образов и скомпоновал для алтаря Казанского собора большую картину-образ «Покров Пресвятые Богородицы».

С 1836 г. Бруни — профессор 2-й степени в Академии художеств. Среди его учеников М. П. Боткин и Арсений Иванович Мещерский.

В 1838 он нашёл возможным возвратиться в Рим, и написал там «Покров» и окончил в 1840 г. своё большое произведение: «Медный змий», которое произвело в Риме необыкновенно сильное впечатление. В следующем году эта картина была перевезена в Петербург и выставлена в одном из залов Зимнего дворца. Все печатные отзывы того времени об этой картине были преисполнены почти безграничными похвалами этому произведению, в самом деле замечательному по составу и расположению групп, по типичности и выражению фигур и лиц, по общему колориту, хотя далеко не блестящему, но соответствующему содержанию грозного библейского события. В этой картине Бруни показал в полной силе все своё глубокое, академическое знание рисунка. В Русском музее «Медный змий» находится рядом с картиной К.Брюллова — «Последний день Помпеи».

Роспись Исаакиевского собора
1841—1845 — автор 25 картонов для росписей Исаакиевского собора в Петербурге (ныне хранятся в Русском музее).

Отправляясь в третий раз в Италию, Бруни занимается картонами тех картин, которые он должен был впоследствии написать на стенах Исаакиевского собора. В 1845 г. он привозит в Петербург 25 картонов, которые были в Риме предметом похвал знатоков искусства; некоторые из них были исполнены в виде фресок в Исаакиевском соборе самим художником, другие различными художниками под его личным руководством.

На аттике собора находятся:
«Сотворение мира»
«Всемирный потоп»
«Спаситель, вручающий апостолу Петру ключи от царствия Небесного»,
«Явление Господа апостолам по Воскресении».
В полукружии над аттиком:
«Творец, благословляющий все созданное»
«Святой Дух в сонме ангелов».
На плафоне:
«Введение Первородного Сына во вселенную»
«Второе пришествие Сына Божия»
«Прорцы на Кости»
«Егда сотворены быша звезды, восхвалима Мя вся ангелы».
Исполнение перечисленных работ окончено было в 1853 г., но, кроме них, Бруни успел написать иконостас для православной церкви в Штутгарте.

Работа в Эрмитаже
Будучи назначен в 1849 хранителем картинной галереи Эрмитажа, он с любовью занимался ею; дважды был командирован за границу для покупки картин, послуживших для пополнения коллекции музея.

Ректорство в Академии художеств
1855 — Бруни был назначен ректором Академии художеств по отделу живописи и ваяния, а в 1866 г. в его ведение попало и мозаичное отделение, созданное его стараниями. 27.12.1869 г. жалован дипломом на потомственное дворянское достоинство[2]. В 1871 г. оставил пост ректора. К концу жизни он был почётным членом Болонской и Миланской академий искусств, почётным профессором Флорентийской Академии художеств и Академии Святого Луки в Риме.

Скончался Бруни 30 августа (11 сентября) 1875 г. в Петербурге. Был похоронен на участке св.Петра Выборгского католического кладбища в Санкт-Петербурге. В 1936 году в связи с закрытием кладбища захоронение вместе с надгробием было перенесено на Тихвинское кладбище (Некрополь мастеров искусств) Александро-Невской лавры. У него остались жена Бруни Анжелика Антоновна (в девичестве Серни; 1.01.1811-13.05.1881) и дочь Тереза (ум. 19.3.1910), замужем за инженером путей сообщения, тайным советником К. Бентковским. Сын Александр (6.6.1839, Рим - 9.9.1873), полковник, скончался прежде отца.

Адреса в Санкт-Петербург
1809 — 30.08.1875 года — здание Академии художеств — Университетская набережная, 17.

Творчество
Бруни был чрезвычайно трудолюбив и плодовит, чему способствовала постоянная поддержка заказами со стороны правительства и частных лиц. Кроме исторических и религиозных картин он писал портреты, впрочем, немногочисленные. Главная его сила была в композиции и правильности рисунка; в его картинах видно много академического знания, которое было пополняемо художественностью содержания, а часто и чувством. Его «Моление о Чаше» изображает Христа, полного скорби и предзнания ожидающих Его страданий и производит сильное впечатление; повторение этой картины, сделанное Б., находится в церкви Академии художеств. Его «Вакханка и Амур» переносит совсем в другой мир и полна страстной неги; написана эта картина колоритно и нежно. Весьма достойно сожаления, что его часто грандиозные композиции, находящиеся в Исаакиевском соборе, сильно пострадали от времени, как и все другие, написанные там на стенах. В последние годы своей жизни Бруни занимался сочинением картонов для образов Храма Спасителя в Москве. К списку его работ, приведённых выше, надо прибавить ещё тридцать листов рисунков из русской истории, гравированных им «крепкой водкой» (техника офорта).

Вообще художественная деятельность Бруни занимает почётное место в истории русской живописи, и появление произведений его и К. Брюллова составило эпоху в русском искусстве. Хотя ещё при жизни Б. начались иные и новые веяния в русском искусстве, но то, что он сделал, было нужно и многому научило. Гравюра мало популяризировала картины Бруни. «Медный змий» в гравюре на дереве был помещён в различных иллюстрированных изданиях; «Смерть Камиллы» воспроизведена только контурной гравюрой; «Моление о Чаше» литографировано Козловым и гравировано Захаровым; «Божия Матерь, спящая с бодрствующим на Ея коленах Младенцем» была гравирована на стали и помещена в книге: «Картины русской живописи» В. Кукольника (СПб., 1846 г.).

Более или менее полная биография Бруни была написана А. И. Сомовым и помещена в иллюстрированном журнале «Пчела», изд. А. Прахова (СПб., 1875, 35). К статье приложен гравированный на дереве портрет Б., весьма напоминающий серьёзное и вдумчивое лицо этого талантливого художника. В Академии художеств находится гипсовый слепок с его бюста, вылепленного в 1862 г. Ф. Каменским, и портрет, писанный масляными красками, работы Яковлева. Помимо других, обучал Фёдора Каменского, особенно талантлив был К. Д. Флавицкий, автор картины «Княжна Тараканова», ныне находящейся в галерее П. И. Третьякова в Москве. Преждевременная смерть не дала вполне определиться этому даровитому художнику.

Галерея
Очерки событий из российской истории, сочинённые и гравированные профессором живописи Ф. Бруни
портрет З. А. Волконской в костюме Танкреда (не ранее 1820-х, ГРМ).
«Смерть Камиллы, сестры Горация», (1824, ГРМ, 350х526,5, холст, масло)
«Медный змий» (1827—1841, ГРМ, 565х852, холст, масло). Первоначально полотно было приобретено для Эрмитажа за 70000 рублей.
«Пробуждение граций», (1827, Третьяковская галерея)
«Святая Цецилия»,
«Святое семейство»,
«Вакханка, поящая Амура», (1828)
«Свидание Торквато Тассо с сестрою»,
«Богоматерь с Предвечным Младенцем»,
«Спящая нимфа»
«Портрет А. С. Пушкина на смертном одре» (1837),
«Аллегорическая композиция с путти» (1858—1862. Бумага, акварель, тушь, перо. 18,6х35,8), продано на аукционе в 2005 году по цене 4200 евро.

1829 - родился Джон Э́веретт Милле (также иногда Милле́с; англ. /John Everett Millais/(8 июня 1829 — 13 августа 1896) — крупный английский живописец, один из основателей Братства прерафаэлитов.

Биография
Милле родился в Саутгемптоне и начал учиться рисованию девяти лет от роду. В 1838 году, когда стали очевидными его способности, семья перебралась в Лондон.

Академия, Братство прерафаэлитов
«Писарро берёт в плен перуанских инков» (Лондон, Музей Виктории и Альберта)
В декабре 1840 года в возрасте 11 лет Милле поступил в Королевскую академию художеств, став самым молодым студентом за всю историю академии.
В академии Джонни проучился шесть лет. В 1843 году он получил серебряную медаль за рисунок. К пятнадцати годам он уже прекрасно владел кистью. В 1846 году его историческая картина «Писарро берёт в плен перуанских инков» была отобрана для летней выставки академии. В итоге критика признала её лучшей на всей академической выставке того года.

В следующем году получил золотую медаль за картину «Нападение колена Вениаминова на дочерей Силоама».
В 1848 году на одной из выставок Милле знакомится с Холманом Хантом и Данте Габриэлем Россетти и вместе с ними основывает Братство прерафаэлитов.

Его ранние работы характеризуются значительной детализацией, в частности картина «Христос в родительском доме» (англ. Christ In The House Of His Parents, 1850, Лондон), которую сочли излишне реалистичной и в газете «Таймс» окрестили как «возмутительную». Однако Милле это не смутило, и он продолжал своё творчество среди прерафаэлитов. На самом деле, техническое совершенство картин Милле сразу выделило его среди других живописцев, поэтому работы Милле всегда принимали на выставках академии, какими радикальными бы они ни были[3]. Его также поддержал критик Джон Рёскин, который сразу увидел в Милле выдающийся талант.


Летом 1853-го Рёскин и его жена Эффи пригласили Милле отправиться вместе на лето в Гленфинлас. Милле и Эффи полюбили друг друга и после её скандального развода с Рёскином поженились.

После распада братства
Женитьба изменила Милле: для поддержания семьи он должен был создавать картины быстрее и в большем количестве, а также дорого продавать их. Милле полностью отрёкся от взглядов и идей прерафаэлитизма: в частности, картину «Сэр Изюмбрас» (1857), где художник сильно отошёл от прерафаэлитской техники, Рёскин назвал «даже не неудачей, а катастрофой».
Взамен Милле обрёл огромную популярность и огромное состояние, зарабатывая до 30 тыс. фунтов в год.
Он сделался портретистом, отчасти пейзажистом (причём пейзажи Милле рисовал не на заказ, а как хобби — для себя) и стал первым английским художником, получившим титул баронета (в 1885).
В 1896 году он был избран президентом Королевской академии художеств. На портретах Милле изображает, как правило, людей известных, занимающих высокие общественные посты[5].

В настоящее время Милле относится к числу самых любимых англичанами художников середины XIX века.

Наиболее известная картина — «Офелия» (англ. Ophelia, 1851—1852), где изображена возлюбленная Россетти Элизабет Сиддал. Другая известная картина «Спелая вишня» («Cherry Ripe», 1879, ныне — частное собрание), изображающая четырёхлетнюю девочку в костюме Пенелопы Бутби, основана на полотне Джошуа Рейнолдса. Она не только пользовалась успехом у обывателей, но и породила большое количество подражаний, копий и даже карикатур.

Картины
1848 — «Смерть Ромео и Джульетты» / The Death of Romeo and Juliet) (Художественная галерея Манчестера, [1])
1848-49 — «Изабелла» / Isabella
1850 — «Христос в родительском доме» / Christ In The House Of His Parents (Галерея Тейт, Лондон, [2])
1851 — «Мариана» / Mariana
1852 — «Офелия» или «Смерть Офелии»[2] / Ophelia (галерея Тейт, Лондон, [3])
1856 — «Осенние листья» / Autumn Leaves
1862 — «Верь мне» / Trust Me
1868 — «Ванесса» / Vanessa
1873 — «Дрова на зиму» / Winter Fuel (Художественная галерея Манчестера, [4])
1873 — «Портрет Эффи Милле» / Portrait of Effie Millais
1875 — «Октябрьский холод» / Chill October (коллекция Эндрю Ллойд-Уэббера, [5])
1886 — «Мыльные пузыри» / Bubbles (Художественная галерея леди Левер, Ливерпуль, [6])

Примечания
↑ Фамилия произносится на манер французского языка: Merriam-Webster OnLine. В русских источниках нередко встречается «Миллес».
↑ Перейти к: 1 2 3 4 Милле, Джон // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.
↑ Перейти к: 1 2 3 Tate Britain| Past Exhibitions | Millais
↑ Путеводитель по искусству. Под ред. Яна Чилверса. — М.: ОАО Издательство «Радуга», 2002
↑ Перейти к: 1 2 3 Шестаков В. П. Прерафаэлиты: мечты о красоте. — М.: Прогресс-Традиция, 2004. ISBN 5-89826-217-2.
↑ Перейти к: 1 2 Екатерина Беляева. Плодовит по семейным обстоятельствам. Выставка Джона Миллеса открылась в Амстердаме. — Газета «Культура» № 9, 12 марта 2008 г., с. 15

Ссылки
Джон Эверетт Милле на сайте World Art
Биография на сайте «Энциклопедия искусства»
Sir John Everett Millais: An Overview (англ.)

1848 родился - Эже́н Анри́ Поль Гоге́н (фр. Eugène Henri Paul Gauguin [øˈʒɛn ãˈʁi ˌpol ɡoˈɡɛ̃]; 7 июня 1848 — 8 мая 1903)

— французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. В начале 1870-х годов начал заниматься живописью как любитель. Ранний период творчества связан с импрессионизмом. С 1880 года участвовал в выставках импрессионистов. С 1883 года профессиональный художник. Работы Гогена не находили спроса, художник был беден[3]. Картина Гогена «Когда свадьба?» — одна из самых дорогих проданных картин.

Творчество и биография
Поль Гоген родился в Париже 7 июня 1848 года. Его отец, Кловис Гоген (1814—1849), был журналистом в отделе политической хроники журнала Тьера и Армана Мара «Насьональ», одержимым радикальными республиканскими идеями; мать, Алина Мария (1825—1867), была родом из Перу из богатой креольской семьи. Её матерью была известная Флора Тристан (1803—1844), разделявшая идеи утопического социализма и опубликовавшая в 1838 году автобиографическую книгу «Скитания парии».

В 1849 году, после неудавшегося антимонархического переворота, Кловис, не чувствуя себя в безопасности на родине, решил покинуть Францию. Вместе с семьей он погрузился на судно, идущее в Перу, где намеревался осесть в семье своей жены Алины и открыть собственный журнал. Этим планам не суждено было сбыться. По пути в Южную Америку Кловис умер от сердечного приступа.

Таким образом, до семилетнего возраста Поль жил в Перу и воспитывался в семье матери. Впечатления детства, экзотическая природа, яркие национальные костюмы, беззаботная жизнь в поместье дяди в Лиме остались в его памяти на всю жизнь, сказавшись в неуемной жажде путешествий, в тяге к тропикам.

В 1855 году, когда Полю было 7 лет, он с матерью возвращается во Францию, чтобы получить от дяди по отцовской линии наследство, и селится в Орлеане со своим дедом. Гоген быстро учится французскому языку и начинает преуспевать в образовании. В 1861 году Алина открывает швейную мастерскую в Париже, а её сын готовится к поступлению в Мореходное училище. Но он не выдерживает конкурса и в декабре 1865 года нанимается в плавание в качестве «курсанта», или ученика лоцмана. До 1871 года он почти непрерывно будет находиться в плавании по всему свету: в Южной Америке, в Средиземном море, в северных морях. Будучи в Индии, он узнаёт о смерти матери, которая в своём завещании рекомендует ему «сделать карьеру, так как он совершенно не способен вызвать к себе расположение друзей семьи и может вскоре оказаться очень одиноким». Однако, прибыв в Париж в 1872 году, получает поддержку знакомого ему с детства друга матери Гюстава Арозы, биржевого дельца, фотографа и коллекционера современной живописи. Благодаря его рекомендациям Гоген получает должность биржевого брокера.

В 1873 году Гоген женится на молодой датчанке Мэтте-Софи Гад, вхожей в семью Ароза. Гоген становится и отцом: в 1874 году рождается сын Эмиль, в 1877 году — дочь Алина, в 1879 году — дочь Кловис, в 1881 году — сын Жан-Рене, в 1883 году — сын Поль. В последующие десять лет положение Гогена в обществе укреплялось. Его семья занимает все более комфортабельные квартиры, где особое внимание уделяется мастерской художника. Гоген, как и его опекун Ароза, «коллекционирует» картины, особенно импрессионистов, и понемногу пишет их сам.

С 1873—1874 года появляются его первые пейзажи, один из них будет выставлен в Салоне 1876 года. Гоген знакомится с художником-импрессионистом Камилем Писсарро до 1874 года, но их дружеские отношения завязываются с 1878 года. Гогена приглашают участвовать в выставках импрессионистов с начала 1879 года: коллекционера постепенно воспринимают всерьёз и как художника. Он проводит лето 1879 года у Писсарро в Понтуазе, где пишет сады и сельские пейзажи, похожие на пейзажи «мэтра», как и всё то, что он будет писать вплоть до 1885 года. Писсарро знакомит Гогена с Эдгаром Дега, который всегда будет поддерживать Гогена, покупая его картины и убеждая это делать Дюрана-Рюэля, торговца картинами импрессионистов. Дега станет владельцем около 10 полотен Гогена, в том числе «Прекрасная Анжела», «Женщина с плодом манго», или «Хина тефатоу»

В 1884 году Гоген переехал с семьёй в Копенгаген, где продолжал работать брокером. Однако после того, как стал заниматься живописью всё своё время, Поль оставляет жену и пятерых детей в Дании и возвращается в Париж в 1885 году.

В 1886—1890 годах Гоген почти всё время проводит в Понт-Авене (Бретань), где общается с группой художников, близких к символизму. Первый раз художник направился туда в 1886 году, желая отдохнуть от Парижа и немного сэкономить: жизнь там была заметно дешевле[4]

Остров Мартиника, куда Гоген уехал в 1887 году вместе с художником Лавалем, с которым он познакомился в Бретани, помог совершить в творчестве мастера эволюцию, сделав заметными в его работах японские влияния[4].

В 1887—1888 годах посетил Панаму, где наблюдал строительство Панамского канала. В 1888 году некоторое время жил у Ван Гога в Арле и работал с ним. Пребывание закончилось ссорой, связанной с одним из первых приступов помешательства у Ван Гога.

Испытывая с детства, проведённого в Перу (на родине матери), тягу к экзотическим местам и считая цивилизацию «болезнью», Гоген, жаждущий «слиться с природой», в 1891 году уезжает на Таити, где проживал в Папеэте и где в 1892 году пишет целых 80 полотен. После кратковременного (1893—1895) возвращения во Францию, из-за болезни и отсутствия средств он навсегда уезжает в Океанию — сначала на Таити, а с 1901 года на остров Хива-Оа (Маркизские острова), где берёт себе в жены молодую таитянку и работает в полную силу: пишет пейзажи, рассказы, работает журналистом. На этом острове он и умирает. Несмотря на болезни (в том числе проказу), бедность и депрессию, приведшую его к попытке самоубийства, лучшие свои работы Гоген написал именно там. Наблюдение над реальной жизнью и бытом народов Океании сплетаются в них с местными мифами.

Слава пришла к художнику после смерти, когда в 1906 году в Париже было выставлено 227 его работ. Влияние творчества Гогена на искусство XX века бесспорно.

Жизнь Гогена легла в основу романа Сомерсета Моэма «Луна и грош». В нём описывается простой английский брокер Чарльз Стрикленд, бросивший семью, работу и дом, для того чтобы заниматься живописью. В романе жизнь Гогена обрывается вследствие болезни проказой.

В честь Гогена назван кратер на Меркурии[5].

О последних годах жизни Гогена был снят биографический фильм с Дональдом Сазерлендом в главной роли «Волк на пороге» (1986). В 2003 году был снят очередной фильм с Кифером Сазерлендом в главной роли — «Найденный рай» (2003), в котором центральное место занимают непростые отношения художника с женой и его жизнь на Таити.

Галерея

Шьющая женщина (1880)
Видение после проповеди или Борьба Иакова с ангелом (1888)
Кафе в Арле (1888)
Жёлтый Христос (1889)
Женщина с цветком (1891)
Дух мёртвых не дремлет (1892)
А, ты ревнуешь? (1892)
Женщина, держащая плод (1893)
Её звали Вайраумати (1893)
Забава злого духа (1894)
Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём? (1897—1898)
Больше никогда (1897)
Сбор плодов (1899)
Натюрморт с попугаями (1902)

Поль Гоген в кино
Желтый дом (реж. Крис Дурлахер, 2007)
Найденный рай (реж. Марио Андриччион, 2003)
Волк на пороге / Овири / Гоген, нищета у порога (реж. Хеннинг Карлсен, 1986)
Гоген: дикарь и гений (реж. Филдер Кук, 1980)
Жажда жизни (реж. Винсенте Миннелли, 1956)
править | править вики-текст]
↑ data.bnf.fr: платформа открытых данных — 2011.
↑ artist list of the National Museum of Sweden — 2016.
↑ Поль Гоген. Биография (рус.). Проверено 1 июня 2011. Архивировано 22 августа 2011 года.
↑ Перейти к: 1 2 Ревалд Д. Постимпрессионизм. От Ван Гога до Гогена
↑ Поль Гоген (рус.). Проверено 1 июня 2011. Архивировано 22 августа 2011 года.
Ссылки[править | править вики-текст]
q: Поль Гоген в Викицитатнике
commons: Поль Гоген на Викискладе
Поль Гоген — Биография.
Бенгт Даниэлльсон. Гоген в Полинезии
Картины Поля Гогена
Галерея картин Поля Гогена
Поль Гоге́н (англ.)
Поль Гоген — Биография и известные картины
Жизнь и творчество Поля Гогена на сайте Картины Импрессионистов
Картины Поль Гоген

1844 - родился Васи́лий Дми́триевич Поле́нов (20 мая [1 июня] 1844, Санкт-Петербург — 18 июля 1927, усадьба Борок, Тульская область)

— русский художник, мастер исторической, пейзажной и жанровой живописи, педагог. Народный художник Республики (1926).

Молодые годы
Василий Поленов родился в многодетной, культурной дворянской семье 20 мая (1 июня) 1844 года в Петербурге.

Его отец, Дмитрий Васильевич Поленов, был известным археологом и библиографом. Мать, Мария Алексеевна, урождённая Воейкова, писала книги для детей, занималась живописью. Дядя художника, М. В. Поленов (1823—1882), был сенатором.

Ярким детским впечатлением Поленова были поездки на север, в Олонецкий край с его девственной природой, и в Ольшанку Тамбовской губернии, в имение бабушки В. Н. Воейковой. Вера Николаевна, дочь известного архитектора Николая Львова, воспитанная после ранней смерти родителей в доме Гаврилы Державина, хорошо ориентировалась в русской истории, знала народную поэзию, любила рассказывать внукам русские народные сказки, былины, предания. В этой атмосфере сформировался художественный вкус Поленова. Воейкова всячески развивала увлечение внуков живописью, поощряла творческое честолюбие, устраивала среди детей конкурсы, присуждая, как в академиях, за лучшую работу «медаль».

Наиболее одарёнными среди детей Поленовых оказались двое: старший сын Василий и младшая дочь Елена, ставшие впоследствии настоящими художниками. Детям были наняты педагоги по живописи из Академии художеств. Встреча с П. П. Чистяковым стала судьбоносной для таланта Поленова. Чистяков обучал рисунку и основам живописи Поленова и его сестру в 1856—1861 годах, сам, будучи ещё студентом Академии художеств. С самых первых занятий преподаватель требовал от учеников пристального изучения натуры.

В 1861—1863 годах Поленов учился в Олонецкой губернской мужской гимназии в Петрозаводске. В память об этом на здании установлена мемориальная доска.

В 1863 году, окончив гимназию, поступил, вместе с братом Алексеем, на физико-математический факультет Петербургского университета. По вечерам Поленов в качестве вольноприходящего ученика посещал Академию Художеств; занимался не только в рисовальных классах: ещё слушал лекции по анатомии, строительному искусству, начертательной геометрии, истории изящных искусств. Поленов был постоянным посетителем оперного театра и концертов, увлекался музыкой Вагнера, сам пел в студенческом хоре Академии, сочинял музыкальные произведения.

Вскоре Поленов стал постоянным учеником натурного класса Академии художеств. Затем временно оставил университет, полностью погрузившись в занятия живописью. В 1867 году окончил ученический курс в Академии художеств, получив серебряные медали за рисунки и этюд. Вслед за этим участвовал в двух конкурсах на золотые медали по избранному им классу исторической живописи. С января 1868 года возобновил занятия в университете, теперь — на юридическом факультете.

Первую зарубежную поездку Поленов совершил летом 1867 года, посетив Всемирную парижскую выставку. В экспозиции был большой раздел с произведениями народных художественных промыслов различных стран. Незабываемые впечатления от увиденного легли в основу диссертации, которую Поленов защитил в университете[1].

Обзор творчества[править | править вики-текст]
В 1869 году за картину «Иов и его друзья» Поленов получил малую золотую медаль, а в 1871 году (одновременно с Ильёй Репиным) за конкурсную работу «Христос воскрешает дочь Иаира» — большую золотую медаль[2].

Окончив одновременно университетский курс по юридическому факультету в 1872 году, Поленов отправился за границу в качестве пенсионера академии. Посетил Вену, Мюнхен, Венецию, Флоренцию и Неаполь, длительное время жил в Париже и написал там в числе прочего картину «Арест графини д’Этремон», обеспечившую ему в 1876 году звание академика[1].

Летом 1874 года работает в Нормандии (курортное местечко Вёль[fr]), куда его пригласил И. Е. Репин, находившийся там также в качестве пенсионера академии. Здесь Поленов открывает новые для себя задачи пейзажной живописи («Нормандский берег», «Рыбацкая лодка. Этрета. Нормандия»).

Возвратившись в 1876 году в Россию, вскоре отправился на русско-турецкую войну, в продолжение которой состоял официальным художником при главной квартире наследника-цесаревича (впоследствии императора Александра III).

С 1870-х Поленов много работал в области театрально-декорационной живописи. В 1882—1895 годах художник преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где в числе его учеников были И. И. Левитан, К. А. Коровин, И. С. Остроухов, А. Е. Архипов, А. Я. Головин и Е. М. Татевосян[1].

В 1877 Поленов поселился в Москве. Спустя год на VI Передвижной выставке Поленов показывает ставшую впоследствии его визитной карточкой картину «Московский дворик», написанную с натуры в арбатском переулке. После её оглушительного успеха художник становится родоначальником нового жанра — «интимного пейзажа»[4]. С 1879 года состоял членом Товарищества передвижных художественных выставок. Приобретает славу мастера эпического пейзажа, которую затем преумножит, поселившись на Оке и совершив путешествия по местам, связанным с колыбелью христианства.

В 1881—1882 отправляется в своё первое путешествие на Ближний Восток и по библейским местам: в Константинополь, Палестину, Сирию и Египет, откуда привозит эскизы и наброски к масштабному полотну «Христос и грешница», а также другие картины, написанные в найденной Поленовым в поездке новой для себя манере письма.

В 1883—1884 в Италии продолжает работу над картиной «Христос и грешница», в 1887 она экспонируется на XV-ой выставке передвижников.

В 1888 пишет картину «На Тивериадском (Генисаретском) озере».

Дом на Оке
Будучи от рождения городским жителем, Поленов очень любил ширь бескрайних полей, широколиственные густые леса, спускающиеся к могучим рекам. Мечтал поселиться на лоне природы. В 1890 приобрёл небольшое имение Бёхово в Тульской губернии, на высоком берегу над Окой. В тихом месте, в сосновом бору, чуть в стороне от села на деньги, вырученные от продажи картины «Христос и грешница»[5], построил дом по собственному оригинальному проекту, и при доме художественные мастерские. Усадьба была названа Борок. Там Поленов много и продуктивно работал, охотно приглашал к себе сельских детей, проводил для них познавательные занятия и представления, развивал художественный вкус. По замыслу Поленова, усадьба должна была стать «гнездом художников», а со временем превратиться в первый провинциальный общедоступный музей. Поленов построил народный театр для крестьян и церковь в Бёхове.

В настоящее время в усадьбе Борок (современное название Поленово) находится Государственный мемориальный историко-художественный и природный музей-заповедник В. Д. Поленова, где сохранилась уникальная обстановка, интерьер, мебель, библиотека и предметы быта хозяина. Его первым директором был сын художника, биолог, профессор Московского университета Дмитрий Васильевич Поленов (1886—1967).[4][6][7]

В 1899 во второй раз отправился на Ближний Восток с целью сбора материала для грандиозной евангельской серии «Из жизни Христа», которую завершил в 1909. Выставка этих картин имела большой успех и на момент экспозиции стала центральным событием в мире живописи.

В связи с ролью великого князя Владимира Александровича в событиях «Кровавого воскресенья» в январе 1905 г. Поленов и Валентин Серов вышли из состава Академии художеств, президентом которой был Владимир Александрович[8].

В 1906 — в Большом зале Московской консерватории исполнена опера Поленова «Призраки Эллады».

В 1907 путешествует по Германии и Италии. В 1910—1911 — снова посещает Европу.

В 1910—1918 годах Поленов вёл в Москве просветительскую деятельность, участвовал в организации народного театра.

В 1914 в Москве устраивается выставка картин цикла «Из жизни Христа» для сбора средств в пользу раненых в Первой мировой войне.

В 1915—1916 годах по инициативе и эскизам Поленова архитектор О. О. Шишковский возвёл на Зоологической улице в Москве Дом для Секции содействия устройству деревенских, фабричных и школьных театров; с 1921 года это Дом театрального просвещения имени академика В. Д. Поленова («Театральный дом»).

В 1918—1919 живёт в Борке, пишет картину «Разлив на Оке».

В 1924 прошла первая персональная выставка в Государственной Третьяковской галерее, посвящённая 80-летию художника.

В 1926 Поленову присвоено звание народного художника Республики.

Поленов очень любил лето, а длинные июльские дни, когда берёза достигает полного листа, называл «центральными» в году. Именно в такой день, будучи в глубоко преклонном возрасте, он и ушёл из жизни.

Художник скончался 18 июля 1927 года в своей усадьбе и был похоронен на сельском кладбище в селе Бёхово на крутом берегу Оки, где он так часто любил рисовать этюды.[1] Над его могилой, согласно завещанию, установлен олонецкий крест. В имении Имоченицы Олонецкой губернии 10-летний городской житель Вася Поленов когда-то впервые близко познакомился с природой.

Семья
Основная статья: Поленовы
В. Д. Поленов был женат с 1882 на Наталье Васильевне Якунчиковой (1858—1931),[1] дочери московского купца и промышленника В. И. Якунчикова. От этого брака родилось шесть детей: двое сыновей (один из которых, Федя, умер во младенчестве) и четыре дочери.

Поленов, Алексей Яковлевич
Поленов, Василий Алексеевич + первый брак — Марья Андреевна (ур. Хоненева) (1786—1814) + второй брак — Елена Матвеевна (ур. Бороздина) († 05.12.1856)
Поленов, Матвей Васильевич (1823—1882) — русский юрист, сенатор Правительствующего Сената, тайный советник
Поленов, Дмитрий Васильевич (1806—1878) — археолог, библиограф + Мария Алексеевна, урожденная Воейкова
Хрущова, Вера Дмитриевна (1844—1881)[10] + Хрущов, Иван Петрович (1841—1904). Брак бездетный.
Поленова, Елена Дмитриевна (1850—1898) — художница
Поленов, Василий Дмитриевич — художник + Наталья Васильевна Якунчикова
Поленов, Федя (1884—1886)
Поленова-Ляпина, Мария Васильевна (1891—1976). С 1924 — в эмиграции
Наталья Васильевна (младшая) (1898—1964)
Сахарова-Поленова, Екатерина Васильевна + Сахаров, Константин Вячеславович
Поленова, Ольга Васильевна (1894-?)
Поленов, Дмитрий Васильевич (1886—1967) + Анна Павловна
Поленов, Фёдор Дмитриевич (1929—2000) + Лобанова, Ирина Николаевна.
Лев Федорович Поленов+ Золотова,Елена Михайловна.
Поленовский Дом[править | править вики-текст]
В декабре 1915 года на Медынке (ныне Зоологическая, 13)[11][12] был торжественно открыт "Поленовский Дом" — первое в мире учреждение, осуществлявшее помощь деревенским и фабричным театрам. Он был создан русским художником В.Д. Поленовым и промышленником-меценатом С.И. Мамонтовым в результате преобразования «Комиссии содействия устройству деревенских театров» при «Союзе сценических деятелей», образованной в 1909 году.

В 1915—1916 году для «Поленовского дома» был построен необычный особняк архитектором Осипом Шишковским[11] (по эскизам и собственному оригинальному проекту Василия Поленова, на его же средства, при поддержке Саввы Мамонтова). В здании располагались зрительный зал на 300 мест, библиотека, кабинеты для репетиций, мастерские, прокатный склад портативных декораций. Деятельность Поленовского Дома не прерывалась в самые трудные дни революционного лихолетья и гражданской войны. Любительские и профессиональные театры подчинили Наркомпросу как «Подотдел рабоче-крестьянского театра» ТЕО Наркомпроса.

В январе 1921 года Подотдел РКТ был преобразован в Дом театрального просвещения имени академика В.Д. Поленова («Театральный дом») для Секции содействия устройству деревенских, фабричных и школьных театров. В это время в Доме организуются новые отделы: литературный, музыкальный, школьного театра, художественно-технический. Начинает выходить журнал «Народный театр».

С 1925 года основным направлением ДТП им. В.Д. Поленова становится развитие сельской художественной самодеятельности.

19 февраля 1930 года "Поленовский Дом" получает новое название - Центральный Дом самодеятельного искусства в городе и деревне им.Н.К. Крупской (ЦДИСК). Затем решением Наркомпроса одобрен проект создания краевых и областных домов искусств. Первые 19 ДИСКов стали основой вновь создаваемой методической службы народного творчества. Их организаторами были выпускники трехгодичных мастерских Центрального Дома.

В 1936 году ЦДИСК был преобразован во Всесоюзный Дом народного творчества им. Н.К. Крупской Комитета по делам искусств при Наркомпросе СССР. В этом качестве он просуществовал до 1958 года, осуществляя методическое руководство художественной самодеятельностью всего Советского Союза.

В 1958 году ВДНТ был переименован в Центральный дом народного творчества (ЦДНТ). А в 1978 году он получил новое здание в Сверчковом переулке.

В 1979 году ЦДНТ стал Всероссийским научно-методическим центром народного творчества и культурно-просветительной работы им. Н.К. Крупской. В новом здании в Сверчковом переулке, Дом расширяет свою выставочную деятельность. В фойе второго этажа организуются небольшие камерные, но очень современные по своему наполнению экспозиции. Перед перестройкой ВНМЦ вступила в Международную организацию по народному творчеству при ЮНЕСКО (IOV). 80-е годы стали временем оживления международных контактов ВНМЦ. Работая на основе договоров о сотрудничестве с коллегами из стран социализма, они обменивались рабочими визитами и знакомились с опытом друг друга.

В 1991 г. ВНМЦ был преобразован в Государственный Российский Дом народного творчества, сохранив за собой роль головной методической организации в сфере поддержки, сохранения и развития народного художественного творчества и культурного наследия народов Российской Федерации. Функции по культурно-досуговой деятельности переданы вновь организованному в то самое время Центру ремесел. После расформирования Министерства культуры СССР и Всесоюзного НМЦ в коллектив ГРДНТ влились новые сотрудники. Ныне директор ГРДНТ: Пуртова Тамара Валентиновна. Адрес ГРДНТ: Сверчков переулок, 8, строение 3.-->

29 декабря 2016 года Государственному Российскому Дому народного творчества, как учреждению-правопреемнику "Поленовского дома", по письменному согласованию с представителями семьи наследников художника - правнучкой Н.Ф. Поленовой – директором музея заповедника В.Д. Поленова и невесткой сына Н.Н. Грамолиной - заместителем директора по научной работе музея-заповедника В.Д. Поленова, в соответствии с утвержденным приказом Министерства культуры РФ от 1 июня 2011 №686, вернули историческое имя русского художника, академика живописи В.Д. Поленова.

Память[править | править вики-текст]
В январе 1921 года в Москве был создан Дом театрального просвещения имени Василия Дмитриевича Поленова. В 1925 году он был переименован в Центральный Дом искусства в деревне имени Василия Дмитриевича Поленова. Приказом Наркомпроса РСФСР от 19 февраля 1930 года был переименован в Центральный дом народного творчества имени Надежды Константиновны Крупской[13]
29 декабря 2016 года Государственному Российскому Дому народного творчества возвращено историческое имя В.Д. Поленова.
В Петрозаводске на бывшем здании Олонецкой губернской мужской гимназии, где обучался Василий Поленов (ныне в здании расположен Музей изобразительных искусств Республики Карелия), установлена мемориальная доска в честь Василия Поленова.
В честь В. Д. Поленова астроном Крымской Астрофизической Обсерватории Людмила Карачкина назвала астероид (4940) Polenov, он был открыт 18 августа 1986 года.
В 2010 году в издательстве «Молодая гвардия» была выпущена книга М. И. Копшицера «Поленов» из серии «Жизнь замечательных людей».[14]
Государственный музей-усадьба Василия Дмитриевича Поленова (село Поленово).

Главные произведения[править | править вики-текст]
«Московский дворик» (1878)
«Бабушкин сад» (1879)
«Лето» (1879)
«Заросший пруд» (1880)
«Больная» (1886)
«Христос и грешница» (1887)
«Золотая осень» (1893)
«Исполнялся премудрости» (1896—1909)

1770 - скончался Франсуа́ Буше́ / François Boucher/( 29 сентября 1703, Париж — 30 мая 1770) — французский живописец, гравёр, декоратор. Яркий представитель художественной культуры рококо.

Создал многочисленные серии гравюр, иллюстрировал книги Овидия, Боккаччо, Мольера. Работал во многих видах декоративного и прикладного искусства: создавал декорации для опер и спектаклей, картины для королевских шпалерных мануфактур; выполнял орнаментальные росписи изделий севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и т. п.

Творчество Буше-живописца исключительно многогранно, он обращался к аллегорическим и мифологическим сюжетам, изображал деревенские ярмарки и фешенебельную парижскую жизнь, писал жанровые сцены, пасторали, пейзажи, портреты.

Буше был удостоен множества почестей, включая звание придворного художника (1765 год). Активно привлекался к украшению резиденций короля и мадам де Помпадур, частных особняков Парижа. Фаворитка Людовика XV маркиза де Помпадур, которую он запечатлел на нескольких портретах, была его поклонницей. В последние годы жизни был директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем короля»[5]. Лучшие работы Буше отличаются необыкновенным очарованием и совершенным исполнением[6].

Ранние годы
Франсуа Буше родился в Париже 29 сентября 1703 года. Его отец, Николя Буше, был художником. Он зарабатывал на жизнь рисованием гравюр и узоров для вышивки. С ранних лет Франсуа помогал отцу в мастерской.

Отец, обнаружив у своего сына талант, определил его в ученики к Франсуа Лемуану. У Лемуана Буше провёл несколько месяцев и вспоминал о нём впоследствии без большой благодарности[7].

В семнадцать лет Буше поступил в мастерскую гравёра Жана-Франсуа Карса, что позволило ему самостоятельно зарабатывать на жизнь, а также завести полезные знакомства — с высокопоставленными клиентами своего наставника.

1722—1730 годы[править | править вики-текст]
С 1720 года Буше занимался у Ф. Лемуана, известного мастера-монументалиста; затем работал в мастерской гравера Ж. Ф. Кара-старшего, изучая искусство оформления книг и гравюру.

В 1722 году ему было поручено иллюстрировать новое издание «Французской истории» Габриэля Даниеля, а в 1723 году он получил академическую премию за картину «Евил-меродах, сын и наследник Навуходоносора, освобождающий из оков царя Иоахима»[8].

Участие в 1722—1723 годах в создании офортов для «Сборника Жюльена», в котором воспроизводились в гравюре все произведения Антуана Ватто, позволило ему познакомиться с работами этого художника, усвоить его композиционные приёмы[9].

В 1723 году Франсуа Буше победил в конкурсе на Римскую премию Королевской академии живописи и ваяния. Эта победа давала ему право на обучение в Риме, но в итальянском филиале академии не нашлось для победителя вакантного места. Отправиться в путешествие по Италии молодому художнику удалось лишь в 1727 году. В Риме на него произвели особенно сильное впечатление декоративные работы Пьетро да Кортона и Джованни Ланфранко. Несомненно, художник был знаком и с венецианской традицией монументально-декоративной живописи, хотя неизвестно, ездил ли он в Венецию; позже Буше стал коллекционировать рисунки Тьеполо[10]. Пейзажи «Вид Тиволи» (Музей искусств и архитектуры, Булонь-сюр-мер) и «Вид садов Фарнезе» (Метрополитен-музей, Нью-Йорк) исполнены на основании итальянских впечатлений. Уже в них проявился незаурядный декоративный дар художника, умеющего строить композиции на сочетании ритмики целого и характерной детали[9].

1731—1760 годы
Портрет Мари-Жанны Бюзо (1717—1796) работы Александра Рослина (выставлен в Салоне 1761 года)
Мюнхен, Дворец Нимфенбург
Портрет жены художника
Этот период был временем расцвета таланта Буше. Он создает полотна на мифологические и библейские сюжеты, пишет пасторали, сцены в интерьере, пейзажи, создает декорации к балету «Персей» (1746) и опере-балету «Галантная Индия» (1735), работает для мануфактур гобеленов и фарфора.

Вернувшись из Италии в 1731 году, Буше почти сразу же стал кандидатом в Королевскую академию по отделению исторической живописи, а уже в 1734 году его утвердили как полноправного члена академии за картину «Ринальдо и Армида» (1734). Первые годы после итальянского путешествия почти полностью посвящены рисунку, копированию и гравюре.

В 1733 году он женился на семнадцатилетней Мари-Жанн Бюзо, с которой написаны многие «нимфы» Буше. Чуть позже он стал преподавать в академии, сначала как ассистент (1735), а затем — как мастер (1737). Но, несмотря на это, Буше в то время был ограничен в средствах.

С конца 1730-х годов работал в театральной декорации и на мануфактуре Бове, где создавал картоны для ковров.

В 1737 году Буше стал профессором Академии. В 1730—1740-х годах он получил большие официальные заказы на росписи апартаментов в Версале — в комнате Королевы («Королевские добродетели», 1735), в Малых апартаментах («Охота на тигра», «Охота на крокодила», обе — 1736, Амьен, Музей изящных искусств), в апартаментах дофина («Венера и Вулкан», 1747, Париж, Лувр), а также в Королевской библиотеке Парижа («История», 1743—1746, Париж, Национальная библиотека). Он проявил в них изощрённую фантазию, изображая мифологические и аллегорические сцены с пикантной занимательностью и грацией, ценимыми в эпоху рококо[11].

В 1742—1748 годах он занимал должность декоратора парижской Оперы. С 1755 (по другим версиям — 1757[11]) по 1767 год Буше был директором Королевской мануфактуры гобеленов.

1761—1770 годы[править | править вики-текст]
С 1760 года Буше терял былую популярность. В 1761 году стал ректором Королевской академии, в 1765 году — директором. За несколько месяцев до смерти его избирали почётным членом Петербургской академии художеств.

30 мая 1770 года Буше скончался.

Творчество
Пейзажи и пасторали[править | править вики-текст]
Написанные им в этот период пейзажи окрестностей Бове и Парижа словно перешли со шпалер или эскизов декораций, для которых они создавались, на станковые полотна. Эти красивые декоративные композиции могли быть использованы как фон в любой пасторальной сценке. Непосредственные жанровые наблюдения сочетаются в них с обобщенно и декоративно решенным общим построением композиции («Ферма», Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва; «Утро в деревне», 1740-е годы, Старая пинакотека, Мюнхен; «Пейзаж с отшельником», Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва).

С темой сельских пейзажей связаны и пасторали Буше, тоже строящиеся по принципу театральной декорации: с площадкой для актеров, кулисами и уподобленным играющим на сцене молодым миловидным поселянам, занятым отдыхом или выяснением любовных отношений («Вознагражденная покорность», Музей искусств, Ним; «Прекрасная кухарка», 1738, Музей Коньяк-Же; «Отдых крестьян», частное собрание, Флорида)[9].

Мифологические и библейские сцены[править | править вики-текст]
Декоративный талант и фантазия художника проявились и в мифологических сценах. Они изображались на фоне воображаемых античных построек. Сцены эффектны по композиции, написаны в свободной живописной манере и яркой серебрящейся красочной гамме, в чём проявилось увлечение художника манерой Дж. Б. Тьеполо («Аврора и Кефал», Музей искусств, Нанси; «Геркулес и Омфала», 1730-е, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва; «Венера просит Вулкана выковать оружие для Энея», Лувр).

Его картины эффектны по композиции, исполнены динамичным мазком. Буше любил не только использование определенных нескольких цветов (обыгрывая их тональные вариации или, напротив, локальные сочетания), но и броские приемы. Он то прибегал к обильным лессировкам, придавая живописи вид миниатюры или фарфоровой поверхности, то писал свободными жидкими мазками, подражая манере Дж. Б. Тьеполо, а в палитре — колориту венецианских «виртуозов». Он был интерпретатором многих манер, ощущая творческую свободу как подлинный мастер XVIII столетия[11].

Излюбленной темой Буше были сцены из истории Юпитера («Юпитер и Каллисто», 1744, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва; «Леда и лебедь», Национальная галерея, Стокгольм) с изображением чувственных розовых тел нимф, наяд, амуров. Со столь же великолепным мастерством выписаны тела богинь и аксессуары в полотнах «Купание Дианы» (1742, Лувр) и «Туалет Венеры» (Метрополитен-музей). Яркие краски приведены в них к единой сияющей золотистой гамме, напоминающей палитру венецианских мастеров.

Образы мира безмятежного, полного чувственными наслаждениями жизни переданы в полотнах «Купание Дианы» (1742, Париж, Лувр), «Венера, утешающая Амура» (1751, Вашингтон, Национальная галерея искусства). За эти не соответствовавшие чаяниям века Просвещения сюжеты он подвергся суровой критике Дидро, писавшего, что «его распутство должно пленять щеголей, легкомыслящих женщин, молодежь, людей света, то есть всех тех, кому чужды истинный вкус, правдивость».

В духе академической традиции художник пишет и библейские сцены («Жертвоприношение Гидеона», Лувр; «Иосиф, представляемый отцом и братьями фараону», Художественный музей, Колумбия); отсутствие внутреннего драматизма восполняется в них эмоциональной живописной манерой и ярким колоритом.[9]

Жанровые сцены[править | править вики-текст]
В жанровых сценах в интерьере Буше с большим мастерством не только передает детали изображаемых будуаров, костюмы персонажей — дам, занятых туалетом и беседой со служанками, расположившихся за столом матерей или гувернанток с детьми, — но и умеет придать сцене занимательность, объединить всех общим настроением («Утро», 1745, Национальная галерея, Стокгольм; «Завтрак», Лувр)[9].

Портреты
Буше не был портретистом, но часто писал свою покровительницу, фаворитку Людовика XV мадам де Помпадур. В её первом портрете (1756, частное собрание) и недатированном портрете из собрания Лувра она изображена в зелёном шелковом платье с книгой и у фортепьяно на фоне изысканно, по моде обставленного будуара в своем замке в Бельвю.

Все полотна исполнены в серебристой оливково-коричневой гамме. Знатная заказчица позирует с книгой или у фортепьяно, на фоне модной обстановки будуара, кабинета или гостиной своего замка Бельвю. Буше любил сочетание нескольких доминирующих цветов, сводя к ним свою палитру, но всегда стремясь к изысканным тональным их соотношениям. В Салоне 1765 года Дидро писал, что «его манера широка и величественна» и что у него «сильный и верный цвет». Декоративная импозантность, присущая идеальному портрету, сочетается в образах маркизы де Помпадур с передачей интимного, личного чувства, что придает им более камерный тон.

В портретах мадам де Помпадур передано сходство, но в целом художник следует, как и в других своих «женских головках» (в живописи и в пастели), воспроизведению модного идеала красоты с кукольным личиком, миндалевидными глазами, маленьким носиком и ртом-сердечком — это «портреты состояния», распространенные в 18 столетии («Женская головка», или «Пробуждение», Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва).

В «портретах-состояниях» (этот жанр был распространен в XVIII столетии) или в «одалисках» Буше часто прибегает к изображению модного типа грациозной красоты с кукольным капризным розовым личиком. Таковы его женские образы в картинах «Темноволосая одалиска» (1745, Париж, Лувр) и «Светловолосая одалиска» (Мюнхен, Старая пинакотека). Они не лишены пикантной эротики и исполнены с большим живописным мастерством. Не менее тонки по найденным цветовым сочетаниям изображения женских головок в технике живописи маслом и в пастели («Женская головка, или Пробуждение», 1730-е, Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина)[11].

Рисунки
Прекрасный рисовальщик, Буше работал не только в технике пастели, но и гуаши; любил сочетать чёрный и белый мел с сангиной, то есть исполнял рисунок «в три карандаша» по тонированной коричневым тоном бумаге, что создавало изысканные цветовые эффекты. Для шпалерной мануфактуры он создал более 40 эскизов для шести серий шпалер («Сельские празднества», «История Психеи», «Китайская серия», «Любовь богов» и др.). Рисунки Буше использовались для украшения фарфора и изготовления фигурок из бисквита с изображением детей и пасторальных сцен («Едоки винограда», «Маленький садовник», «Продавец бубликов», все в Эрмитаже)[9].

Декорации и гравюры
Буше делал декорации для опер и спектаклей и картоны для гобеленов мануфактуры Бове; две серии картонов, «Итальянские деревенские праздники» (1736) и «Благородная пастораль» (1755), находятся в коллекции Хантингтон в Сан-Марино (Калифорния).

Достойны внимания многочисленные серии гравюр Буше, среди которых иллюстрации к произведениям Мольера и других авторов, а также серия «Крики Парижа» с изображениями уличных сценок[10].

Восток в творчестве художника
Основная статья: Игра в китайские шахматы

Игра в китайские шахматы, гравюра из коллекции музея Метрополитен
Сцены из жизни народов Востока, особенно Китая, увлекали Франсуа Буше, как и его современников-аристократов и буржуа эпохи рококо. Известно, что он собирал предметы восточного быта. Они впоследствии были выставлены на распродаже его коллекции произведений искусства в 1771 году. На гравюре «Игра в китайские шахматы» Буше запечатлел китайскую национальную игру сянци (аналог шахмат).

Позднее творчество[править | править вики-текст]
В позднем творчестве Буше начинает изменять чувство цвета. В его произведениях появляется сопоставление ярких локальных цветов, придающих «ковровость» его живописи. Он по-прежнему создает пейзажи («Пейзаж с рыбаком и его друзьями», 1770, Метрополитен-музей), картины на библейские сюжеты, декоративные композиции в медальонах с пышно оформленными в стиле рококо обрамленьями (они обычно размещались или над дверями, или над зеркалами). У него постепенно вырабатывается легкий, но эффектный штамп, так как от него требуют повторения работ. За это Буше подвергался критике Дидро, всегда, однако, высоко ценившего его дарование.

Ученики[править | править вики-текст]
Его самый талантливый ученик Ж. О. Фрагонар унаследовал от него внешнее изящество, свободу композиции и смелость колорита, но он попытается соединить их с большей эмоциональной внутренней углубленностью в передаче образов и сюжетов.

Дружеские связи соединяли Буше со шведским художником Густафом Лундбергом, находившимся под обаянием его творчества. Лундбергу принадлежит и наиболее известный портрет Буше.

Критика
Современное французское искусствоведение оценивает искусство Буше невысоко. Признавая превосходную технику художника, критики отмечают «слащавость» его работ, его неидеальный художественный вкус, а также общую «буржуазность» или «мещанистость» его стиля[источник не указан 663 дня].

Список произведений
Художник в своей мастерской (автопортрет), 1720, Лувр, Париж.
Диана после охоты, холст, масло, 37 x 52 см, Музей Коньяк-Же, Париж.
Геркулес и Омфала, 1731—40 гг., холст, масло, 90 х 74 см, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва.
Венера, просящая у Вулкана оружие для Энея, 1732 г., холст, масло, 252 x 175 см, Лувр, Париж.
Портрет Мари Бьюзо, жены художника, 1733.
Похищение Европы, 1732-34 гг., холст, масло, 231 x 274 см, Собрание Уоллеса, Лондон.
Ринальдо и Армида, 1734 г., холст, масло. 135,5 x 170,5 см, Лувр, Париж.
Триумф Пана, 1736 г., Национальная галерея, Лондон.
Завтрак, 1739, Лувр, Париж.
Рождение Венеры, 1740 г., холст, масло, 130 x 162 см, Национальный музей, Стокгольм.
Триумф Венеры, 1740 г., холст, масло, Национальный музей, Стокгольм.
Леда и Лебедь, 1741 г., холст, масло, частная коллекция.
Диана, отдыхающая после купания, 1742 г., холст, масло, 56 x 73 см, Лувр, Париж.
Диана после охоты, 1742 г., Музей Коньяк-Жэ, Париж.
Обучение Купидона, 1742 г., Музей Шарлоттенбурга, Берлин.
Туалет, 1742, холст, масло, частная коллекция.
Пейзаж с отшельником, 1742, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва.
Юпитер и Каллисто, 1744 г., холст, масло, 98 х 72 см, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва.
Одалиска на синей софе, 1745, Лувр, Париж.
Портрет мадам Бержере, 1746.
Летняя пастораль, 1749.
Аполлон предстает перед пастушкой в облике бога, 1750 г., Музей изящных искусств, Тур.
Венера, обезоруживающая Купидона, 1751 г.
Туалет Венеры, 1751 г., холст, масло, 108,3 x 85,1 см, Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Венера, утешающая Амура, 1751 г., холст, масло, Национальная галерея искусств, Вашингтон.
Мельница, 1751, холст, масло, 66 x 84 см, Лувр, Париж.
Портрет мадемуазель О’Мерфи (Светловолосая одалиска), 1752, Старая пинакотека, Мюнхен.
Закат Солнца, 1752 г., Собрание Уоллеса, Лондон.
Восход Солнца, 1753 г., Лондон.
Визит Венеры к Вулкану, 1754 г., холст, масло, Собрание Уоллеса, Лондон.
Портрет маркизы де Помпадур, 1756 г., Старая пинакотека, Мюнхен.
Вулкан, вручающий Венере оружие для Энея, 1757 г., холст, масло, 320 x 320 см, Лувр, Париж.
Юпитер в облике Дианы, соблазняющий Каллисто, 1759 г., Музей искусств Нельсона-Аткинсона, Канзас-сити.
Портрет маркизы де Помпадур, 1759, холст, масло, 91 x 68 см, Собрание Уоллеса, Лондон.
Пан и Сиринга, ок. 1762 г., Музей Прадо, Мадрид.
Пигмалион и Галатея, 1767 г., Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

1871 - РОДИЛСЯ Жорж Руо (фр. Georges Henri Rouault; 27 мая 1871, Париж — 13 февраля 1958, там же) — французский живописец и график, наиболее крупный представитель французского экспрессионизма.

Родился в бедной семье, в рабочем квартале рядом с кладбищем Пер-Лашез. Первые дни жизни прошли под грохот пушек, громивших баррикады Парижской коммуны. Дед, почтовый служащий, был коллекционером-любителем, собирал гравюры Калло, литографии Домье. Отец, ремесленник по профессии, христианский социалист по убеждениям, отдал сына в протестантскую школу. С 1885 года Руо два года учился у художника-витражиста, потом, с 1891 года — в Академии изящных искусств у символиста Гюстава Моро, был его любимым учеником, а после смерти мастера (1898) стал хранителем его музея.

Зрелость и творческие связи[править | править вики-текст]
Познакомился с учениками Моро Матиссом, Марке, стал одним из основателей Осеннего Салона (1903). Сблизился с католическим писателем Леоном Блуа. Выставлялся вместе с фовистами, но держался в стороне от их декоративности, скорее продолжая линию Ван Гога.

С 1907 года в круг постоянных тем живописи и графики Руо вошли судьи, клоуны, проститутки. Они приобрели характер аллегорий, выстраиваясь вокруг основного аллегорического образа зрелой живописи Руо — фигуры Христа (нередко — Христа и Магдалины). Дружил с религиозным философом Жаком Маритеном. В 1910 году персональная выставка Руо прошла в столичной галерее Друэ. Его живопись вдохновляла немецких живописцев, впоследствии составивших ядро экспрессионизма.

При этом художник жил в крайней бедности. Только в 1917 году Руо подписал с известным коллекционером и торговцем картинами Амбруазом Волларом контракт, обеспечивший ему на десятилетия некоторый достаток и свободу в работе.

Признание[править | править вики-текст]
В 1921 году была опубликована первая монография о творчестве Руо, в 1924 году его большая ретроспективная выставка прошла в галерее Друэ, художник получил от французского правительства орден Почётного легиона. В 1929 году Руо создал декорации и костюмы для постановки Джорджем Баланчиным балета С. С. Прокофьева «Блудный сын» в парижском Театре Сары Бернар. Начиная с 1930-х годов его живопись и графика вызывают международный интерес. C 1939 году, после гибели Воллара, началась многолетняя тяжба Руо с наследниками Воллара. В ходе её он демонстративно сжёг в 1948 году более трёхсот своих работ.

Известность Руо росла, его выставки проходили в Лондоне, Нью-Йорке, Чикаго, Бостоне, Вашингтоне, Сан-Франциско, Нью-Йорке. Он с успехом участвовал в Венецианской Биеннале 1948 года. Восьмидесятилетие художника в 1951 году отмечалось Католическим центром французских интеллектуалов в столичном Дворце Шайо, он стал командором ордена Почётного легиона, папского Ордена Святого Григория Великого. После смерти художника французское государство устроило ему официальные похороны.

Литература о художнике
Charensol G. Georges Rouault, l’homme et l’oeuvre. — P.: Éditions des Quatre chemins, 1926
Venturi L. Georges Rouault. — N. Y.: E. Weyhe, 1940.
Maritain J. Georges Rouault. — N. Y.: H.N. Abrams, 1954.
Courthion P. Rouault. — N. Y.: Harry N. Abrams, Inc., 1961.
Getlein F., Getlein D. George Rouault’s Miserere. — Milwaukee: Bruce, 1964.
Hommage à Georges Rouault. — P.: Société internationale d’art «XXe siècle», 1971.
Dyrness W. A. Rouault: A Vision of Suffering and Salvation. — Grand Rapids: William B. Eerdmans, 1971.
Georges Rouault, the graphic work. — San Francisco: Alan Wofsy Fine Arts, 1976.
Georges Rouault, 1871—1958: catalogue raisonne. / ́ Danielle Molinari, Marie-Claire Anthonioz, eds. — P.: Musée d’art moderne de la ville de Paris, 1983.
Georges Rouault et le cirque. — Chambéry: Comp’act, 2004.
Костеневич А. Г. Жорж Руо. — СПб.: Изд-во Государственного Эрмитажа, 2004.

Ссылки
Работы в музеях мира
Цикл Miserere
Жорж Руо — Воспоминания художника

1494 - родился Понтормо (настоящее имя Якопо Каруччи /Jacopo Carucci/(24 мая 1494, Понтормо, ныне пригород Эмполи — 2 января 1557, Флоренция)

— итальянский живописец, представитель флорентийской школы, один из основоположников маньеризма.

Творчество
В десятилетнем возрасте, потеряв отца, Понтормо отправился во Флоренцию, где и провёл всю свою жизнь. Он учился у Пьеро ди Козимо и Андреа дель Сарто. В ранних работах сказывается влияние Леонардо да Винчи и Сарто (роспись люнеты на вилле Медичи в Поджо-а-Кайано). Позднее большое влияние на его творчество оказало знакомство с гравюрами Дюрера. Постепенно Понтормо отходит от традиции Ренессанса. Значительные работы: «Христос в Эммаусе», 1525, Уффици, Флоренция; «Мадонна со святым Иосифом и Иоанном Крестителем», Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Встреча Марии и Елизаветы», церковь Сан-Микеле, Карминьяно, 1528—1530.

«Снятие с креста»
Одной из лучших считается «Снятие с креста» (1528, Флоренция, церковь Санта-Феличита[en]). В картине отсутствует ясность пространственных отношений, фигуры приближены к переднему плану. Отсутствие твёрдой опоры композиции создает впечатление неустойчивости, подчёркивает драматизм и напряжённость одного из первых произведений зарождающегося маньеризма.


Образ в искусстве
Жизни художника посвящён фильм Понтормо (реж. Джованни Фаго (итал.)русск., Италия), в заглавной роли — Джо Мантенья.
Литература[править | править вики-текст]
С. Дзуффи. Большой атлас живописи. — М.: Олма-Пресс, 2002. — С. 116,117. — 431 с. — ISBN 5-224-03922-3.
Летта Э. М. Понтормо. Россо Фьорентино [1994]. Пер. с итальянского М. И. Майская. М., 1998.
Дажина В. Д. Влияние зрелищно-карнавальной и театральной культуры Возрождения на творчество раннего Понтормо // Советское искусствознание `79.1. М. 1980. С. 104-122
Дажина В. Д. Портретное творчество Понтормо (к проблеме генезиса раннеманьеристического портрета) // История и теория мировой художественной культуры. Вып. 2. Образ человека в литературе и искусстве. М., 1996. С. 150-161.
Дажина В. Д. Росписи Якопо Понтормо в хоре церкви Сан Лоренцо // Искусство и культура Италии эпохи Возрождения и Просвещения. М., 1997. С. 106-120.
Галерея[править | править вики-текст]
Святой Иероним. 1525-1530. Музей Земли, Нижняя Саксония, Ганновер
Снятие с креста. 1525-1528. Алтарная картина в капелле Каппони церкви Санта-Феличита во Флоренции

В День Победы 9 мая Леонид Агутин написал стихи, посвященные своему деду, павшему на войне. В них музыкант сильно и наотмашь дал ответ тем, кто в угоду сомнительной политике пытается очернить подвиг солдат, погибших в Великой Отечественной войне.

Я не был там, не знаю, как там было,
И вряд ли захотел бы побывать,
Но, собираясь к деду на могилу,
Скажите, что я должен передать?

Сказать ему, что миллионы пали,
Не ведая всей правды наперёд?
И что бандитом был Иосиф Сталин?
И варваром обманутый народ?

Сказать ему, что было всё напрасно?
Что мы теперь умнее во сто крат?
Что был бы мир значительно прекрасней
Без гибели отчаянной солдат?

Сказать, что дед дурак был, потому что
Упал на поле брани за меня,
Того, кто стал такой не в меру ушлый,
Не ведая ни боли, ни огня?

Сказать ему, что правнуки бессмертных
И памятью отмеченных бойцов
Забыли этот подвиг повсеместно
И предали все чаянья отцов?..

Смогу ли я сказать ему об этом?
Умру ли я, испытывая стыд?
Безумен ли, пытаясь быть поэтом
Для тех, чьё сердце даже не болит?...

Я, так интеллигентно аккуратен
И грубо так, по-дедовски, раним,
Скажу: «Пошли вы на хер, Бога ради,
Свободой мирной вскормленные бл..и
Запомните: я – непоколебим!»

И подводя черту под прошлым веком,
Чтоб в этом жить и возрождаться впредь,
И чтобы оставаться человеком,
Цените эту праведную смерть.

Л. Агутин, 9.05.2017.

1888 - родился Николай Михайлович Зиновьев (1888—1979) — русский и советский художник, мастер палехской лаковой миниатюры, преподаватель и директор Палехского художественного училища, монументалист, реставратор, иллюстратор книг. Народный художник СССР (1974). Герой Социалистического Труда (1978).

Биография
Родился 7 (20) мая 1888 года в деревне Дягилево Палехского района Ивановской области в семье иконописца. Иконописи учился в мастерской Белоусовых. В 38 лет (1926) Н. М. Зиновьев вступил в Палехскую Артель древней живописи. Одним из первых обратился к советской тематике.

Н. М. Зиновьев умер 4 июня 1979 года в Палехе Ивановской области.

Награды и звания
Герой Социалистического Труда (1978)
орден Ленина (1978)
орден Трудового Красного Знамени
заслуженный деятель искусств РСФСР (1956)
народный художник РСФСР (1963)
народный художник СССР (1974)
Государственная премия РСФСР имени И. Е. Репина (1970) — за создание высокохудожественных произведений лаковой миниатюры

Память[править | править вики-текст]
В 1984 году в Дягилеве в родовом доме художника был открыт музей.

В его честь названа улица в Палехе.

В 2002 году в Палехском художественном училище учреждена стипендия имени Зиновьева.

Работы
Среди его работ — «Гулянка в деревне» (портсигар, 1927), «Конек-горбунок» (шкатулка, 1927), «Крестьянские дети» (тарелка, 1936), «Суд пионеров над Бабой-Ягой» (шкатулка, 1933), «Чудо-юдо рыба-кит» (пластина, 1931).

Автор книг «Искусство Палеха» и «Стилистические традиции искусства Палеха».

Ссылки
Зиновьев, Николай Михайлович. Сайт «Герои страны».
Палех. Династии.

1593 - родился Якоб Йорданс (/Jacob Jordaens/ (19 мая 1593, Антверпен — 18 октября 1678, Антверпен)


— фламандский художник, один из выдающихся представителей фламандского барокко.

Биография[править | править вики-текст]

Якоб Йорданс родился в 1593 первым из одиннадцати детей в семье богатого торговца тканями Якоба Йорданса старшего и его жены Барбары. С 1607 г. учился у Адама ван Ноорта, как и Рубенс, с которым он сотрудничал. В 1616 вступил в Гильдию Св. Луки и в том же году женился на дочери учителя Анне Катарине ван Ноорт. В 1618 году купил дом в районе Антверпена, где прошло его детство. В этом доме, расширенном в 1639, он устроил мастерскую и провёл практически всю жизнь.

На его творчество большое влияние оказал Рубенс, который привлекал Йорданса к своим работам, а также такие художники как Стен и Снейдерс.

Автор статьи в Большой советской энциклопедии Н. Смольская отмечает: «В искусстве Йорданса с большой силой выявлены народные основы и реалистические устремления фламандской школы, такие её черты, как ярко чувственное восприятие жизни, мощная лепка форм кистью, неиссякаемый оптимизм. Вместе с тем в творчестве Йорданса значительную роль играли связи со старой нидерландской традицией и с наследием Караваджо».

Помимо картин Йорданс писал картоны для гобеленов. Также сохранилось несколько сотен его рисунков.

Описывая творческий путь художника Н. Смольская пишет: «В ранних произведениях Йорданса („Семейный портрет“, около 1615, Эрмитаж; „Поклонение пастухов“, 1618, Национальный музей, Стокгольм) родственны караваджизму плебейская характерность фигур, тесно сгруппированных на переднем плане, подчёркнутая материальность предметов, контрастная светотень. В лучших картинах Йорданса, выполненных в 1620—1630-х гг. („Воспитание Юпитера“, 1620, Картинная галерея, Кассель; „Семейный портрет“, около 1622—24, Прадо, Мадрид; „Аллегория плодородия“, около 1625—28, Музей старинного искусства, Брюссель; „Бобовый король“, 1638, Эрмитаж), определились особенности его реализма — пристрастие к полнокровным крестьянским и бюргерским типам, крепким тяжеловесным фигурам и сочным деталям, предпочтение бытовому жанру и жанровой трактовке религиозных и мифологических тем, энергичная и сильная плотная живопись с преобладанием звучных тёплых тонов»[4].

После Рубенса: 1640—1678
После смерти Рубенса в 1640 году Йорданс стал самым популярным художником Антверпена, по сути, единственным представителем «большого стиля» (Антонис Ван Дейк скончался в декабре 1641 года, а Снейдерс работал практически исключительно в жанре «роскошного натюрморта»).

О популярности художника свидетельствует тот факт, что даже после его обращения в 1645 г. к протестантизму католическая церковь продолжала заказывать ему работы.

Именно к Йордансу обратились представители английского короля Карла I с заказом на оформление резиденции в Гринвиче. Йордансу заказали 22 картины для кабинета королевы Генриэтты-Марии во дворце Квинс-хаус за 680 фунтов стерлингов (6800 флоринов), художник выполнил только 8 из них[6]. Изначально заказ планировалось отдать Рубенсу. Написанные Йордансом картины не сохранились.

В 50-х годах XVII века Йорданс сотрудничает с Оранской династией, создавая, по мнению авторов статьи в БСЭ, «парадные, перегруженные фигурами композиции, в которых иногда чувствуются напыщенность и ложный пафос» (панно «Триумф принца Фридриха Генриха Оранского», 1652, дворец Хёйс-тен-Бос, Гаага"[4], написанное по заказу вдовы принца Амалии Сольмс-Браунфельсской).

В 1650-х годах на смену ярким краскам в творчестве Йорданса приходит серо-голубая палитра, временами переходящая к коричневым тонам.

В 1661 году Йорданс получил заказ на картину для амстердамской ратуши.

У Йорданса было много учеников. С 1621 по 1667 годы в Гильдии св. Луки официально было зарегистрировано 15 учеников.

Смерть, погребение, завещание художника
Йорданс умер от загадочной болезни «английский пот» (нидерл. zweetziekte или нидерл. polderkoorts) 18 октября 1678 года, в один день со своей дочерью Елизаветой. Их похоронили вместе под одним надгробием на протестантском кладбище в деревне Путте (провинция Антверпен, Бельгия), где уже была похоронена жена художника Катарина.

В 1877 году в Путте установили памятник Йордансу и двум другим его собратьям по цеху Симону де Папе (Simon de Pape) и Адриану ван Сталбемту (Adriaan van Stalbemt). Памятник находится на месте бывшей церкви и кладбища, которые были уничтожены незадолго до этого. Бюст Йорданса на монументе выполнил бельгийский скульптор Жозеф Ламбо.

Через год после смерти художника его сын Якоб Йорданс пожертвовал 25 фламандских фунтов больнице Camer van den Huysarmen в Антверпене. Он также пожертвовал картину «Омовение и помазание тела Христа» приюту для девочек. Предположительно, оба пожертвования были сделаны в соответствии с завещанием художника, текст которого не сохранился[8]. В честь Йорданса выпущен бельгийский почтовый блок 1949 года.

Художественный стиль
На художественный стиль Йорданса, без сомнения, оказал огромное влияние Рубенс. Известно, что он иногда привлекал художника для выполнения эскизов будущих больших картин. Так же как и Рубенс, Йорданс любил использовать тёплую цветовую палитру, натурализм, был мастером жанров кьяроскуро и тенебризма.

Йорданс не добился значительного признания как портретист, однако хорошо умел отображать характеры и был наблюдательным художником. Его крестьянские сцены и масштабные полотна в стиле морализма оказали влияние на творчество Яна Стена.

Йорданс часто писал полотна по мотивам пословиц с участием большого количества персонажей разных возрастов, например, многочисленные «Праздники бобового короля». В этих бытовых зарисовках часто встречаются элементы грубоватого юмора[8].

Хотя Йорданс во многом продолжал мотивы творчества Рубенса, его работы отличаются склонностью к большему реализму, наличием большего числа персонажей и присутствием элементов бурлеска даже на полотнах на религиозные или мифологические темы.

Для сравнения стилей Рубенса и Йорданса стоит взглянуть на две картины «Прометей прикованный». Полотно Йорданса, написанное примерно в 1640 году, явно создано под влиянием Рубенса и Снейдерса. Однако, в отличие от картины Рубенса (1610—1611), полотно Йорданса менее мрачное.

1525 или 1520-е родился Питер Брейгель (Старший) /Pieter Brueghel/

Пи́тер Бре́йгель Ста́рший (нидерл. Pieter Bruegel de Oude [ˈpitər ˈbrøːɣəl][4]; ок. 1525 — 9 сентября 1569, Брюссель), известный также под прозвищем «Мужицкий» — нидерландский живописец и график, самый известный и значительный из носивших эту фамилию художников. Мастер пейзажа и жанровых сцен. Отец художников Питера Брейгеля Младшего («Адского») и Яна Брейгеля Старшего («Райского»).

Местом его рождения чаще всего называют город Бреда (в современной нидерландской провинции Северный Брабант) или деревушку Брёгел около этого города.

Первоначально фамилия художника писалась Brueghel (это написание сохранилось у фамилий его детей), однако с 1559 года он начал подписывать свои картины Bruegel.

Свою творческую биографию он начал как график. К середине 1540-х годов он попал в Антверпен, где обучался в мастерской у Питера Кука ван Альста, придворного художника императора Карла V.

В мастерской Ван Альста Брейгель работал до самой смерти своего учителя в 1550 году. В 1551 году Брейгель был принят в антверпенскую гильдию живописцев и поступил на работу в мастерскую к Иерониму Коку, печатавшему и продававшему гравюры. В мастерской Кока художник увидел эстампы с картин Босха, которые произвели на него такое впечатление, что он нарисовал собственные вариации на темы великого художника.

В 1552—1553 годах по предложению Кока Брейгель совершил путешествие во Францию, Италию, Швейцарию, чтобы сделать серию рисунков итальянских пейзажей, предназначенных для репродукции в гравюре. Был потрясён древними памятниками Рима и шедеврами Возрождения, морскими стихиями и живописными гаванями Средиземноморья. Предположительно в Риме он работал с миниатюристом Джулио Кловио.

В 1563 году Брейгель женился на дочери своего учителя Ван Альста, Марии (Майкен).

В 1556 году Брейгель работал в Антверпене для печатной мастерской «Четыре ветра», принадлежавшей нидерландскому издателю Иерониму Коку. По рисункам Брейгеля здесь были изготовлены гравюры «Большие рыбы поедают малых» и «Осёл в школе». Желая угодить вкусам богатых заказчиков, Кок даже не гнушался подделывать подписи на гравюрах. Так, гравюра «Большие рыбы поедают малых» была продана с подписью знаменитого нидерландского художника Иеронима Босха.

В 1557 году Брейгель написал цикл гравюр, иллюстрирующий семь смертных грехов.

В 1563 году переселился с семьёй в Брюссель.

Можно многое узнать о художнике, ответив на вопрос, чего он не писал. Насколько известно, Брейгель не писал заказных портретов и обнажённых фигур. Из портретов, приписываемых Брейгелю, только один несомненно принадлежит ему. Это картина «Голова крестьянки» 1564 года. Наверняка художник не имел недостатка в просьбах написать портреты своих современников, но судя по всему, Брейгель подобных заказов не принимал. Также в этот период пишется картина — «Поклонение волхвов».

В 1565 году была написана серия «Картины месяцев или времён года», от которой сохранилось всего пять произведений. В позднесредневековых иллюстрированных молитвенниках для знати религиозным текстам часто предшествовал календарь, где на каждый месяц приходилось по страничке. Смена сезонов изображалась чаще всего через призму занятий, соответствующих каждому месяцу. Но у Брейгеля в смене времён года основную роль играет природа, а люди, так же, как и леса, горы, вода, животные, становятся лишь частью необозримого ландшафта. «Возвращение стад. Осень», «Охотники на снегу. Зима» и «Сенокос» — одинакового формата и, возможно, выполнены для одного заказчика. Две другие — «Жатва. Лето» и «Сумрачный день. Весна». Карел ван Мандер называет заказчиком всей серии «Месяцев» богатого антверпенского купца Николаса Йонгелинка, который затем, срочно нуждаясь в крупной сумме денег, отдал все эти картины в залог и так и не выкупил их.

Чтобы не путать Питера Брейгеля с его сыном — тоже живописцем, Старшего позднее окрестили Брейгелем Мужицким.

Более тридцати приблизительно из сорока пяти картин кисти Брейгеля (или приписываемых ему) посвящено изображению природы, деревни и её жителей. Безликие представители сельских низов становятся главными героями его работ: на своих рисунках он зачастую вообще скрывает лица. Никто из художников ранее не осмеливался создавать произведения на подобные темы. Но многие поздние работы свидетельствуют о растущем интересе художника к индивидуальным фигурам. Художник начинает писать крупные фигуры людей, по отношению к которым окружение играет уже подчинённую роль. К таким картинам относятся «Притча о слепых», «Разоритель гнёзд» (другое название — «Крестьянин и разоритель гнёзд»), «Калеки» и «Мизантроп».

Питеру Брейгелю было около сорока, когда армия испанского герцога Альбы с приказом уничтожить еретиков в Нидерландах вошла в Брюссель. В течение последующих лет Альба приговорил к смерти несколько тысяч нидерландцев. Последние годы жизни прошли в атмосфере террора, насаждаемого Альбой. Об одной из последних работ Брейгеля, «Сорока на виселице», ван Мандер пишет, что «он завещал жене картину с сорокой на виселице. Сорока означает сплетников, которых он хотел бы увидеть повешенными». Виселицы ассоциировались с испанским правлением, когда власти начали приговаривать к позорной смерти через повешение предикантов, а сам террор Альбы держался почти исключительно на слухах и доносах. Картина «Избиение младенцев» содержит изображение зловещего человека в чёрном, наблюдающим за исполнением приказа царя Ирода; этот человек очень похож на Альбу; значит, короля Филиппа II художник сравнивает с Иродом.

Ван Мандер сообщает также о последней картине Брейгеля «Торжество правды», которую он называет самой лучшей в творчестве художника. До нас она не дошла, к тому же у ван Мандера соседствуют правда и вымысел.

Художник умер 5 сентября 1569 года в Брюсселе. Похоронен в брюссельской церкви Нотр-Дам де ла Шапель.

Из всех сохранившихся картин Брейгеля около трети находятся в Музее истории искусства в Вене. В России произведений Брейгеля нет.

Охотники на снегу (1565). Музей истории искусств, Вена
Мизантроп (1568). Музей Каподимонте, Неаполь
Триумф смерти (1562) Музей Прадо, Мадрид
Некоторые известные работы[править | править вики-текст]
Основная статья: Список картин Питера Брейгеля Старшего
Примечание. Поскольку названия картин не принадлежат Брейгелю (придуманы музейными работниками и позднейшими искусствоведами), в разных языковых традициях (и даже в пределах одной традиции) они могут различаться.

Цикл картин «Перевёрнутый мир»:
Битва Масленицы и Поста, 1559. Музей истории искусств, Вена
Детские игры, 1560. Музей истории искусств, Вена
Нидерландские пословицы, 1559. Берлинская картинная галерея, Берлин
Падение Икара, 1558. Королевские музеи изящных искусств, Брюссель
Морской бой в гавани Неаполя, 1558—1562. Galleria Doria Pamphili, Рим
Триумф смерти, 1562. Музей Прадо, Мадрид
Падение мятежных ангелов (др. название: Падение восставших ангелов), 1562. Королевские музеи изящных искусств, Брюссель
Вавилонская башня, 1563. Музей истории искусств, Вена
На пути в Египет, 1563. Институт искусства Курто, Лондон
Вино на празднике Святого Мартина, 1563-65. Мадрид[5]
Путь на Голгофу (др. название: Несение креста), 1564. Музей истории искусств, Вена
Самоубийство Саула, 1564. Музей истории искусств, Вена
Поклонение волхвов, 1564. Лондонская Национальная галерея, Лондон
Христос и женщина, уличённая в прелюбодеянии, 1565. Институт искусства Курто, Лондон
Цикл картин «Двенадцать месяцев», сюжеты которых основаны на часослове; первоначально содержал 6 или 12 картин, из которых сохранилось только 5:
Охотники на снегу, 1565. Музей истории искусств, Вена
Возвращение стада, 1565. Музей истории искусств, Вена
Сенокос, 1565. Дворец Лобковица в Пражском Граде, Прага
Жатва, 1565. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Сумрачный день, 1565. Музей истории искусств, Вена
Перепись в Вифлееме, 1566. Королевские музеи изящных искусств, Брюссель
Свадебный танец, 1566. Институт искусств Детройта, Детройт
Избиение младенцев, 1566. Музей истории искусств, Вена
Обращение Савла, 1567. Музей истории искусств, Вена
Страна лентяев, 1567. Старая пинакотека, Мюнхен
Крестьянский танец, 1567. Музей истории искусств, Вена
Крестьянская свадьба, 1568. Музей истории искусств, Вена
Сорока на виселице, 1568. Гессенский музей, Дармштадт
Мизантроп, 1568. Музей Каподимонте, Неаполь
Притча о слепых (др. название: Слепые), 1568. Музей Каподимонте, Неаполь
Калеки, 1568. Лувр, Париж
В кинематографе[править | править вики-текст]
«Мельница и крест» (Швеция, Польша, 2011). Режиссёр — Лех Маевски. В роли Питера Брейгеля — Рутгер Хауэр.
В литературе[править | править вики-текст]
«Питер Брейгель» — роман бельгийского писателя Феликса Тиммерманса (англ.)русск. (1928).
«Одержимый» — роман английского писателя «Майкла Фрейна» (1999).

Генеалогическое древо
Питер Брейгель Старший
Питер Брейгель Младший
Ян Брейгель Старший
Мари Брейгель
Амбросий Брейгель
Ян Брейгель Младший
Анна Брейгель
Давид Тенирс Младший
Абрахам Брейгель

Примечания
↑ Немецкая национальная библиотека, Берлинская государственная библиотека, Баварская государственная библиотека и др. Record #118674013 // Общий нормативный контроль — 2012—2016.
↑ data.bnf.fr: платформа открытых данных — 2011.
↑ https://www.pinakothek.de/kunst/meisterwerk/pieter-bruegel-d-ae/das-schlaraffenland
↑ Согласно современной нидерландско-русской практической транскрипции, эту фамилию по-русски следует передавать как «Брёгел».
↑ В Мадриде нашли средневековый шедевр
Литература[править | править вики-текст]
Bastelaar R. van, Hulin de Loo G. Peter Bruegel l’Ancien, son oeuvre et son temps, v. 1-2. Brux., 1906—1907.
Алпатов М. Питер Брейгель Мужицкий. М., 1939.
Климов P. Питер Брейгель. М., 1959.
Львов С. Л. Питер Брейгель Старший. М., 1971.
Гершензон-Чегодаева Н. М. Брейгель. М., 1983.
Grossmann F. Peeter Brueghel. — L.: Firenze, 1956.
Rocquet C.-H. Breuegel ou l’atelier des songes. P., 1987; рус. переводы: Роке К.-А. Брейгель (серия «Жизнь замечательных людей»). М.: Молодая гвардия, 2008. 304 с. ISBN 978-5-235-03134-0; Роке А. К.-А. Брейгель, или Мастерская сновидений. СПб.: «Вита Нова», 2010. ISBN 978-5-93898-306-9
Marijnissen R.H. Bruegel: tout l’oeuvre peint et dessiné. Anvers, 1988.
Francastel P., Ferrier J.L. Bruegel. P., 1995.
Rucker R. As above, so below: A novel of Peter Bruegel. N. Y.: Forge, 2002.
Хаген Р. М., Хаген Р.. Брейгель. — М.: Taschen/Арт-Родник, 2002. 95 с. ISBN 3-8228-7150-8
Бьянко Д. Брейгель: Сокровища мировых шедевров / Пер. с ит. В.Гривиной. М.: БММ, 2012. — 160 с., ил., 3000 экз., ISBN 978-5-88353-461-3
Ссылки[править | править вики-текст]
commons: Питер Брейгель Старший на Викискладе
Брёгели или Брюгели // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.
Любительский веб-сайт по П.Брейгелю (с полным собранием его картин)
Картины Брейгель, Питер (Старший)
Брейгель Питер. Биография // art-klyan.com
на artcyclopedia.com
на Web Gallery of Art
Питер Брейгель. Биография, хронология жизни, галерея, музей
Pieter Bruegel the Elder at Olga’s Gallery
Творчество Брейгеля заложило основу развития нидерландской школы
Падение мятежных ангелов в проекте Google Cultural Institute (сверхвысокое разрешение)
Гравюра «Святой Иаков и маг Гермоген»

Notable Names Database · MusicBrainz · RKDartists · ECARTICO
Словари и энциклопедии
Большая российская
Нормативный контроль
BAV: ADV10095562 · BNC: a10430556 · BNE: XX897754 · BNF: 11935800w · BPN: 15144804 · GND: 118674013 · ISNI: 0000 0001 2144 3618 · LCCN: n80162848 · NDL: 00434619 · NKC: jn19981000340 · NLA: 36158631 · NTA: 068701462 · PTBNP: 225208 · РГБ: 000063559 · LIBRIS: 179406 · SUDOC: 027281930 · VIAF: 95761864 · ULAN: 500013247
⛭

Работы Питера Брейгеля Старшего
Отдельные картины
Безумная Грета · Падение Икара · Морской бой в гавани Неаполя · Триумф смерти · Падение мятежных ангелов · Вавилонская башня · На пути в Египет · Вино на празднике Святого Мартина · Путь на Голгофу · Самоубийство Саула · Поклонение волхвов · Христос и женщина, уличённая в прелюбодеянии · Перепись в Вифлееме · Избиение младенцев · Обращение Савла · Страна лентяев · Свадебный танец · Крестьянский танец · Крестьянская свадьба · Мизантроп · Притча о слепых · Калеки · Сорока на виселице
Цикл картин «Перевёрнутый мир»
Битва Масленицы и Поста · Детские игры · Фламандские пословицы
Цикл картин «Двенадцать месяцев»
Охотники на снегу · Возвращение стада · Сенокос · Жатва · Сумрачный день
Цикл «Семь смертных грехов»
Гнев · Тщеславие · Лень · Сребролюбие · Чревоугодие · Зависть · Похоть · Страшный суд

1871 - родилась А́нна Петро́вна Остроу́мова-Ле́бедева (5 [17] мая 1871, Санкт-Петербург — 5 мая 1955, Ленинград)


— русская и советская художница, гравёр, акварелист, мастер пейзажа.

Основные даты
1889—1892 — посещала Центральное училище технического рисования барона А. Л. Штиглица (1889—1892), где её главным преподавателем был В. В. Матэ.
1892—1900 — училась у В. В. Матэ, И. Е. Репина, К. А. Савицкого и П. П. Чистякова в Петербургской Академии Художеств, которую закончила со званием художника, представив 14 гравюр.
1898—1899 — работала в Париже в мастерской Джеймса Уистлера. С 1899 активно участвовала в деятельности художественного объединения «Мир искусства» и «Четыре искусства» (с 1924).

В 1901 году создала ряд гравюр для журнала «Мир искусства» (№ 1 за 1902 год). В 1905 году вышла замуж за учёного-химика С. В. Лебедева[2], впервые синтезировавшего в промышленном масштабе каучук.

1918—1922 — преподавала в Высшем институте фотографии и фототехники.

1934—1935 — преподавала во Всероссийской академии художеств.

Во время Великой Отечественной войны работала в блокадном Ленинграде, создав ряд пронзительных графических образов города.

1946 — народный художник РСФСР.

1949 — действительный член АХ СССР.

В рейтинге граверов России первой половины XX века является не только «звездой первой величины», но и возродившей это искусство в России. Анна Петровна также положила начало возрождению русской оригинальной (в том числе цветной) ксилографии, работала и в технике литографии, и в акварели.

Изображала в основном виды Петербурга и его окрестностей. Одна из немногих художников, органично создававших пейзажи, включающие в композицию архитектурные строения.

Успешна была и её деятельность как портретиста — в Русском музее находится портрет Максимилиана Волошина работы Анны Петровны.

Награждена орденом Трудового Красного Знамени и медалью «За оборону Ленинграда».

Жила всегда в Санкт-Петербурге — Петрограде — Ленинграде:

Лето 1905 — 04.1906 года — 13-я линия, 20, кв. 57;
12.1906 — 1913 — доходный дом — Александровский проспект, 21, кв. 19;
1913—1917 — 3-я линия, 46, кв. 21;
1917—1924 — Нижегородская улица, 6;
1924—1955 — Нижегородская улица, 10, кв. 4. Эта квартира включена в список памятников истории России, охраняемых государством.
Похоронена в Некрополе мастеров искусств.

Из воспоминаний современников
А. Н. Бенуа: «… в гравюрах она владеет крепостью штриха, которая ей позволяет доводить до крайней степени убедительного лаконизма передачу своих впечатлений; в гравюрах она, как никто, умеет, пользуясь минимумом цветовой шкалы, передать в красках желаемое настроение. В акварелях она радует глаз свободой мазка, и опять-таки эти её вещи блещут чарующими переливами и созвучием красок, необычайно остро подмеченных на натуре».
Выставки[править | править вики-текст]
Дебютировала со своими гравюрами на выставке «Мира искусства» в 1900 (?).

Получила вторую премию за гравюры на конкурсе Общества поощрения художеств.

Иллюстрации и книжная графика
Иллюстрировала книги:
Курбатов В. Я. Петербург, 1912
Анциферов Н. П. Душа Петербурга, 1920 (переиздана в 1990 в том же художественном оформлении).
Галерея[править | править вики-текст]
«Петербург», 1908—10, альбом ксилографий
«Павловск», 1922—23;
«Петербург», 1922 альбом литографий
«Марсово поле», 1922 (акварель) Третьяковская галерея
«Инженерный замок в инее», 1929, Русский музей
«Александровский дворец в Детском Селе»
«Петербург. Нева сквозь колоны Биржи»
«Петербург. Новая Голландия»
«Светильники и сфинкс»
«Портрет артиста И. В. Ершова», 1923;
«Портрет Андрея Белого», 1924;
«Портрет художницы Е. С. Кругликовой», 1925

Сочинения
Автобиографические записки, т. 1—3, Л. — М., 1935—51 (переизданы в 1974 и в 2003).

См. также
Изобразительное искусство Ленинграда

Литература
Корнилов П. Поэт города на Неве // Художник. 1962, № 10. С.36-41.
Синицын Н. В. Гравюры Остроумовой-Лебедевой, монография, 1964.
Суслов В. А. П. Остроумова-Лебедева. — Л.: 1967.
Богданов А. А. П. Остроумова-Лебедева. — Л.: 1976.
Полякова Е. И. Город Остроумовой-Лебедевой / Художник А. А. Зубченко. — М.: Советский художник, 1983. — 224, [16] с. — (Рассказы о художниках). — 40 000 экз. (обл.)
Графика А. П. Остроумовой-Лебедевой: Гравюры и акварель. [Альбом] / Авт. вступ. ст. [с. 5-33] и сост. М. Ф. Киселев, 135 с. ил., цв. ил. — М.: Искусство, 1984.
Исаев В. Ю. Сокровища Дома Волошина. Альбом. — Симферополь: СОНАТ, 2004. — 400 с. — ISBN 966-8111-40-0.
Иванов С. В. Неизвестный соцреализм. Ленинградская школа. СПб, НП-Принт, 2007. С.13, 19, 377, 380, 383, 385. ISBN 5-901724-21-6, ISBN 978-5-901724-21-7.

Примечания[править | править вики-текст]
↑ Перейти к: 1 2 Остроумова-Лебедева Анна Петровна // Большая советская энциклопедия: [в 30 т.] / под ред. гл. ред. А. М. Прохоров — 3-е изд. — М.: Советская энциклопедия, 1969.
↑ Design: Heinrich Ligovsky; programming: Roman Parshin. Остроумова-Лебедева. История любви. / Эпоха возрождения. www.renclassic.ru. Проверено 13 мая 2017.

Виллем ван Алст/Willem van Aelst/(16 мая 1627 г. крещён Утрехт или Дельфт — ум. после 1683 г. Амстердам)

— нидерландский художник эпохи барокко, мастер натюрморта.

Жизнь и творчество
Виллем ван Алст учился живописи у своего дяди, художника Эверта ван Алста.
9 ноября 1643 года он был принят в делфтскую гильдию художников св. Луки.
В 1645—1649 годах В.ван Алст живёт и работает во Франции, затем до 1656 года — в Италии.
Длительное время он находится во Флоренции, где выполняет заказы великого герцога Тосканского Фердинандо II Медичи.
В Италии ван Алст знакомится и сотрудничает вместе с другим нидерландским мастером, Отто Марсеусом ван Скриком, который часто выполняет изображения насекомых в натюрмортах ван Алста.
С 1657 года и вплоть до своей кончины художник живёт и работает в Амстердаме. Имел учеников, среди которых следует назвать Рашель Рюйш и Марию ван Остервейк.

Виллем ван Алст был выдающимся мастером натюрморта, превосходно владевшим цветом и особым умением передавать на своих картинах изображения тканей, металлов, птичьих перьев и т. п. В настоящее время его полотна можно увидеть в крупнейших музеях и картинных галереях Амстердама, Берлина, Вашингтона, Будапешта, Дрездена, Вены, Гамбурга, Копенгагена, Мадрида, Парижа, Сан-Франциско, Тулузы, Гётеборга, Цинциннати, Касселя, Оксфорда и др.

1834 - родился Якоби, Валерий Иванович

Место рождения:деревня Кудряково,Лаишевский уезд,Казанская губерния,Российская империя
Дата смерти:13 мая (26 мая) 1902 (68 лет)
Место смерти: Ницца, Франция
Подданство: Российская империя
Жанр:историческая, жанровая живопись
Учёба:Императорская Академия художеств
класс А. Т. Маркова
Стиль:
академизм
Награды:
медали Императорской Академии художеств:
малая серебряная медаль за картину «Разносчик фруктов»
большая серебряная медаль за картину «Татарин, продавец халатов»
малая золотая медаль за картину «Светлое Воскресенье нищего»
большая золотая медаль за картину «Привал арестантов».
Звания:
профессор, академик, член академического Совета Императорской Академии художеств
Commons-logo.svg Работы на Викискладе
В Википедии есть статьи о других людях с фамилией Якоби.
Вале́рий Ива́нович Яко́би (Яко́бий)[1] (3 [15] мая 1834, Казанская губерния — 13 [26] мая 1902, Ницца) — русский живописец, профессор, академик, член академического Совета Императорской Академии художеств, один из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок[2][Комм. 1].

Брат революционера, впоследствии психиатра и этнографа П. И. Якоби.

Биография
«Привал арестантов», (1861) — Государственная Третьяковская галерея.

«Девушка с саблей», (1881) — Государственная Третьяковская галерея.

«Ледяной дом», (1878) — Государственный Русский музей.
Якобий Валерий Иванович — жанровый и портретный живописец, сын помещика; получив общее образование в казанской гимназии, поступил студентом в Казанский университет, но не окончил в нём курса. Когда составлялось в Казанской губернии ополчение для участия в Крымской кампании, Якоби записался в него и отправился в его рядах к месту военных действий, но на пути туда был, вместе со своим отрядом, остановлен, так как война прекратилась.

Тогда он решил посвятить себя живописи, любовь к которой чувствовал ещё на школьной скамье, и, прибыв в 1856 году в Санкт-Петербург, стал посещать классы академии художеств. Состоя в ней учеником профессора А. Т. Маркова, он прошёл её курс чрезвычайно быстро и получил одну за другой все награды, установленные для полного его окончания, а именно малую серебряную медаль в 1858 году, за картину «Разносчик фруктов» (находится в Третьяковской галерее в Москве), большую серебряную медаль в 1859 году, за картину «Татарин, продавец халатов», малую золотую медаль в 1861 году, за картину «Светлое Воскресенье нищего» и большую золотую медаль в 1862 году, за картину «Привал арестантов» (в Третьяковской галерее), произведшую большое впечатление на публику, живо принимавшую тогда к сердцу вопросы, вызвавшее благотворные реформы императора Александра II, между прочим и вопрос об облегчении участи каторжников и ссыльных[4].

Вскоре по получении большой золотой медали, Якоби отправился за границу в качестве пенсионера академии. Посетив сперва Германию, он проехал в Швейцарию и работал некоторое время в Цюрихе, под руководством профессора Колера, а затем жил в Париже, Неаполе и Риме. В это время, кроме небольших жанровых картин, им написаны две исторические — «Террористы и умеренные первой французской революции» (в московском публичном музее, самое лучшее из всех произведений художника) и «Кардинал Гиз, получивший голову адмирала Колиньи, убитого в Варфоломеевскую ночь»; последняя, находившаяся на академической выставке 1864 году, доставила Якоби звание академика. Он возвратился в Санкт-Петербург, в 1869 году и через год после того, за картину «Арест герцога Бирона», был возведен в звание профессора, а в 1870 году сделан членом академического совета.

В 1878 году провел шесть месяцев в Париже в качестве комиссара при русском художественном отделе на тамошней всемирной выставке и члена её международного жюри со стороны России. В 1883 году, оставаясь членом совета академии, был назначен профессором-преподавателем в её классах. От обеих этих должностей уволен в отставку в 1891 году вследствие происшедшего тогда коренного преобразования академии, и последние годы своей жизни провел отчасти в Санкт-Петербурге, преимущественно же в Алжире и на юге Франции.

Якоби был человек умный и, бесспорно, даровитый, но чересчур скорое прохождение им художественной школы невыгодно отразилось в его работах: рисовал он очень посредственно, прибегая даже в мелочах к помощи манекена и фотографии, плохо справлялся с перспективой, писал довольно сухо и неуверенно, был цветист в колорите и не силен в светотени, но все эти недостатки старался скрывать занимательностью сюжета, эффектным расположением композиции и нарядностью изображенных костюмов и прочих аксессуаров. Главные его произведения, кроме вышеупомянутых — картины: «Парижский тряпичник перед дверью таверны» (1865, у наследников А. А. Сомова), «Политика после завтрака» (1869, в московском публичном музее), «Волынский в заседании кабинета министров» (1876, у великого князя Николая Константиновича), «Костюмированное утро при дворе императрицы Анны Иоанновны», «Свадьба в Ледяном доме» (1881, в музей императора Александра III, в Санкт-Петербурге) и «Первое торжественное собрание академии художеств» (1889, там же), а также портреты Н. А. Киреева и госпожи Рудзинской с дочерью.

В. И. Якоби был женат на Александре Николаевне Якоби, впоследствии известной писательнице А. Н. Пешковой-Толиверовой.

При написании этой статьи использовался материал из Энциклопедического словаря Брокгауза и Ефрона (1890—1907).

Безжалостна беда сей горестной утраты.
К минувшим временам назад дороги нет.
Он первым был тогда, в пору шестидесятых,
Когда забрезжил нам в окне неяркий свет.

Тот век теперь далек. Припомним годы оны —
Мир песен и бесед тех юношеских лет,
Когда от звонких строк гудели стадионы,
И на Руси поэт был больше, чем поэт.

Кружится лист, скользя над плитами надгробий.
Оборвана стезя, и все пошло не в лад.
Ушли его друзья: Андрей, Василий, Роберт.
Ушли его друзья, — и Белла, и Булат.

Умолкли в век иной тех песен отголоски.
Все в Лете утечет сегодняшней порой.
Покажется смешной и перепалка с Бродским,
И гамбургский расчет на первый и второй.

В круговороте дел, подумав хорошенько,
На свой вопрос ответ отыщешь без труда:
Той славы, что имел Евгений Евтушенко,
Не знал другой поэт нигде и никогда.

Тускнеет неба шелк. Неумолимы будни.
С минувшим рвется нить. Вращается Земля.
Последним он ушел, как капитан на судне,
Что должен уходить последним с корабля.

Далекие года. Забывшиеся сплетни.
Июльского дождя на перепутьях след.
Он первым был тогда, — теперь он стал последним.
Последним уходя, он в доме гасит свет.

02.04.2017

1727 - крещен То́мас Ге́йнсборо (/Thomas Gainsborough/(14 мая 1727 — 2 августа 1788) — английский живописец, график, портретист и пейзажист.

Биография
Был младшим, девятым ребёнком в семье торговца сукном Джона Гейнсборо и его жены Сюзанны.

В детстве Томас увлекался лепкой фигурок животных и рисованием. В 13 лет он уговорил родителей отпустить его в Лондон, и, по утверждению его приятеля Филипа Тикнесса, с тех пор обеспечивал себя самостоятельно.

Лондон
В Лондоне он поселился у серебряных дел мастера, фамилия которого неизвестна, и позже стал посещать уроки рисования у Юбера-Франсуа Гравло, преподавателя Академии св. Мартина. В первую очередь Гейнсборо интересовали пейзажи. Сохранились его зарисовки различных растений, сделанные в 40-х годах.

Зарабатывал он писанием пейзажей, подправлял старые картины, работал на гравёра Джона Бойделла.

В 1745 году он поселяется в собственной мастерской. Одна из первых подписанных им картин также датируется 1745 годом. На фоне пейзажа на ней изображён бультерьер. На обороте холста сам художник написал: «Замечательно умный пёс».

15 июля 1746 года Гейнсборо обвенчался с Маргарэт Барр, побочной дочерью герцога Бофора. Вероятно, рисунок (около 1746 – 1748) и картина (около 1746—1747, Лувр) являются автопортретами с женой, выполненными в стиле Ватто.

В 1748 году он написал «Лес Гейнсборо». В этой картине видно влияние Рёйсдаля, который был очень популярен в Англии в то время.

Совместно с другими художниками его пригласили украсить детский приют видами восьми лондонских госпиталей. Написанный в 1748 году «Чартерхаус» приносит Гейнсборо уважение в художественной среде, его картину сочли лучшей. Однако новых заказов это не принесло, и Гейнсборо решает вернуться в Садбери.

В 1748 году умер его отец, в том же году родилась старшая дочь Мэри.

Гейнсборо всегда считал себя пейзажистом, но пейзажи не приносили дохода, так как не были популярны. Около 1749 года Гейнсборо создаёт произведение, в котором он впервые соединяет портрет и пейзаж — «портрет четы Эндрюс».

Приблизительно в 1750 году Гейнсборо переезжает в расположенный недалеко Ипсуич.

Ипсуич
В Ипсуиче Гейнсборо стал членом Музыкального клуба, он познакомился с другими любителями музыки и самими музыкантами. Позднее он напишет портреты некоторых из них, а также групповой портрет с изображением Музыкального клуба.

В 1752 году у Гейнсборо родилась вторая дочь — Маргарет.

Основной доход художник получал от портретов. «В жанре портрета он старался следовать Хогарту, усвоив его непосредственность восприятия модели, заботясь больше о сходстве, нежели о передаче общественного положения позирующего, стремясь запечатлеть обычный, каждодневный облик человека»

Вероятно, около 1753 года Гейнсборо получил лестный для него заказ на портрет адмирала Вернона.

Он пишет много портретов членов своей семьи. На автопортрете 1754 года он изобразил себя в треуголке. На написанном портрете 1756 года дочери устремились за бабочкой.

Около 1758 года Гейнсборо выполняет два портрета своего приятеля Уильяма Уоллестона. На одном Уоллестон изображён с флейтой, на другом он написан на фоне поместья.

В декабре 1758 года Гейнсборо получил заказ на портреты графа Джерси и его сына лорда Вильерса. Портреты, выполненные художником, находят одобрение, и его слава растёт.

Гейнсборо пишет и пейзажи. Ярким образцом его ранних пейзажей является «Лес Гейнсборо». «В ипсуичский период творчества заметнее всего влияние на Гейнсборо голландца Яна Винантса — оно больше, чем влияние Рёйсдала, и проявляется в более обобщённой трактовке почвы, песчаных берегов, срубленных деревьев, широко написанной листвы. В эти годы фоны его портретов очень близки его пейзажам, делаясь всё шире и свободнее. Грунт становится опять светлее, фактура более текучей. Вообще техника художника в это время виртуозно легка и похожа нежностью тонов на акварель»[1].

Завоевав репутацию портретиста в Ипсвиче, Гейнсборо решает переехать в модный курорт Бат, где в то время жили две его сестры.

Бат, 1759—1777

В Бате количество заказов на портреты превышало возможности художника, в 1763 году он даже заболел от переутомления и местная газета 17 октября сообщила о его смерти, признав ошибку на следующий день.

В 1763 – 1764 годах был создан портрет графини Мери Хау. Гейнсборо написал два портрета Иоганна Кристиана Баха, сына Иоганна Себастьяна Баха.

Большое значение для Гейнсборо оказало знакомство с полотнами Ван Дейка и Рубенса, принадлежащими местным аристократам, некоторые из этих полотен он копировал.

«С изучением картин старых мастеров связано появление изумительных сияющих далей в картинах Гейнсборо, не удававшихся мастеру прежде. Манера письма Гейнсборо в корне меняется. Примером этих новшеств можно считать «Пейзаж» (ныне в музее Уорчестера), показанный на выставке 1763 года в Обществе британских художников. Он написан при искусственном свете и драматически построен на мощных кривых. Постепенно фигуры в пейзажах делаются крупнее и начинают играть все большую роль в композиционных решениях. Может быть, лучший пейзаж этого периода «Возвращение крестьян с рынка лесной дорогой» (ок. 1767), просветленный и щедрый по краскам: удивительно написаны утреннее небо, листва, пронизанная желто-розовыми лучами солнца.»

В ноябре 1768 года Рейнольдс прислал Гейнсборо приглашение стать одним из тридцати шести членов-основателей Королевской Академии. Она была основана 10 декабря 1768 года.

Наиболее знаменитыми портретами начала 1770-х годов являются портрет миссис Грэм и «Мальчик в голубом», на котором изображён Джонатан Баттл.

Гейнсборо пробовал создавать офорты, сохранилось 11 досок, некоторые из них не завершены, видимо, качество не удовлетворило художника.

В 1774 году Гейнсборо переезжает в Лондон.

Лондон, 1774—1788

В Лондоне художник устроил свою мастерскую рядом с залами аукциона Кристи, которые он часто посещал. Это время прошло под знаком соперничества Гейнсборо с Рейнольдсом, президентом Королевской Академии.

В 1777 году Гейнсборо после большого перерыва принимает участие в Академической выставке, где им был представлен «Водопой» — ответ художника на «Водопой» Рубенса. В последующие годы он продолжает создавать пейзажи, появляются даже две марины со спокойным и с бурным морем. Один из лучших пейзажей — «Возвращение с жатвы» (1784). «Ему удалось по-своему соединить два основных направления этой эпохи, казалось бы, взаимно исключающих друг друга: скромный реализм голландского пейзажа, скрупулезно фиксирующий увиденное, и французскую легкость, декоративность расцветшего к середине века стиля рококо, его криволинейное пространство. Впоследствии к этим компонентам добавилось страстное увлечение пейзажами Рубенса, увиденными художником после его переезда в Бат. Именно поздние пейзажи Рубенса с их широким ритмом, сложным построением композиции и драматически сильными световыми эффектами произвели на Гейнсборо ошеломляющее впечатление. В результате манера письма Гейнсборо становится более свободной, беглой, а красочный слой более жидким и текучим. Он фиксирует изменчивую игру света и тени в густой листве, все полотно пронизано единым лирическим порывом, почему Гейнсборо и можно считать одним из зачинателей романтизма в пейзаже.»[1]

В 1781 году театральный художник Лоутербург придумал эйдофузикон — своеобразный волшебный фонарь. На подсвеченном сзади экране демонстрировались картины, нарисованные на стеклянных пластинах. Гейнсборо очень заинтересовался этим изобретением и в 1781–1782 годах создал цикл пейзажей для собственного эйдофузикона, в музее Виктории и Альберта хранятся 10 таких пластин, расписанных художником.

Широкую известность художнику принесли поэтичные женские портреты, написанные под сильным влиянием Ван Дейка.


Портрет Джорджианы, герцогини Девонширской (1785-1787)
Гейнсборо писал портреты итальянской танцовщицы Джованны Баччелли, знаменитых куртизанок — миссис Эллиот по прозвищу Длинная Долли и Фрэнсис Данкомб, но, в основном, художник писал представительниц высшей аристократии, даже английскую королеву. Особое внимание привлекают необыкновенно лиричный портрет «Дамы в голубом (герцогини де Бофор?)», портреты леди Горации Уолдгрейв и герцогини Девонширской.

В портрете миссис Робинсон и портрете миссис Шеридан 1783 года Гейнсборо возобновляет попытки объединить портрет с пейзажем.

В 1783 году Гейнсборо вместе со своим другом Сэмом Килдерби путешествует по Озерному краю.

В 1784 году у Гейнсборо произошёл конфликт с Королевской Академией. Ему не понравилось, как были развешаны на выставке Академии его картины, он попросил перевесить их пониже. Ему ответили, что это противоречит общему правилу и ущемляет интересы других художников. В результате Гейнсборо забрал свои картины и до конца жизни не принимал участия в выставках Академии, выставки он устраивал у себя дома.

В 1785 году Гейнсборо по собственной инициативе пишет портрет драматической актрисы Сарры Сиддонс — своеобразный ответ Рейнольдсу, который написал Сиддонс в виде музы Трагедии.

К 1785–1788 годам относится единственное полотно Гейнсборо, посвящённое античной мифологии — «Диана и Актеон».

Гейнсборо умер от рака 2 августа 1788 года. Биограф художника Джексон утверждал, что его последние слова были: «Все мы отправимся на небо, и Ван Дейк с нами».

1625 - родился Карло Маратта, также Маратти (ит. Carlo Maratta, род. 13 мая 1625 г. Камерано близ Анконы — ум. 15 декабря 1713 г. Рим)

— итальянский художник и архитектор эпохи барокко, принадлежавший к римской школе живописи.

Жизнь и творчество
Талант художника проявился у К.Маратта ещё в детстве.
В возрасте 12 лет был отправлен своими родителями в Рим, в обучение к живописцу Андреа Сакки.
У Сакки Маратта оставался на протяжении многих лет и рассматривал его всю свою жизнь как старшего друга и учителя.
В 1650 году к молодому художнику приходит известность — после того, как он удачно выполнил заказ на алтарную картину, Маратта был представлен папе Александру VII, который затем обеспечивал художника заказами.
Ряд алтарных полотен работы К.Маратта до сих пор находятся в римских церквях.
В 1704 году К.Маратта был посвящён папой Климентом XI в рыцари, награждён церковным орденом и становится придворным живописцем французского короля Людовика XIV, который был покорён искусством мастера, увидев его полотно, изображавшее Дафну. В то же время Людовик разрешил К.Маратта продолжать свою работу в Риме.
Был также талантливым архитектором, разработавшим проекты многочисленных зданий. В 1700 году художник становится президентом римской Академии Святого Луки.
Карло Маратта содержал обширную мастерскую, где стажировались его многочисленные ученики (нпр. Роберт ван Ауденарде). Похоронен в римской церкви Санта-Мария-дельи-Анджели-э-деи-Мартири.
К.Маратта писал свои полотна в академической традиции своего учителя Сакки, берущей своё начало ещё в творчестве Рафаэля.
В конце XVII столетия Маратта и Сакки были признанными, ведущими римскими живописцами.
Кроме алтарных полотен для церквей, мастер писал также портреты, фрески, создавал скульптуры. Наиболее интересен он как портретист. В настоящее время картины К.Маратта можно увидеть в музеях Парижа (Лувр), Рима, Берлина, Флоренции, Санкт-Петербурга, Лондона, Мадрида, Бостона, Вены, Брюсселя, Мюнхена и др.
Отец поэтессы и художницы Фаустины Маратти.

Карло Маратта, также Маратти/Carlo Maratta/, род. 13 мая 1625 г. Камерано близ Анконы — ум. 15 декабря 1713 г. Рим) —


итальянский художник и архитектор эпохи барокко, принадлежавший к римской школе живописи.

Жизнь и творчество
Талант художника проявился у К.Маратта ещё в детстве. В возрасте 12 лет был отправлен своими родителями в Рим, в обучение к живописцу Андреа Сакки. У Сакки Маратта оставался на протяжении многих лет и рассматривал его всю свою жизнь как старшего друга и учителя. В 1650 году к молодому художнику приходит известность — после того, как он удачно выполнил заказ на алтарную картину, Маратта был представлен папе Александру VII, который затем обеспечивал художника заказами. Ряд алтарных полотен работы К.Маратта до сих пор находятся в римских церквях. В 1704 году К.Маратта был посвящён папой Климентом XI в рыцари, награждён церковным орденом и становится придворным живописцем французского короля Людовика XIV, который был покорён искусством мастера, увидев его полотно, изображавшее Дафну. В то же время Людовик разрешил К.Маратта продолжать свою работу в Риме. Был также талантливым архитектором, разработавшим проекты многочисленных зданий. В 1700 году художник становится президентом римской Академии Святого Луки.

Карло Маратта содержал обширную мастерскую, где стажировались его многочисленные ученики (нпр. Роберт ван Ауденарде). Похоронен в римской церкви Санта-Мария-дельи-Анджели-э-деи-Мартири.

К.Маратта писал свои полотна в академической традиции своего учителя Сакки, берущей своё начало ещё в творчестве Рафаэля. В конце XVII столетия Маратта и Сакки были признанными, ведущими римскими живописцами. Кроме алтарных полотен для церквей, мастер писал также портреты, фрески, создавал скульптуры. Наиболее интересен он как портретист. В настоящее время картины К.Маратта можно увидеть в музеях Парижа (Лувр), Рима, Берлина, Флоренции, Санкт-Петербурга, Лондона, Мадрида, Бостона, Вены, Брюсселя, Мюнхена и др.

Отец поэтессы и художницы Фаустины Маратти.

1812 - родился Э́двард Лир (также Эдуа́рд Лир, англ. Edward Lear; 1812—1888) — английский художник и поэт, один из основоположников «поэзии бессмыслицы» (англ. nonsensical poetry), автор многочисленных популярных абсурдистских лимериков.

Биография
Эдвард Лир родился 12 мая 1812 года в лондонском предместье Хайгейт. Он был 20-м ребёнком в семье, и его воспитанием занималась старшая сестра Энн. Когда Эдварду было 15 лет, он вместе с сестрой обосновался в отдельном доме. Будучи талантливым художником, Лир начал работать книжным иллюстратором. В возрасте 19 лет он выпустил свою первую книгу «Иллюстрации семейства Пситтацидов, или Попугаев» (Illustrations of the Family of Psittacidae, or Parrots, 1830).

С детства у Лира было слабое здоровье — он страдал эпилепсией, астмой, а в зрелом возрасте к этому добавилась ещё и частичная потеря зрения.

В 1846 году Лир выпустил «Книгу нонсенса» («A Book of Nonsense» — переводится также как «Книга чепухи» или «Книга бессмыслиц»), включавшую забавные лимерики. Вскоре этот жанр приобрёл значительную популярность.

Стиль и сюжеты нонсенса Лира оказали влияние на творчество его современника — Льюиса Кэрролла, на французских сюрреалистов, русских обэриутов (поклонником Лира был Даниил Хармс[источник не указан 1409 дней]).

Поэт скончался 29 января 1888 года. Упоминается в песне Beatles «Paperback writer» (1966).

Сочинения и иллюстраторские работы
Illustrations of the Family of the Psittacidæ (1832)
Tortoises, Terrapins, and Turtles by J.E. Gray
Views in Rome and its Environs (1841)
Gleanings from the Menagerie at Knowsley Hall (1846)
Illustrated Excursions in Italy (1846)
A Book of Nonsense — «Книга нонсенса», переводится также как «Книга чепухи» или «Книга бессмыслиц» (1846)
Journal of a Landscape Painter in Greece and Albania (1851)
Journal of a Landscape Painter in Souther Albania (1852)
Book of Nonsense and More Nonsense (1862)
Views in the Seven Ionian Isles (1863)
Journal of a Landscape Painter in Corsica (1870)
Nonsense Songs and Stories (1871)
More Nonsense Songs, Pictures, etc. (1872)
Laughable Lyrics (1877)
Nonsense Alphabets
Nonsense Botany (1888)
Tennyson’s Poems, illustrated by Lear (1889)
Facsimile of a Nonsense Alphabet (1849, не публиковалась до 1926)

Библиография
Издания на русском языке
Лир Э. Прогулка верхом и другие стихи. М., Детская литература, 1981
Лир Э. Целый том чепухи. М., 1992
Лир Э. Книга бессмыслиц. М., 1992
Лир Э. Скриппиус-пип. Ростов-на-Дону, 1992
Лир Э. Истинная история кругосветного плавания четырех чрезвычайно чудных человечков. М., 1995
Лир Э. Книги чепухи (мини). М., Анима, 2002
Лир Э. Избранные лимерики с рисунками автора. Selected Limerics with Drawings by Author. (двуязычная) М., Яуза, 2005
Лир Э. Книга без смысла. М., Время, 2007
Лир Э. Лимерики. М., Фолио, 2008
Лир Э. Жил один старичок с кочергой. М., Азбука, 2009
Лир Э. Большая книга чепухи. М., ИД Ивана Лимбаха, 2010
Лир Э. Книга чепухи. A book of nonsense. (двуязычная) М., Эксмо, 2011
Лир Э. Про то, чего не может быть. С.-Петербург-М., Речь, 2014
Лир Э. Филин и Мурлыка. М., Карьера Пресс, 2016

Аудиоиздания
Стихотворение Эдварда Лира «Колобок» в переводе на русский язык было опубликовано в детском журнале «Колобок» (№ 3 за 1971 год) с приложением в виде гибких грампластинок. Текст читает С. Мартинсон, музыкальное оформление М. Пекарского. Режиссёр — Н. Киселёва:

Был очень обычный, несолнечный день,
Когда Он пришёл и уселся на пень.
Сбежались к нему удивлённые звери
Из тундры и джунглей, пустыни и прерий
Собака и кошка и даже верблюд
Овца-а-а и корова, и слон — тут как тут.
Пищал поросёнок, а волк завывал,
Визжала мартышка и тявкал шакал.
Тут лев зарычал, и поверьте, едва ли
Такое когда-нибудь прежде слыхали:
Тюлень, носорог, леопард, бегемот -
И каждый старался пробиться вперёд.

А после они обратились к лисе:
«Нет зверя умнее — так думают все.
Пойди и спроси, чтобы всем убедиться:
Он — жук или рыба? Он — зверь или птица?»
И Скрипиус Пип не замедлил с ответом,
Сказал он лисе, улыбнувшись при этом:
«Шиппети-хрип, хриппети-шип,
Всё проще простого, я — Скрипиус Пип!»

В каком-то лесу, на какой-то из лип
Удобно устроился Скрипиус Пип
Все птицы, что только на свете живут,
Слетелись в какие-то десять минут!
Орёл, перепёлка, пингвин, попугай -
Кудахтанье, щебет, чириканье, драй…
Индюк бормотал, а сорока трещала,
И только сова языком не болтала.
Когда же павлин завопил, то едва ли
Такое когда-нибудь прежде слыхали
Кукушка и страус, тукан и удод -
И каждый старался пробиться вперёд.

А после они обратились к сове:
«Мы знаем, что мудрость в твоей голове.
Лети и спроси, чтобы всем убедиться:
Он — жук или рыба? Он — зверь или птица?»
И Скрипиус Пип не замедлил с ответом,
Сказал он сове, улыбнувшись при этом:
«Флиппети-чип, Чиппети-флип!
Всё проще простого, я — Скрипиус Пип!»

Вдали от столиц, от посёлков вдали,
Есть море прекрасное — Джелиболи
Как только нырнул в него Скрипиус Пип,
Собралось великое множество рыб:
Форели, макрели, белуги, кефали,
Сновали уклейки, нарвалы ныряли,
Плевался брызгун и ворочался сом,
Кружила акула и била хвостом.

Тут кит запыхтел, и поверьте, едва ли,
Такое когда-нибудь прежде слыхали,
Гурами, мурена, тунец и мокрот -
И каждый старался пробиться вперёд.

Потом кашалота они попросили:
«Бесспорно, ты первый по весу и силе.
Плыви и спроси, чтобы всем убедиться:
Он — жук или рыба? Он — зверь или птица?»
И Скрипиус Пип не замедлил с ответом,
Сказал он киту, улыбнувшись при этом:
«Плиппети-флип, флиппети-плип,
Всё проще простого, я — Скрипиус Пип!»

Пожалуй, таких не бывало знакомых
У мух, у жуков и других насекомых.
На берег прекрасного Джелиболи
Иные летели, иные ползли.
Подёнки, ручейники и богомолы,
Хрущи, плавунцы, шелкопряды и пчёлы,
Трещали кузнечики, осы жужжжжали,
Звенели стрекозы, сверчки стрекотали…
Когда ж загудели шмели, то едва ли
Такое когда-нибудь прежде слыхали,
Бегун-таракан, и паук-тихоход,
И каждый старался пробиться вперёд.

Потом обратились они к муравью:
«Мы все уважаем смекалку твою.
Ползи и спроси, чтобы всем убедиться,
Он — жук или рыба, он — зверь или птица?»
И Скрипиус Пип не замедлил с ответом,
Сказал он и всем улыбнулся при этом:
«Вижжави-жип! Виззави-вип!
Всё проще простого, я — Скрипиус Пип!»

Кружили, скакали и прыгали звери
Из тундры и джунглей, пустыни и прерий;
И стало не видно совсем небосвода
От шумно летающего хоровода.
И расположился на листьях зелёных
Не менее, чем биллион насекомых.
Без устали плавали взад и вперёд
У самого берега жители вод.

Такого нигде, никогда не слыхали!
Все вместе рычали, свистели, жужжали:
«Шиппети-клип!! Виззави-блиип!!
Всё проще простого, он — Скрипиус Пип!»

Примечания
↑ Эдвард Лир. Скрипиус Пип. — «Колобок». — М.: «Правда» и Всесоюзная студия грамзаписи Мелодия, 1971. — Т. 3. — 2 гибкие пластинки+20 с. — (Детский иллюстрированный журнал с гибкими грампластинками). — 200 000 экз.
Ссылки[править | править вики-текст]
Логотип Викитеки В Викитеке есть тексты по теме
Лир, Эдвард
q: Лир, Эдвард в Викицитатнике
s: Лир, Эдвард в Викитеке
commons: Лир, Эдвард на Викискладе
«Книга нонсенса» Эдварда Лира — Edward Lear’s Books of Nonsense
Edward Lear Home Page at nonsenselit.org
Reelyredd’s Poetry Pages The Daddylonglegs and The Fly (audio file)
Эдвард Лир в Палестине Статья на сайте booknik.ru
Кухонно-чащобный спектакль «Донг с фонарём на носу» на Vimeo
⚙️ Тематические сайты
Notable Names Database · MusicBrainz · Проект «Гутенберг» · RKDartists
Словари и энциклопедии
Britannica (11-th) · Britannica (онлайн) · Dictionary of National Biography · Оксфордский биографический

1810 - родился Князь Григо́рий Григо́рьевич Гага́рин (29 апреля (11 мая) 1810, Санкт-Петербург — 30 января 1893, Шательро, Франция)

— русский художник-любитель, исследователь искусства, архитектор, обер-гофмейстер двора Его Императорского Величества, вице-президент Императорской Академии художеств.

Биография
Представитель старшей линии Гагариных. Родился 29 апреля 1810 года в семье дипломата князя Григория Ивановича Гагарина (1782—1837) и Екатерины Петровны Соймоновой (1790—1873)[3]. До 13-летнего возраста находился при своих родителях в Париже и Риме, а потом учился в коллегии Толомеи, в Сиене. По выходе из этого заведения в 1826 г. состоял при российских посольствах в Париже (в должности архивариуса), Риме и Константинополе; в течение 2 лет занимал должность секретаря при посольстве в Мюнхене и, вернувшись в 1839 г. в Петербург, вскоре за тем отправился на Кавказ, где принимал личное участие в делах против горцев.

В 1841 году Гагарин был зачислен на военную службу, прикомандирован к барону Гану. В 1841 г. же участвовал в Чиркеевском походе, за что был награждён орденом Станислава 3 ст. В 1842 году участвовал в экспедиции кн. А. Чернышёва в Дагестан, в частности посетил аул Тидиб. В 1848 г. прикомандирован к князю М.С. Воронцову (командующему Отдельным Кавказским округом и одновременно наместнику Кавказского округа) в Тифлис, «в ученом и художественном назначении быть употребленным». Кроме военных и административных обязанностей, за которые он получил сверх нескольких орденов, чины ротмистра, полковника и генерал-майора, Гагарин много работал для нужд кавказских городов. В Тифлисе по его проекту построен театр, также восстанавливал фрески в Сионском соборе и в старых грузинских монастырях, включая Грузинскую Бетанию.

В 1855 году Гагарин был назначен состоять при великой княгине Марии Николаевне, как президенте Академии художеств, в 1858 году произведён в генерал-майоры, а в 1859 году получил должность вице-президента Академии[4], в 1864 году причислен снова на гражданскую службу, с чином тайного советника. Должность вице-президента Академии занимал до 1872 года.

Владел крупным доходным домом на Кузнецком Мосту в Москве. Князь Гагарин Григорий Григорьевич похоронен в своём имении Карачарово, принадлежавшим ему с середины 19 века. Захоронение находится на берегу Волги, близ бывшего села Никольское-на-Сучке, сейчас в Конаковском районе,Тверской области.

Творчество
Продолжительное пребывание в молодости за границей способствовало развитию в нём любви к искусству. Брал уроки у К. П. Брюллова. Он занимался рисованием и живописью и, в ходе нескольких путешествий на Восток (в 1832 и 1837 годах) увлекся византийским стилем иконописания и орнаментикой, в дальнейшем занимаясь поисками взаимосвязей русского искусства и искусства Византии. В бытность свою на Кавказе расписал в этом стиле Сионский собор в Тифлисе, а потом, будучи вице-президентом Академии художеств, основал при ней Музей древностей, прилагал старания к тому, чтобы обратить русскую церковную живопись к византийским идеалам и пошибу, — старания, которые, однако, не привели к прочным результатам. Из художественных произведений князя Гагарина, кроме росписи Сионского собора, известны рисунки для роскошного издания «Le Caucase pittoresque» («Живописный Кавказ»), портреты М. К. Орбелиани, Д. А. Чавчавадзе (Русский музей), иллюстрации к повести «Тарантас» В. А. Соллогуба (в гравюрах Е. Е. Бернардского, 1845).

В настоящее время Фонд Г. Г. Гагарина в Русском музее насчитывает около 4000 единиц хранения, половину которых составляют рисунки и наброски к композициям на ориентальные темы.

Александровская колонна в лесах. 1832—1833
Крещение Христа
Проповедь Магомета. 1840—1850-е
Восточные типы из путевого альбома
Автопортрет
Свято-Вознесенский собор (1851) в городе Алагир (Северная Осетия). Проект Гагарина

Семья
Софья Андреевна
Был дважды женат и имел трёх сыновей и четырёх дочерей:
жена с 1843 года княжна Анна Николаевна Долгорукова (1822—1845), фрейлина, дочь князя Николая Андреевича Долгорукова и княжны Марии Дмитриевны Салтыковой. Умерла через несколько дней после родов.
Екатерина Григорьевна (1845—1920), с 1871 года жена Павла Сергеевича Муханова (1840—1913).
жена с 1847 года Софья Андреевна Дашкова (1822—1908), дочь сенатора Андрея Васильевича Дашкова от брака с Анастасией Петровной Мамоновой; сестра этнографа В. А. Дашкова. Выпускница Екатерининского института в Петербурге с золотым шифром большой величины; с 1841 года фрейлина цесаревны Марии Александровны. По некоторым сведениям она была возлюбленной великого князя Александра Николаевича, но к 1847 году решила прекратить его пылкие ухаживания. Сопровождая цесаревну на воды в Киссенген, влюбилась в князя Гагарина. После свадьбы в Дармштадте, супруги жили до 1854 года в Тифлисе, где их дом был центром культурной жизни города. По словам современницы, княгиня Гагарина была умная, милая и во всех отношениях достойная женщина. Свою падчерицу она любила, запретила ей говорить, что она дочь первой жены князя, и была с ней ласкова и нежна, так что та выросла, не зная, что она не дочь, а падчерица[5]. Княгиня пользовалась большим уважением в обществе, была кавалерственной дамой ордена Святой Екатерины (1871) и статс-дамой двора (1896). В браке имела детей:
Григорий Григорьевич (1850—1918), служил в Министерстве земледелия, поддерживал связь с В. В. Докучаевым[6].
Мария Григорьевна (1851—1941), с 1871 года жена Михаила Раевского (1841—1893), сына Н. Н. Раевского; их дочь Ирина была замужем за герцогом Георгом Мекленбургским
Анастасия Григорьевна (1853—1876), с 1875 года жена П. М. Орлова-Денисова (1852—1881)
Андрей Григорьевич (1856—1920), первый директор Петербургского политехнического института
Александр Григорьевич (1858—1864)
Нина Григорьевна (1861—1861)

Примечания[править | править вики-текст]
↑ Гагарин Григорий Григорьевич // Большая советская энциклопедия: [в 30 т.] / под ред. гл. ред. А. М. Прохоров — 3-е изд. — М.: Советская энциклопедия, 1969.
↑ data.bnf.fr: open data platform, платформа відкритих даних, платформа открытых данных — 2011.
↑ Гагарин, Григорий Иванович // Русский биографический словарь : в 25 томах. — СПб.—М., 1896—1918.
↑ Гагарин, Григорий Григорьевич, князь // Военная энциклопедия : [в 18 т.] / под ред. В. Ф. Новицкого [и др.]. — СПб. ; [М.] : Тип. т-ва И. Д. Сытина, 1911—1915.
↑ Рассказы бабушки и воспоминаний пяти поколений, записанные и собранные её внуком Д. Благово. - Л.: Наука, 1989.
↑ Архив Российской академии наук. Фонд 184, опись 2, ед. хр. № 33. письма Гагарина к профессору В. В. Докучаеву
Литература[править | править вики-текст]
Гагарин, Григорий Григорьевич // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.
Гагарин, Григорий Григорьевич // Русский биографический словарь : в 25 томах. — СПб.—М., 1896—1918.
Савинов А. Н. Гагарин Григорий Григорьевич // Лермонтовская энциклопедия / АН СССР. Ин-т рус. лит. (Пушкинск. Дом) ; науч.-ред. совет изд-ва «Советская энциклопедия» ; гл. ред. В. А. Мануйлов ; редкол.: И. Л. Андроников … [и др.]. — М. : Сов. энцикл., 1981. — С. 98.
Ссылки[править | править вики-текст]
Гагарин Григорий Григорьевич. Биография и творчество художника на Artonline.ru.
Князь Г. Г. Гагарин о политике России на Кавказе. Архивировано из первоисточника 29 ноября 2012.
Герой своего времени. Журнал ACADEMIA, №2 2012 г., см. стр. 72-76.. Архивировано из первоисточника 29 ноября 2012.(недоступная ссылка с 18-11-2013 [1270 дней])
Византийский князь Григорий Гагарин и его альбом «Живописный Кавказ» (1847—1857, Париж). Архивировано из первоисточника 29 ноября 2012.

КРАХ ЛЖЕПИСАТЕЛЬСТВА о Шолохове. Бар Селла
Мои дорогие корреспонденты! Запаситесь терпением и временем и прочтите этот текст до конца. Не пожалеете! Для меня он нов только в той части, которая НЕ относится к "Тихому Дону". Почему? Потому что владелец и главный редактор газеты "Новое книжное обозрение" Прохорова (родная сестра миллиардера Прохорова, умница, образованный и в высшей степени порядочный человек, очень сильный полемист и к тому же интересная женщина) в начале текущего года опубликовала в своей газете статью о книге Бар-Селлы. В ней были изложены основные положения этого текста. И было сказано, что книга выйдет в издательстве "Новое книжное обозрение." И мне стало ясно, что никакое другое издательство в современной России на подобный подвиг не отважится. Ибо это великое, может быть, величайшее политико-культурно- литературное разоблачение последних двух столетий.

Несу читателям сенсацию: лауреат Нобелевской премии в области литературы Михаил Александрович Шолохов «Тихий Дон» не украл! Он его не украл, а получил в подарок.

Вы заинтригованы, читатель? Это хорошо. Но не с руки мне так сразу взять и поднести вам эту сенсацию, как сказал бы Бендер, на блюдечке с голубой каемочкой. Не торопите меня, пожалуйста, а лучше скажите, знаете ли вы, что такое «литературный проект»? Не знаете?

О, в преуспевающих издательствах современной России это секрет Полишинеля. Печатать роман какого-нибудь случайно зашедшего в издательство Иванова, Петрова или Сидорова (тем более — Кацмана, Рабиновича или, скажем, Ицковича) с его именем на титуле там не будут, но рукопись могут взять и даже автору заплатят, только издадут его книгу под другим именем, более угодным, «раскрученным» и сулящим доход в рамках программы, которая и называется «литературный проект».

Вот как разъясняет эту тему известный писатель Анатолий Гладилин (цитирую его статью в «Панораме» за 23-29 января 2002 г.): «…Фридрих Незнанский за несколько лет успел написать больше, чем самый плодовитый писатель мира Александр Дюма-отец за всю свою жизнь. Сия загадка так бы и осталась для меня тайной, если б я не издавался в том же издательстве, которое выпускает, примерно раз в месяц, по новому детективу Незнанского. Поэтому в коридоре я видел Незнанского №2, Незнанского №3, Незнанского №4…

Спешу успокоить самого Фридриха Незнанского: литературные негры вели себя скромно, никто не кричал, что пишет книги за великого мэтра, однако в редакции все всё знают. И когда я сказал: «Бедные литературные негры», — на меня насмешливо посмотрели и ответили: «Не такие они уж и бедные»… (Далее у Гладилина пример с Полиной Дашковой, которая «преспокойно выступает по телевидению, хотя всем известно, что на нее работает бригада стахановцев». — С.И.) Бригадный метод гарантирует производство от срывов и простоев».

Почему гарантирует? Потому что метод хорошо уже отработан. А в шолоховские времена эта технология только-только осваивалась и по-настоящему еще разработана не была, поэтому по недосмотру не так гладко получалось. Впрочем, и сейчас бывают ляпсусы. Вот, например, моя жена, читая детектив Донцовой более внимательно, чем та бы желала, обнаружила в нем нестыковку двух линий повествования и никак не могла уяснить, от кого же из двух персонажей романа появился у тамошней «девицы» сынок. Видно, разработка этих сюжетных линий была поручена разным «соавторам», они свои куски творили отдельно, а когда все куски соединили, то в спешке нестыковочку проморгали.

Вот как бывает, но ведь читать внимательно вовсе не обязательно. Сколько читателей было у Шолохова, а читали до поры невнимательно. Между тем, нестыковки и ляпсусы органически присущи бригадному методу писательства. Раньше или позже они непременно должны обнаружиться.

И они обнаружились, когда за дело взялся настоящий Детектив, Лингвист, Литературовед, Исследователь — всё с большой буквы! Его имя — Зеев Бар-Селла. Возможно, читатель, вы помните это имя. Я уже о нем писал. Правда, давно, шесть лет назад, в статье «Действующие лица и исполнители» («Реклама» № 33, 1997). О нем я узнал тогда из публикации в израильской газете «Вести», перепечатанной затем в трех номерах нью-йоркской газеты «Еврейский мир».

Бар-Селла проделал колоссальную, титаническую работу по расчистке исходного (конечно, отнюдь не перу Шолохова принадлежавшего) текста «Тихого Дона» от привнесенного в него «бригадой» мусора. Он работал много лет и однажды, когда докопался до сути, предложил французскому издательству две книги: отчет о своих разысканиях и восстановленный им текст романа «Тихий Дон». Издательство согласилось, но советское (тогда еще советское) посольство во Франции резко возразило и даже угрожало какими-то карами, так что французское издание так и не состоялось.

Зато теперь итоговая и гораздо более полная книга Бар-Селлы под названием «Литературный котлован» будет издана в Москве. Об этом сообщила «Новая газета» (23 июня с.г.) статьей Николая Журавлева под красноречивым заголовком «Они писали за Шолохова. Самый грандиозный литературный проект ХХ века». У меня нет сомнения, что книга Бар-Селлы будет переведена на разные языки и станет бестселлером во многих странах, потому что интереснее её вряд ли можно что-либо вообразить.

Прежде всего — об авторе, человеке явно незаурядном. Вот что пишет Николай Журавлев: «Тридцать с лишним лет назад я знал его как Володю Назарова. Весьма амбициозного молодого лингвиста, который свои первые статьи, посвященные древнегреческим текстам, опубликовал в журнале АН СССР еще будучи школьником. Его первая книга по северокавказским языкам была выпущена им в 26 лет, но пошла под нож, поскольку ее выход совпал с отъездом автора на историческую родину его матери… По отцу он — дальний родственник генерала Назарова, избранного донским атаманом после самоубийства Каледина».

«Тихим Доном» Бар-Селла, по его словам, занялся, приняв в качестве рабочей гипотезы, что автор романа — это Шолохов. «Задача, которую я перед собой ставил, — писал он Журавлеву, — была чисто академическая: можно ли, не имея уличающих документов, доказать наличие или отсутствие плагиата? Иными словами: может ли сам литературный текст служить уликой в споре об установлении авторства? Мой ответ — положительный: может! Потому что каждое произведение литературы несет в себе не только неизгладимые черты личности автора (биографические моменты, круг чтения), но и времени, в которое оно было написано».

Каков же приговор автора «Литературного котлована»? Не только черты личности автора романа, отразившиеся в основном его тексте, никак не соответствуют личности Шолохова, но и время написания ряда эпизодов, зорко выхваченное исследователем по едва уловимым деталям, официальной версии не соответствует. Например, первая часть романа писалась определенно до войны 1914 года, то есть когда Шолохову было… менее девяти лет! Кто же на самом деле писал роман?

Исходные установки для поиска подлинного автора «Тихого Дона» Зеев Бар-Селла сформулировал себе так:

1. По стилистике подлинного текста автор явно постсимволист и близок к акмеистам. Следовательно, он должен быть их ровесником, а эти последние родились вокруг 1890 года. Значит, надо искать человека, родившегося в это же время.

2. Он должен быть родом из области Всевеликого войска Донского, поскольку досконально знает жизнь, быт и историю края и народа.

3. Он должен быть хорошо образован.

4. Он должен быть литератором, что-то создавшим и публиковавшимся.

5. Он должен любить Тургенева и Бунина, что следует из контекста романа.

6. Он должен быть белогвардейцем, поскольку жизнь красных, и это очевидно, знает хуже.

7. Он должен быть поклонником генерала Корнилова.

8. К моменту издания романа (и даже еще раньше) его не должно быть ни в живых, ни в эмиграции. То есть вторая крайняя дата его жизни должна быть около 1920-1922 гг.

И Зеев Бар-Селла нашел-таки этого человека! Это Вениамин Алексеевич Краснушкин, литератор, писавший под псевдонимом Виктор Севский. Он родился в 1891 году в станице Филоновской в зажиточной казачьей семье, глава которой выслужил дворянство. Образование получил в Московском университете. С 1908 года — профессиональный литератор. Редактировал газету. У него было более тысячи публикаций в местных и центральных изданиях, в том числе роман «Кровавая слава» (1911 г.) и биографическая книга «Генерал Корнилов» (1919 г.) Работая в Петербурге, написал статью «Внук Тургенева» — это о Бунине. В 1913 году начал писать роман о роковом любовном треугольнике (Степан, Григорий, Аксинья). Но вскоре началась война, и замысел романа расширился, потом - революция, Гражданская война. В 1920-м автор с незаконченной рукописью романа был захвачен красными в Ростове-на-Дону. Его расстреляли, а рукопись кто-то в ВЧК прочитал и оценил.

Прежде, чем перейти к судьбе рукописи в недрах органов госбезопасности, заметим, что текстологический и литературоведческий анализ сохранившегося литературного наследия Краснушкина-Севского, выполненный Бар-Селлой, подтвердил, что именно он являлся автором большей части исходного текста «Тихого Дона»: 1-го и 2-го томов полностью, 3-го — более половины, 4-го — нескольких последних страниц. Остальное писала подобранная чекистами бригада литературных «негров».

Зачем им это было нужно? Если, по Ленину, кухарку можно было допустить к управлению государством, то и в области культуры необходимо было осуществить подобный революционный прорыв. Согласно теории Ленина, культура всякой нации делится на буржуазную и пролетарскую. Буржуазную культуру — долой, а пролетарскую культуру предстояло создать и поднять на невиданную высоту. Организованный ради этого Пролеткульт с задачей не справлялся, и тогда ею занялась ВЧК, вскоре преобразованная в ОГПУ («Объединенное Государственное Политическое Управление»).

Там как раз оказалась рукопись, похоже, уровня Льва Толстого, так что чекистам оставалось только подыскать к ней классово подходящего автора. То, что у него не было и среднего образования — это ничего, это даже было хорошо! Подробнее — почему выбор пал на 18-летнего продармейца Шолохова, кто и как работал над текстом, правя и редактируя его, дописывая недостающее, — об этом, пишет Н.Журавлев, мы вскоре узнаем из книги Бар-Селлы. Подождем ее выхода в свет, а пока порассуждаем.

Я воспринял статью в «Новой газете» и предстоящий выход в Москве книги, разоблачающей Шолохова (причем, уж на сей раз окончательно и бесповоротно), с большим удовлетворением, поскольку давно был уверен, что такой низкий и подлый человек («горький пьяница, хам, завистник, подхалим и антисемит» — по характеристике, данной ему в одной из статей 1997 года в «Рекламе» Ильей Куксиным) никак не мог быть творцом «Тихого Дона». Но, как ни странно, и статья Куксина, и моя вышеназванная попали под волну критики, на которую мне пришлось откликнуться новой статьей под названием «Бог правду видит, да не скоро скажет» («Реклама» № 36, 1997). По поводу названия этой статьи, заимствованного у Л.Н.Толстого, теперь скажу: ну вот, уже скоро скажет, наконец! Постфактум говорю спасибо критиковавшему нас уважаемому автору — в споре иногда рождается истина. По крайней мере, мы — обе стороны — получаем возможность к ней приблизиться. Перечитав теперь старые статьи, нахожу, что подписался бы под ними и сегодня.

Крушение Шолохова не все воспримут с удовлетворением. Целая когорта высокопоставленных «шолоховедов», многие годы кормившихся прославлением придуманного народного «гения»; подхалимы, толпой вертевшиеся вокруг знаменитой станицы Вёшенской, выискивавшие там прототипов Григория Мелехова и прочих персонажей; искатели и изобретатели рукописей, которых не было; те, кто изображал малолетнего Шолохова вундеркиндом, и те, кто придумал, что он был на десять лет старше, чем значилось в паспорте, чтобы представить его имевшим достаточный для написания шедевра жизненный опыт; сочинители, утверждавшие, что он, якобы, был красным разведчиком в стане белых; поклонники, рисовавшие хулигана образцом нравственности и чуть ли не диссидентом; авторы многочисленных лжесвидетельств и мифов «шолоховедения» — все они могут остаться без любимой темы, а, значит, лишиться кормушки. Огорчены будут и некоторые рядовые читатели. Например, тот, кто в связи с газетной дискуссией написал в газету: «Я всегда хотел, чтобы автором «Тихого Дона» оставался Шолохов». «Очень интересная позиция, — откликнулся я тогда. — Мне лично ни такая, ни противоположная мысль в голову не приходила. Единственно, чего всегда хотел, так это знать правду».

Итак, теперь абсолютно ясно, что роман «Тихий Дон» написан отнюдь не Шолоховым и то, что ему досталась Нобелевская премия, можно считать одним из курьёзов ХХ века. Узнай об этом изобретатель динамита, — перевернулся бы в гробу.

А как насчет других творений Нобелевского лауреата? Хронологически первыми, как известно, были «Донские рассказы» (1926 г.) «Шолоховеды» это выставляли как факт творческой зрелости Шолохова. Однако, согласно анализу Зеева Бар-Селлы, для компиляции «Донских рассказов» гэпэушной бригадой сочинителей были использованы именно фрагменты арестованной рукописи В.А. Краснушкина-Севского, причем не вполне квалифицированно: некоторые фабулы рассказов, указывает Бар-Селла, немыслимы, поскольку разработаны людьми, не знавшими, например, законов поземельных отношений в области Войска Донского.

Следующие за «Тихим Доном» книги — «Поднятая целина», «Они сражались за Родину», «Судьба человека» — никак «Тихому Дону» не соответствовали. Они и между собой, как я писал в 1997 году («Реклама» № 33), не родственны, как будто написаны разными людьми. А роман «Они сражались за Родину», печатавшийся по главам, так и не был завершен. Можно понять, когда смерть автора обрывает нить повествования. Так ведь нет, писатель еще долго и прекрасно жил, резвился и на здоровье не жаловался. Очень похоже, что кто-то за Шолохова писал эти главы, но потом что-то случилось, и казаку-седоку пришлось спешиться. Оттого и долгое молчание — в том смысле, что, числясь писателем, писательскую продукцию на-гора совсем не выдавал, а только ругался со всех трибун.

Окончательно я утвердился в несоответствии Шолохова приписываемым ему творениям (не только «Тихого Дона», но и всех прочих), когда после его смерти прочитал в «Литературной газете» большую статью кого-то из шолоховских клевретов, вертевшихся вокруг станицы Вёшенской. Смысл статьи был таков, что весь мир замер, не слыша более голоса гения из этой всемирно известной станицы, а то, что это был невиданный на Земле гений, можно заключить хотя бы из такого факта, что все замыслы только в голове держал, и писал сразу начисто, — никаких черновиков, никаких записных книжек.

Подумать только, воскликнул я тогда, Пушкин писал наброски, зачеркивал, переделывал, снова марал и писал заново. Толстой трудился-мучился, Софью Андреевну извел бесконечным переписыванием. А Шолохов, выходит, писал легко и сразу, как бы по озарению свыше, мук творчества не ведая и зря бумагу не переводя? Ну, тут дело ясное: раз не было у Шолохова архива, значит, не он писал, а кто-то другой или другие.

Это было моё мнение. Теперь обратимся к изысканиям Зеева Бар-Селлы. По его заключению, роман «Поднятая целина», хотя и содержит фрагмент («корниловский мотив»), перешедший из «Тихого Дона», то есть из рукописи расстрелянного В.А.Краснушкина-Севского, написан другим человеком. Его личность тоже установлена — это донской литератор Константин Иванович Каргин. Кроме текстологической экспертизы, здесь интересна удивительная корреляция, обнаруженная Бар-Селлой и поразившая его — корреляция между датами выхода в свет частей «Поднятой целины» и датами сложной судьбы Каргина. Публикация «Поднятой целины», как известно, растянулась на долгие годы — с 1932 по 1960. Начинал Каргин на Дону, но во время войны попал к немцам в плен, затем остался на Западе невозвращенцем, то есть как бы «изменником Родины». Однако странным образом в 1959 году кто-то с ним договорился, он был прощен советской властью, возвратился домой, и уже через год вышла долгожданная, в течение двадцати лет испрашивавшаяся читателями у Шолохова вторая книга «Поднятой целины».

В предисловии к книге «Стремя «Тихого Дона» (загадки романа)» Солженицын писал: «Простым художественным ощущением, безо всякого поиска воспринимается: не то, не тот уровень, не то восприятие мира. Да один только натужный грубый юмор Щукаря совершенно несовместим с автором «Тихого Дона»…» Солженицын не ошибся, но что дивно: даже этот натужный грубый юмор Щукаря не Шолоховым сочинен, этот лауреат всех премий и дважды Герой Социалистического Труда вообще ничего складного написать не мог. Да если бы и мог, то не пожелал бы: зачем ему самому трудиться, когда с 1923 года у него от ОГПУ полный пансион и обслуга? Вот что значит Социалистический Труд, которого он аж дважды Герой, потому что ухитрился всю жизнь не трудиться.

Он не утруждал себя даже подготовкой своих речей. Вот удивительный документ, обнародованный Бар-Селлой. Это машинописный текст выступления Шолохова на Втором съезде советских писателей. На нем надпись рукой Шолохова: «Л.Ф.Ильичеву, дорогому другу и автору сей речуги, — с поклоном и благодарностью. М.Шолохов. P.S. Аплодисменты — пополам: мне как исполнителю, тебе — как автору. М.Ш.» Л.Ф.Ильичев был секретарем ЦК КПСС, вряд ли он сам писал для Шолохова «речугу», в его распоряжении для этого была большая команда помощников, умеющих писать, но Шолохову, видно, вручили текст выступления от имени Ильичева, отчего он и посчитал шефа автором.

Самый впечатляющий сюрприз ждет читателей в связи с разысканиями Зеева Бар-Селлы вокруг романа «Они сражались за Родину» и в тексте его опубликованных глав. Кто писал эти главы и почему роман не дописан, не завершен? В статье о «шолоховедах» и «шолохолюбах» в «Рекламе» № 7 этого года я высказал такое предположение по этому поводу: «А что, если вдруг выяснится, что публиковавшиеся с 1943 года главы романа «Они сражались за Родину», так и не законченного аж за 40 лет последующего здравствования маститого лауреата, принадлежали не Шолохову, а какому-то, к примеру, работнику фронтовой армейской газеты?» Как в воду глядел!

Но прежде всего посмотрите-ка, читатель, как в отличие от нас читает тексты Зеев Бар-Селла. Мы читаем быстро и невнимательно, многое при этом не замечаем, а он, присматриваясь к каждому слову, обнаруживает такое, что, собрав это всё вместе, можно было бы издать увлекательную книжку под названием, например, «Занимательное литературоведение».

Перехожу к его находкам, которые я не поленился проверить по тексту, и кое-что, приведенное в «Новой газете», уточнил. Персонаж романа «Они сражались за Родину» Звягинцев рассказывает, как в мирной жизни получил от жены удар тарелкой по физиономии, на что вскричал: «Так-то вы, Настасья Филипповна, показываете свою культурность?» Настасья Филипповна — так это же из «Идиота» Достоевского! Какой писатель остановит свой выбор на этом ставшем классическим имени-отчестве? Никто и никогда! Мало, что ли, других женских имен? А если пишет литературный батрак, раб? Тогда вполне может поглумиться над рабовладельцем. Тот не заметит. Зато потом, подумал раб, подобно пушкинскому Пимену, «когда-нибудь монах трудолюбивый найдет мой труд усердный, безымянный», заметит он тогда мои пометы, да и поймет, что то писал другой!

Еще один персонаж романа по фамилии Лопахин «шмыгнул в сад. Но едва лишь вишневые деревья скрыли его от посторонних взоров…» Батюшки, Лопахин и вишневый сад — так это ведь как у Чехова! Прозрачно до издевательства. И опять батрак был уверен, что Шолохов не поймет. Еще там персонаж — старшина Поприщенко. И эта фамилия вписана неспроста: у Гоголя в «Записках сумасшедшего» — Поприщин.

Помню, в старинных среднеазиатских мозаиках среди замысловатых орнаментов и переплетений нам показывали тщательно замаскированный автограф художника. Делать такое было запрещено и опасно, но мастер все же оставлял свое имя. И на живописных полотнах мастеров мы нередко видим их полуспрятанные автопортреты. Вот и тот, кто волей обстоятельств должен был писать за Шолохова, оставлял потомкам свою тайнопись. Она прочитана! — хочется сейчас ему крикнуть.

Но кто он? Не буду вас томить, читатель, вот намёк: книга Зеева Бар-Селлы, которая скоро должна выйти в Москве, называется «Литературный котлован». Это название вам что-то говорит? Да, конечно, была знаменитая повесть «Котлован», и жил, очень плохо жил ее талантливый автор. Процитирую из статьи Николая Журавлева в «Новой газете»:

«Какого мастера такого уровня в то время можно было заставить стать «негром»? Только такого, у которого настолько туго с добыванием хлеба насущного, у которого перекрыты все пути в литературу, у которого плюс к этому серьезнейшие неприятности в семье по части репрессий, что он на всё готов. И этому человеку Шолохов по старой и тесной дружбе помогает (по его же словам) освободить сына… А когда Сталин… советует Шолохову написать очередную эпопею про идущую войну, к кому он мог обратиться за спасением?.. Только к старому другу, с которым они регулярно пили водку, запершись на кухне в квартирке на Тверском бульваре»…

Речь идет об Андрее Платонове. Какая там могла быть у него дружба с Шолоховым, мне непонятно. Разве что дружба в кавычках. Принуждение, уламывание непокорного, вплоть до использования для этого репрессивных органов. Шолохов на всё был способен. И Платонов не устоял. Именно в это время — после всех обрушившихся на него бедствий — его вдруг оценили, он назначается фронтовым корреспондентом, семья получает денежный аттестат, паек и прочее. Платонову создают условия, и он пишет не свой роман. Сколько успел, сдал заказчику. Умер — и дописывать роман уже было некому.

Литературный проект по созданию шедевров пролетарской литературы, затеянный в 1923 году чекистами, зачах. Его организаторы и покровители канули в лету, новых энтузиастов для продолжения проекта не оказалось, так что с Платоновым Шолохову пришлось договариваться лично. И замену ему найти он уже не смог. Дальше — еще хуже, времена стали меняться, средства принуждения уже не те. Что же бедному Шолохову оставалось? Правда, он был совсем не беден и «негров» вполне еще мог просто купить. За деньги или за протекции, поскольку везде имел руку и в самых верхах поддержку.

В статье Журавлева и в прежней публикации Бар-Селлы никаких сведений не было о рассказе «Судьба человека» (1957 г.), на котором писательская судьба Шолохова завершилась, хотя бражничать ему оставалось еще 27 лет, и если бы он был действительно писателем, то мог бы еще большое наследие оставить. Кто же всё-таки написал «Судьбу человека»? У меня была догадка, и я высказал ее в статье, которую выше цитировал. Вот она: «А что, если рассказ «Судьба человека» был написан, к примеру, писателем Анатолием Калининым, автором близкого по стилю романа «Цыган»? Почему он не мог отдать свою рукопись как взятку ради своего продвижения?» Эх, провел бы Бар-Селла сравнительный анализ текстов! А может, он уже это сделал? Буду ждать его книгу с нетерпением.

Можно себе представить, какой переполох она произведет в стране, где ежегодно отмечается День Шолохова и присуждаются премии Шолохова, где каждый школьник его знает, где он уже привычная икона и национальная гордость. Можно представить также и переполох в Нобелевском комитете, когда снова всплывут свидетельства о подкупе общественных деятелей и давлении советских эмиссаров. Ведь действия по блокированию Нобелевской премии Пастернаку и приказ советскому послу в Швеции добиваться ее присуждения Шолохову исходили из самой высокой советской инстанции — ЦК КПСС (в недавней статье, посвященной Пастернаку, я цитировал ныне рассекреченные партийные Постановления той поры).

Так что, грядёт буря. Несомненно. Но за нею — очищение от налипшей лжи.

1887 - ролился Никола́й Андре́евич Ты́рса (9 мая 1887 — 10 февраля 1942) — русский живописец, график, специалист прикладного искусства и педагог, представитель ленинградской школы пейзажной живописи. Один из создателей ленинградской школы книжной графики.

Биография
Николай Андреевич Тырса родился в селе Аралых Эриванской губернии (ныне Аралык, Турция) в семье офицера Кубанского казачьего войска.

В 1905—1909 обучался с перерывами на архитектурном отделении ВХУ при Императорской Академия художеств в Петербурге (курса обучения не закончил) и в частной Школе живописи и рисования Е. Званцевой у Л. Бакста и М. Добужинского (1906—1910)[1].

Занимался преподавательской деятельностью — в петроградской Академии Художеств, Государственных художественно-промышленных мастерских (1918—1922)[2] и Ленинградском институте гражданских инженеров (1924—1942).

С 1921 г. Тырса стал заниматься книжной графикой. Первой его работой в этом направлении стало оформление книги «Комедия о царе Максимилиане и непокорном сыне его Адольфе».

Среди его работ иллюстрации к таким книгам, как «Осада дворца» В. А. Каверина, «Республика ШКИД» Г. Белых и Л. Пантелеева, «Снежная книга» В. В. Бианки, «Военные кони» Н. С. Тихонова, «Детство» М. Горького.

Одними из лучших в данном направлении стали его работы по оформлению книг Б. С. Житкова.

В 1940-41 гг. работал вместе с В. И. Мухиной в экспериментальном цехе Ленинградской зеркальной фабрики, занимаясь дизайном изделий из стекла (графинов, стаканов, ваз). 14 июня 1941 года в Русском музее в Ленинграде открылась первая и последняя прижизненная персональная выставка произведений художника.[3]

29 января 1942 года тяжело больной художник был эвакуирован из блокадного Ленинграда. Умер 10 февраля 1942 года в Вологде.

Книжная иллюстрация
Каверин В. Осада дворца. Рассказ для юношества. М.-Л. :Гос. изд-во, 1926
Тихонов Н. Военные кони. М.-Л.: Гос. изд-во, 1927
Бианки В. Снежная книга. Л. : Гос. изд-во, 1926
Белых Г., Пантелеев Л. Республика Шкид. М.-Л.: Гос. изд-во, 1927
Житков Б. Про слона: [Рассказ]. Л.: Ленгиз, 1926 (1927, 1929, 1930,1931, 1934, 1935, 1938)
Житков Б. Голый король. М; Л.: Гос. изд-во, тип. Печатный двор в Лгр.,1927. (1930)
Житков Б. Дяденька: [Рассказ]. М; Л.: Гос. изд-во, тип. Печатный двор в Лгр., 1927. (1928, 1931)
Житков Б. Джарылгач: [Рассказ]. М; Л.: Гос. изд-во, тип. Печатный двор в Лгр., 1928. (1930)
Житков Б. Компас: [Рассказ]. М.; Л.: Гос. изд-во, тип. Печатный двор в Лгр., 1928. (1930)
Житков Б. Про обезьянку: [Рассказ]. М; Л.: Гос. изд-во, тип. Печатный двор в Лгр., 1928 (1929, 1930, 1931, 1936)
Житков Б. Удав. М.; Л.: Гос. изд-во, тип. Печатный двор в Лгр., 1928
Житков Б. Чёрная махалка: [Рассказ]. М.; Л.: Гос. изд-во, тип. Печатный двор в Лгр., 1928
Житков Б. Злое море: [Рассказы]. М; Л.: Гос. изд-во, тип. Печатный двор в Лгр., 1929. (1930)
Житков Б. Коржик Дмитрий: [Рассказ]. М.; Л.: Гос. изд-во, тип. Печатный двор в Лгр., 1929. (1930)
Житков Б. Мария и Мэри: [Рассказ для детей]. М.; Л.: Гос. изд-во, тип. Печатный двор в Лгр., 1929. (1930)
Житков Б. Под водой: [Рассказ для детей]. М.; Л.: Гос. изд-во, тип. Печатный двор в Лгр., 1929. (1930)
Житков Б. Шквал: [Рассказ для детей]. М.; Л.: Гос. изд-во, тип. Печатный двор в Лгр., 1929. (1930)
Житков Б. Метель: [Рассказ]. Изд. 2. М.; Л.: Огиз; Молодая гвардия, 1931
Житков Б. Рассказы о животных: [Для мл. возраста]. М.; Л.: Детиздат, 1940
Житков Б. Из морских историй: Рассказы / Илл.: Н. Тырса, П. Павлинов. М.: Детгиз, 1958. (1964)
Житков Б. Пудя: Рассказ для детей ст. возраста. [М.]: Молодая гвардия, б.г.
Примечания[править | править вики-текст]
↑ Николай Андреевич Тырса (1887—1942). Живопись, графика, художественное стекло. Каталог выставки. СПб, Русский музей. 1992. С. 21.
↑ Тырса, Николай Андреевич
↑ Художник. 1990, № 6. С.25.

Литература
Выставка произведений ленинградских художников, посвящённая 25-летию Победы над фашистской Германией. Каталог. — Л., Художник РСФСР, 1972. — С. 29.
Петров В. Н. Из «книги воспоминаний». Встречи с Н. А. Тырсой. / Панорама искусств. — М.: Сов. художник, 1980. — С. 128—142.
Козырева Н. Николай Тырса // Художник : журнал. — 1990. — № 6. — С. 22—26.
Николай Андреевич Тырса (1887—1942). Живопись, графика, художественное стекло. Каталог выставки. — СПб.: Рус. музей, 1992.
Сурис Б. Д. Н. А. Тырса // Страницы памяти. Справочно-мемориальный сборник. — СПб., 2010. — С. 255—257.
Траугот В. Тырса и Басманов // Эксперимент : журнал русской культуры. — № 16: Шестнадцать пятниц: Вторая волна ленинградского авангарда. В 2 ч. — LA (USA), 2010. — Ч. 2. — С. 151—153.
Пантелеев Л. Тырса