Государственная Третьяковская галерея, ГТГ (известна также как Третьяковка) — художественный музей в Москве, основанный в 1856 году купцом Павлом Третьяковым и имеющий одну из самых крупных в мире коллекций русского изобразительного искусства. Экспозиция в инженерном корпусе «Русская живопись XI — начала XX в» (Лаврушинский переулок, д. 10) является частью Всероссийского музейного объединения «Государственная Третьяковская галерея», образованного в 1986 году.

Павел Третьяков начал собирать свою коллекцию живописи в середине 1850-х. Это спустя некоторое время привело к тому, что в 1867 г. для широкой публики в Замоскворечье была открыта «Московская городская галерея Павла и Сергея Третьяковых». Её коллекция насчитывала 1276 картин, 471 рисунок и 10 скульптур русских художников, а также 84 картины иностранных мастеров. В 1892 году Третьяков завещал свою галерею городу Москве. Фасады здания галереи разработаны в 1900—1903 годах архитектором В. Н. Башкировым по рисункам художника В. М. Васнецова. Руководство строительством осуществлял архитектор А. М. Калмыков.

В августе 1892 Павел Михайлович передал свою художественную галерею в дар Москве. В собрании к этому времени насчитывалось 1287 живописных и 518 графических произведений русской школы, 75 картин и 8 рисунков европейской школы, 15 скульптур и коллекция икон. 15 августа 1893 состоялось официальное открытие музея под названием «Московская городская галерея Павла и Сергея Михайловичей Третьяковых».

3 июня 1918 года Третьяковская галерея была объявлена «государственной собственностью Российской Федеративной Советской Республики» и получила название Государственная Третьяковская галерея. Директором музея был назначен Игорь Грабарь. При его активном участии в том же году был создан Государственный музейный фонд, который вплоть до 1927 г. оставался одним из важнейших источников пополнения коллекции ГТГ.

Илья Ефимович Репин, Портрет Павла Михайловича Третьякова

С первых дней Великой Отечественной войны в Галерее начался демонтаж экспозиции — как и другие музеи Москвы, ГТГ готовилась к эвакуации. В середине лета 1941 года эшелон из 17 вагонов отправился из Москвы и доставил коллекцию в Новосибирск. Лишь 17 мая 1945 ГТГ была вновь открыта в Москве.

В 1985 году Государственная картинная галерея, располагавшаяся на Крымском Валу, 10, была объединена с Третьяковской галереей в единый музейный комплекс под общим названием Государственная Третьяковская галерея. Сейчас в здании располагается обновлённая постоянная экспозиция «Искусство XX века».

Частью Третьяковской галереи является Музей-храм Святителя Николая в Толмачах, представляющий уникальное соединение музейной экспозиции и действующего храма. В комплекс музея в Лаврушинском переулке входят предназначенные для временных выставок Инженерный корпус и Выставочный зал в Толмачах.

В состав федерального государственного учреждения культуры Всероссийское Музейное Объединение Государственная Третьяковская Галерея (ФГУК ВМО ГТГ) входят: Музей-мастерская скульптора А.С. Голубкиной, Дом-музей В. М. Васнецова, Музей-квартира А.М. Васнецова, Дом-музей П.Д. Корина, Выставочный зал в Толмачах.

Картины из собрания Государственной Третьяковской галереи

Иван Крамской. Неизвестная, 1883.

Это, пожалуй, самое известное произведение Крамского, самое интригующее, остающееся по сей день непонятым и неразгаданным. Назвав свою картину "Неизвестная", Крамской закрепил навеки за ней ореол таинственности. Современники буквально терялись в догадках. Ее образ вызывал беспокойство и тревогу, смутное предчувствие удручающего и сомнительного нового - появление типа женщины, не вписывавшейся в прежнюю систему ценностей. "Неизвестно: кто эта дама, но в ней сидит целая эпоха", - констатировали некоторые. В наше время "Неизвестная" Крамского стала воплощением аристократизма и светской утонченности. Словно царица она возвышается над туманным белым холодным городом, проезжая в открытом экипаже по Аничкову мосту. Ее наряд — шляпа "Франциск", отделанная изящными легкими перьями, "шведские" перчатки, сшитые из тончайшей кожи, пальто "Скобелев", украшенное собольим мехом и синими атласными лентами, муфта, золотой браслет — все это модные детали женского костюма 1880-х гг., претендующие на дорогую элегантность. Однако это не означало принадлежности к высшему свету, скорее наоборот — кодекс неписаных правил исключал строгое следование моде в высших кругах русского общества.

И.Е. Репин. Осенний букет, 1892

На картине художник запечатлел свою дочь – Веру Ильиничну Репину. Она собрала последние осенние цветы, гуляя в окрестностях Абрамцева. Сама героиня картины полна жизненной энергии. Она лишь на мгновение остановилась, обернув к зрителю красивое яркое лицо. Глаза Веры чуть прищурены. Кажется, она вот-вот улыбнётся, одарив нас теплом своей души. На фоне увядающей природы девушка смотрится прекрасным, благоухающим цветком, жизнерадостной молодостью и красотой веет от крепкой и статной фигуры. Художник умело и правдиво изобразил её в полный рост – излучающую энергию, оптимизм и здоровье.

Репин писал:

Начинаю портрет Веры, посреди сада с большим букетом грубых осенних цветов, с бутоньеркой тонких, изящных; в берете, с выражением чувства жизни, юности, неги.

Глядя на эту цветущую девушку, верится в вечное торжество жизни, её нескончаемость и обновление. Картина И.Е. Репина «Осенний букет» дарит надежду на неизбежную победу добра над злом, красоты над увяданием и на бессмертие человеческого таланта.

В наследии Ильи Ефимовича Репина портрет занимает видное место. Всё привлекало художника в его моделях – выразительность лица, позы, темперамент, одежда... И каждая работа отличается жизненной полнотой и многосторонностью характеристики. Художническая зоркость мастера позволяла не только передать особенности изображаемого человека, но и создать обобщённый образ – образ того времени, в котором он живёт.

Валентин Александрович Серов. Девочка с персиками, 1887.

Валентин Александрович Серов подолгу гостил в Абрамцеве, подмосковном имении Саввы Ивановича Мамонтова. Здесь, в столовой усадебного дома, и была написана знаменитая картина «Девочка с персиками» – портрет Веры Мамонтовой (1875–1907), двенадцатилетней дочери мецената. Это одно из первых в России произведений импрессионистической живописи. Чистые краски, живой энергичный мазок рождают образ юности, полный поэзии и счастья. В отличие от французских импрессионистов Серов не растворяет предметный мир в свете и воздухе, а заботится о передаче его материальности. В этом проявилась близость художника к реалистам, его предшественникам и учителям – И.Е. Репину и П.А. Чистякову. Особое внимание он уделяет лицу девочки, любуясь ясностью и серьезностью его выражения. Соединяя портрет с изображением интерьера, художник создал новый тип портрета-картины.

Валентин Серов так отзывался о работе над этой картиной:

Все, чего я добивался, — это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил ее, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности, — вот как у старых мастеров

Михаил Александрович Врубель. Царевна-Лебедь, 1900.

Прототипом образа послужила жена художника Надежда Ивановна Забела-Врубель. Мастер был поражён её сценическим воплощением роли Царевны-Лебедь в опере Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане». Надежда Ивановна, известная певица и муза художника, внесла во внутренний мир живописца обаяние женской прелести. Искусство Врубеля и творчество Забелы были связаны между собой незримыми, но прочными нитями. Источником вдохновения Михаила Александровича служили также русский былинный эпос и национальные фольклорные традиции. Опираясь на легенду, миф, былину, художник не иллюстрировал их, но создавал собственный поэтический мир, красочный и напряжённый, полный торжествующей красоты и вместе с тем тревожной таинственности, мир сказочных героев с их земной тоской и человеческим страданием.

В самую глубину нашей души заглядывают широко открытые чарующие «бархатные» очи царевны. Она словно всё видит. Поэтому, может быть, так печально и чуть-чуть удивлённо приподняты собольи брови, сомкнуты губы. Она будто заколдована. Но вы слышите биение сердца русской сказки, вы пленены взором царевны и готовы бесконечно глядеть в её печальные добрые очи, любоваться обаятельным, милым лицом, прекрасным и загадочным. Игру изумрудных самоцветных камней на кокошнике у царевны, положение перьев на крыльях художник передал ритмичными мазками, штрихами, похожими на мозаику. Эта ритмичность придаёт образу музыкальность. Она «слышится» в мерцании и переливах воздушных, невесомых красок на первом плане, в тончайших градациях серо-розового, в поистине нематериальной живописной материи полотна, «превращающейся», тающей. Вся томительная, печальная красота образа выражена в этой особенной живописной материи.

...За морем царевна есть,
Что не можно глаз отвесть:
Днём свет Божий затмевает,
Ночью землю освещает.
Месяц под косой блестит,
А во лбу звезда горит...

Александр Сергеевич Пушкин

Иван Шишкин, Константин Савицкий. Утро в сосновом лесу, 1889.

Картина пользуется популярностью благодаря занимательному сюжету. Однако истинной ценностью произведения является прекрасно выраженное состояние природы. Показан не глухой лес, а солнечный свет, пробивающийся сквозь колонны великанов. Чувствуется глубина оврагов, мощь вековых деревьев. И солнечный свет как бы робко заглядывает в этот дремучий лес. Чувствуют приближение утра резвящиеся медвежата. Мы являемся наблюдателями за дикой природой и ее обитателями.

Замысел картины подсказал Шишкину Савицкий К.А. Медведей написал Савицкий в самой картине. Эти медведи с некоторыми различиями в позах и количестве (сначала их было двое) фигурируют в подготовительных рисунках и эскизах. Медведи получились у Савицкого столь удачно, что он даже расписался на картине вместе с Шишкиным. А когда эту картину приобрел Третьяков, он снял подпись Савицкого, оставив авторство за Шишкиным.

Виктор Васнецов. Алёнушка, 1881.

Работу над картиной художник начал в 1880 году. Сначала он рисовал пейзажные этюды на берегу Вори в Абрамцеве, у пруда в Ахтырке. Сохранилось много этюдов этого времени.

Картина "Аленушка" В.М. Васнецова стала одним из самых трогательных и поэтических его созданий. На берегу темного омута сидит девушка, горестно склонив голову на руки. Вокруг нее желтеющие березки сбрасывают листья в неподвижную воду, за спиной – плотной стеной встал еловый бор.

Образ Аленушки и реален, и сказочен одновременно. Печальный облик и ветхая, бедная одежда юной героини воссоздают в памяти натурный этюд художника, сделанный с крестьянской девочки-сиротки в год написания картины. Жизненность изображения сочетается здесь со сказочно-поэтической символикой. Над головой Аленушки, сидящей на сером холодном камне, аркой изогнулась тонкая ветка с щебечущими ласточками. По сведениям знаменитого исследователя русской народной сказки А.Н. Афанасьева, с которым Васнецов был знаком через абрамцевский кружок, ласточка приносит добрые вести, утешение в несчастье. Темный лес, омут и распущенные волосы отождествлялись в древних поверьях с бедой, опасностью и тяжелыми думами, а береза, растущая у воды, была знаком исцеления.

Даже если художник не вкладывал в полотно столь подробной символики, оно не производит впечатления безысходности, возможно, потому, что мы помним сказку со счастливым концом.

Сам Васнецов так отзывался о своей картине:«Аленушка» как будто давно жила в моей голове, но реально я увидел ее в Ахтырке, когда встретил одну простоволосую девушку, поразившую моё воображение. Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в её глазах... Каким-то особым русским духом веяло от неё.

Критик И. Э. Грабарь назвал картину одной из лучших картин русской школы.

Алексей Кондратьевич Саврасов. Грачи прилетели,1871.

«Грачи прилетели» — знаменитая картина русского художника Алексея Саврасова, созданная в 1871 году. Картина является самым известным произведением Саврасова, фактически, он так и остался «художником одной картины».

Этюды к этой картине были написаны в деревне Молвитино (ныне Сусанино) Костромской губернии. Доработка картины происходила в Москве, в мастерской художника. В конце 1871 года картина «Грачи прилетели» впервые предстала перед публикой на первой выставке Товарищества передвижных художественных выставок. «Грачи» стали открытием в живописи. Статичные пейзажи Куинджи и Шишкина сразу потеряли статус новаторских.

Произведение было сразу же куплено Павлом Третьяковым для его коллекции.

Константин Дмитриевич Флавицкий. Княжна Тараканова, 1864.

Первоосновой для создания картины послужила история княжны Таракановой, авантюристки, выдававшей себя за дочь императрицы Елизаветы Петровны и сестру Емельяна Пугачёва. По повелению императрицы Екатерины II она была арестована и в мае 1775 года была доставлена в Петропавловскую крепость, подвергнута продолжительному допросу фельдмаршалом князем Голицыным, во время которого давала различные показания. Умерла от чахотки 4 декабря 1775 года, скрыв тайну своего рождения даже от священника.

Картина была написана в 1864 году, и в этом же году впервые выставлена выставке Академии художеств. В. В. Стасов, известный критик того времени, высоко ценивший картину, назвал полотно Флавицкого:

«чудесной картиной, славой нашей школы, блистательнейшим творением русской живописи»

Картина была приобретена Павлом Третьяковым для его коллекции уже после смерти художника.

Сюжетом для картины послужило предание о гибели Таракановой во время наводнения в Санкт-Петербурге 21 сентября 1777 года (исторические данные говорят о том, что она умерла на два года раньше этого события). На полотне изображён каземат Петропавловской крепости, за стенами которой бушует наводнение. На кровати, спасаясь от воды, прибывающей в зарешеченное окно, стоит молодая женщина. Промокшие крысы выбираются из воды, подбираясь к ногам узницы.

За картину «Княжна Тараканова» художнику Константину Флавицкому было присуждено звание профессора исторической живописи.

Василий Владимирович Пукирев. Неравный брак, 1862.

Работа была написана в 1862 году, сразу после окончания Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Картина «Неравный брак» доставлена на академическую выставку 1863 года, своей общей идеей, сильной экспрессией, необычайным для бытового сюжета размером и мастерским исполнением сразу выдвинувшая художника на одно из самых видных мест в среде русских живописцев. За нее Академия наградила его званием профессора.

Сюжет картины — неравный брак молодой красивой девушки и дряхлого богатого старика. Вокруг равнодушные лица, лишь один молодой человек скрестив руки осуждающе смотрит на пару. Считается что в этом человеке художник изобразил себя, как бы выражая свой протест.

Исаак Левитан. Март, 1895.

Вся картина исполнена той особенной человеческой радости, которая приходит весной. Незакрытая дверь, оставленная у крыльца лошадь Дианка говорят о незримом присутствии людей. Исаак Ильич умел говорить о человеке через пейзаж, умел «искать и открывать в природе – по выражению Михаила Михайловича Пришвина (1873-1954) – прекрасные стороны души человеческой».

Полотно написано в 1895 году в Тверской губернии в имении знакомых Турчаниновых Горки. Исаак Ильич наблюдал и писал первые дни весны, а стремительное её приближение заставляло его торопиться. В несколько сеансов, без какой-либо этюдной подготовки, целиком с натуры мастер написал свой лучезарный Март. Что изображено на холсте? Задворки обычной усадьбы, пригретые и освещённые солнцем, тающий снег с синими тенями, тонкие ветви деревьев на фоне неба, яркая стена дома... Сколько во всём этом весенней мелодии!

Оживление природы в данной композиции раскрывается через поэзию света, ослепительно яркого мартовского солнца, и уж потом подкрепляется порыхлевшим снегом. Мы привыкли называть его «белым», но для зоркого глаза пейзажиста белизна создаётся из множества цветовых оттенков. Снег на картине Левитана живёт – дышит, мерцает, отражает голубое небо. Живописная гамма с её цветовыми тенями построена на импрессионистском сочетании взаимодополняющих цветов. Если импрессионисты растворяют цвет в свете, то Левитан стремился сохранить цвет изображаемого предмета. Полотно Март написано яркими, радостными красками. Непритязательному, обыденному мотиву, почерпнутому из деревенской жизни, автор сумел придать эмоциональную насыщенность, очаровать зрителя непосредственностью передачи лирического чувства. Средствами живописи вызываются не только зрительные, но и другие ощущения. Мы слышим все шорохи и звуки природы: шелест ветвей деревьев, пение капели. Левитан создал пейзаж полный жизни, солнца, напоенный светом и воздухом.

Иван Крамской. Христос в пустыне, 1872.

Задуманная в 1868 году, картина потребовала нескольких лет напряженной внутренней работы. Завершенное произведение сразу же было приобретено непосредственно в мастерской художника Павлом Третьяковым. "По- моему, это самая лучшая картина в нашей школе за последнее время", - писал он.

Представленный на Второй передвижной выставке "Христос в пустыне" стал сенсацией. Перед картиной разгорались горячие дискуссии, публика искала некий скрытый смысл в этой сильной но безнадежно одинокой фигуре, затерянной в бесплодной каменной пустыне. Крамскому удалось создать o6paз исключительной выразительности равной, возможно, самым трагическим страницам евангельской истории. Аскетизм колорита и живописных приемов лишь усиливает сосредоточенность на нравственной стороне содержания произведения. Тяжелые душевные переживания Христа, может быть, впервые в русском изобразительном искусстве заставляют задуматься о проблеме личного выбора. В этой глубокой драме уже изначально открывается неадекватность ожидания Христа и человеческих возможностей.

"Я вижу ясно, что есть один момент в жизни каждого человека, мало- мальски созданного по обраэу и подобию Божию, взять ли за Господа Бога рубль или не уступать ни шагу злу. Мы все знаем, чем обыкновенно кончается подобное колебание" - писал художник.

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин. Купание красного коня, 1912.

Самая известная картина художника Кузьмы Петрова-Водкина. Написана в 1912 году, стала этапной для художника и принесла ему мировую известность.

В 1912 году Петров-Водкин жил на юге России, в имении близ Камышина. Именно тогда им были сделаны первые наброски для картины. А также написан первый, несохранившийся вариант полотна, известный по черно-белой фотографии. Картина представляла собой произведение скорее бытовое, чем символическое, как это произошло со вторым вариантом, на ней были изображены просто несколько мальчиков с конями. Этот первый вариант был уничтожен автором, вероятно, вскоре после его возвращения в Петербург.

Коня Петров-Водкин писал с реального жеребца по имени Мальчик, обитавшего в имении. Для создания образа подростка, сидящего на нем верхом, художник использовал черты своего племянника Шуры.

На большом, почти квадратном полотне, изображено озеро холодных синеватых оттенков, которое служит фоном смысловой доминанте произведения — коню и всаднику. Фигура красного жеребца занимает весь передний план картины практически полностью. Он дан так крупно, что его уши, круп и ноги ниже колен обрезаются рамой картины. Насыщенный алый цвет животного кажется еще ярче по сравнению с прохладным цветом пейзажа и светлым телом мальчика.

От передней ноги коня, вступающего в воду, разбегаются волны чуть зеленоватого, по сравнению с остальной поверхностью озера, оттенка. Все полотно является прекрасной иллюстрацией столь излюбленной Петровым-Водкиным сферической перспективы: озеро круглое, что подчеркивается фрагментом берега в верхнем правом углу, оптическое восприятие чуть искажено.

Всего на картине изображено 3 коня и 3 мальчика — один на первом плане верхом на красном коне, два других позади него с левой и правой стороны. Один ведет под уздцы белую лошадь, другой, видный со спины, верхом на оранжевой, уезжает вглубь картины. Эти три группы образуют динамическую кривую, подчеркнутую одинаковым изгибом передней ноги красного коня, таким же изгибом ноги мальчика-всадника и рисунком волн.

Считается, что изначально конь был гнедым (рыжим), и что цвет его мастер изменил, познакомившись с колористической гаммой новгородских икон, которой был шокирован.

Картина с самого начала вызывала многочисленные споры, в которых неизменно упоминалось, что таких коней не бывает. Однако, художник утверждал, что этот цвет он перенял у древнерусских иконописцев: например на иконе «Чудо архангела Михаила» конь изображен совершенно красным. Как и на иконах, на этой картине не отмечается смешения красок, краски контрастны и как бы сталкиваются в противоборстве.

Картина настолько поражала современников своей монументальностью и судьбоносностью, что нашла отражение в творчестве многих мастеров кисти и слова. Так у Сергея Есенина родились строчки:

«Я теперь скупее стал в желаньях.
Жизнь моя! Иль ты приснилась мне!
Словно я весенней гулкой ранью
Проскакал на розовом коне».

Красный конь выступает в роли Судьбы России, которую не в силах удержать хрупкий и юный седок. По другой версии Красный конь и есть сама Россия, отождествляемая с Блоковской «степной кобылицей». В этом случае нельзя не отметить провидческий дар художника, символически предсказавшего своей картиной «красную» судьбу России XX века.

Судьба картины сложилась неординарно.

Впервые полотно было показано на выставке «Мира искусства» в 1912 году и имело ошеломляющий успех.

В 1914 году она была на «Балтийской выставке» в городе Мальмё (Швеция). За участие в этой выставке К. Петрову-Водкину шведским королём была вручена медаль и грамота.

Разразившаяся Первая мировая война, затем революция и гражданская война привели к тому, что картина на долгое время осталась в Швеции.

После окончания Второй мировой войны и после упорных и изнурительных переговоров, наконец, в 1950 году произведения Петрова-Водкина, в том числе и это полотно, были возвращены на Родину.

Вдова художника передала картину в коллекцию известной собирательницы К. К. Басевич, а та в 1961 году преподнесла ее в дар Третьяковской галерее.

Ф. Малявин. Вихрь, 1906.

Картина «Вихрь» – вершина творчества Филиппа Андреевича Малявина – была задумана им в 1905 году (этим годом датирован эскиз к ней из собрания Третьяковской галереи). События первой русской революции 1905–1907 годов повлияли на выбор сюжета и живописно-пластическую манеру огромного монументального холста. Масштабность полотна подчеркивает значительность замысла. Все поле картины заполнено буйным вихрем красок, развевающимися в пляске юбками и шалями, среди которых мелькают разгоряченные лица крестьянок. Преобладающий красный цвет благодаря экспрессии кисти и интенсивности накала теряет свойства обозначения предметного мира, но приобретает символическое значение. Он ассоциируется с огнем, пожаром, неуправляемой стихией. Это предвестие назревающего народного бунта и вместе с тем стихия русской души. Символическое восприятие цвета у Малявина во многом идет от иконы – в детстве он несколько лет учился иконописи в Афонском монастыре в Греции, где был замечен скульптором В.А. Беклемишевым и отправлен им в Академию художеств в Петербурге.

Казимир Малевич. Черный квадрат, 1915.

Чёрный квадрат — самая известная работа Казимира Малевича, созданная в 1915 году. Представляет собой полотно размером 79,5 на 79,5 сантиметров, на котором изображён чёрный квадрат на белом фоне.

Работа была выполнена Малевичем летом и осенью 1915 года. По утверждению художника, он писал её несколько месяцев.

Работа была выставлена на последней футуристической выставке «0.10», открывшейся в Петербурге 19 декабря 1915 года. Среди тридцати девяти картин, выставленных Малевичем на самом видном месте, в так называемом «красном углу», где обычно вешают иконы, висел «Чёрный квадрат».

Впоследствии Малевич выполнил несколько копий «Чёрного квадрата» (по некоторым данным, семь). Достоверно известно, что в период с 1915 по начало 1930-х годов Малевич создал четыре варианта «Чёрного Квадрата», которые различаются рисунком, фактурой и цветом. Один из «Квадратов», хотя и датирован автором 1913-м годом, принято относить к рубежу 1920-х-1930-х годов. Им были также написаны картины «Красный квадрат» (в двух экземплярах) и «Белый квадрат» («Супрематическая композиция» — «Белое на белом») — один.

Существует версия, что «Квадрат» был написан к выставке — поскольку огромный зал надо было чем-то заполнить. Эта интерпретация основана на письме одного из организаторов выставки Малевичу:

Надо писать сейчас много. Помещение очень велико, и если мы, 10 человек, напишем картин 25, то это будет только-только.

Изначально знаменитый квадрат Малевича впервые возник в декорациях к опере «Победа над Солнцем» как пластическое выражение победы активного человеческого творчества над пассивной формой природы: чёрный квадрат вместо солнечного круга. Это была знаменитая декорация к пятой сцене 1-го действия, представляющая собой квадрат в квадрате, поделённый на две области: чёрную и белую. Затем из декораций этот квадрат перекочевал в станковое произведение.

Крупнейший на тот момент художественный критик, основатель объединения «Мир Искусства» Александр Бенуа написал сразу после выставки:

Несомненно, это и есть та икона, которую господа футуристы ставят взамен Мадонны.

На знаковой выставке 2004 года в варшавской галерее «Захента» «Варшава — Москва, 1900—2000», где выставлялись более 300 картин, скульптур, инсталляций (в частности, много картин русского авангарда) «Квадрат» из Третьяковской галереи был представлен в качестве центрального экспоната выставки. При этом он был вывешен в «красном углу», как на выставке «0.10».

В настоящее время в России находятся четыре «Чёрных квадрата»: в Москве и Санкт-Петербурге по два «Квадрата»: два в Третьяковской галерее, один в Русском музее и один в Эрмитаже. Одна из работ принадлежит российскому миллиардеру Владимиру Потанину, который его приобрёл у Инкомбанка в 2002 году за 1 миллион долларов США (30 миллионов рублей) и передал на бессрочное хранение в Эрмитаж этот первый из существующих вариантов холста с изображением «Чёрного квадрата» кисти основателя супрематизма.

Один из «Чёрных квадратов», написанный в 1923 году, является частью триптиха, в который также входят «Чёрный крест» и «Чёрный круг».

В 1893 году уже выставлялась аналогичная картина Альфонса Алле, под названием «Битва негров в глубокой пещере тёмной ночью».

Юрий Пименов. Новая Москва, 1937.

Картина является частью серии работ о Москве, над которой художник работал с середины 1930-х годов. Художник изобразил площадь Свердлова (сейчас Театральная), расположенную в центре города, неподалеку от Кремля. Видны Дом Союзов и гостиница «Москва». Сюжет картины — женщина за рулём автомобиля — довольно редкое явление для тех лет. Этот образ воспринимался современниками как символ новой жизни. Необычно и композиционное решение, когда изображение похоже на кадр, выхваченный объективом фотоаппарата. Пименов акцентирует внимание зрителя на фигуре женщины, показанной со спины, и как бы приглашает зрителя посмотреть на утренний город её глазами. Так создаётся ощущение радости, свежести и весеннего настроения. Всему этому способствует импрессионистская манера письма художника и нежный колорит картины.

Источник: barucaba.livejournal.com

• #Искусство